CODA

 

Conocida también como "Señales del Corazón" o "Los Sonidos del Silencio", "CODA" resultó ser la, para muchos (no quien les habla), impensada ganadora del premio Oscar a Mejor Película.

Fue esto de forma justificada? Tal vez. Había algún candidato más firme? Creo que sí. Aunque de esto hablaremos más adelante.

"CODA" significa Hijo/a De Adulto Sordo (en inglés "Child Of Deaf Adult"), y es un film que se me antoja bastante mainstream considerando el tipo de largometrajes que suelen ser los que obtienen el mayor galardón de la "Academia".

Ruby Rossi (Emilia Jones - "Locke & Key") es la única en su familia que puede escuchar y hablar, y como tal, debe afrontar muchas cosas en el correr del día, desde levantarse a las 4 de la mañana para ir a pescar con su padre y hermano, a ir a la secundaria luego y rendir en clase.

Obligada a elegir una materia optativa en su escuela, Ruby termina en clases de canto, más que nada debido a que el chico que le gusta se inscribe allí. Cantar a Ruby se le da muy bien, aunque todavía no ha superado el hacerlo en público. Por otro lado, su familia desconoce la pasión que Ruby siente por el canto. Eventualmente, Ruby se encontrará en una encrucijada: seguir apoyando a su familia, o perseguir sus sueños.

"CODA" es bastante formulaica, y uno termina adivinando cómo va a finalizar el film luego de haber visto 20 minutos. No obstante, y a pesar de su previsibilidad, Sian Heder (directora y escritora del film - con pasaje como guionista en "Orange is the New Black") hace un gran trabajo en transmitirnos la calidez y unión de la familia Rossi, así como la lucha interna de Ruby, dándose el lujo de mezclar drama con humor con muchísimo éxito. El trabajo actoral es muy bueno, tanto el de Jones como el de la conocida Marlee Matlin ("The West Wing"), Daniel Durant ("You"), y en especial el de Troy Kotsur ("Número 23"), quien interpreta al padre de Ruby, y quien además ganara el Oscar como Mejor Actor de Reparto por este film. Quizás en este rubro, el personaje interpretado por Eugenio Derbez se nota un tanto exagerado, asumo que con el fin de sumarle un "alivio cómico" más al largometraje.

En cuanto a la historia en sí, es menester mencionar que "CODA" es una remake de "La Familia Bélier", película francesa del 2014. Hay algunos cambios como la edad del hermano de Ruby, o el negocio al que se dedica la familia (hecho que a la postre se vuelve fundamental en esta nueva versión). Quizá la mayor crítica a la original es que no se usaron actores sordomudos, mientras que la versión de Heder todos los miembros de la familia tienen en verdad esta característica.

Volviendo al tema de los Oscars, creo que "El Poder del Perro" era la mejor opción considerando ciertos estándares como para haber sido elegido Mejor Película, sin embargo, "CODA" es una producción que llega más al corazón, cuenta con el elemento "inclusivo" siempre bien visto por la "Academia", y nos muestra una lucha adolescente - si bien trillada, con un nuevo contexto - , que llega a buen puerto y logra en el proceso emocionar y hacer reír, algo que sin dudas, muchos de nosotros buscamos en un film.

FICHA TÉCNICA:          
PAÍS: Francia / Canadá / Reino Unido
AÑO: 2022
GÉNERO:  drama / comedia / música
DURACIÓN: 111 minutos
GUIÓN: 7 /10  
DIRECCIÓN: 8 / 10

ACTUACIONES: 9 / 10

GANANCIAS: US$ 1.546.009

RATED: PG-12

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EL PODER DEL PERRO

 

Era, tal vez, la más firme candidata al Oscar como Mejor Película para esta nonagésimo cuarta entrega de los premios más famosos del cine, edición que se recordará por el bofetazo de Will Smith a Chris Rock y toda la polémica que se sucedió luego. "El Poder del Perro" se vuelve un film que deambula por carriles poco convencionales y se aleja del cine mainstream en lo que a fórmulas se refiere.

Jane Campion, aquí directora y escritora del film - y que obtuviera su estatuilla dorada por Mejor Guion Original, y quien ya anteriormente se llevara un Oscar en el mismo rubro por el film "El Piano" (1993), nos presenta un largometraje que no es para todos los gustos, de tránsito lento, con personajes muy bien trabajados.

Estamos en el año 1925, y los hermanos Phil y George Burbank (Benedict Cumberbatch - "Dr. Strange", y Jesse Plemons - "The Irishman") regentean un rancho en Montana, rancho que pertenece a sus padres, quienes se han ido a vivir a la ciudad. De personalidades completamente opuestas, cada uno tiene sus funciones bien definidas. Mientras Phil es severo, duro, y un líder nato, y quien se encarga de las faenas; George, quien se ocupa de las finanzas. por su parte, es alguien de carácter más correcto, que observa las formas, y que parece sapo de otro pozo viviendo en el rancho.

De camino a vender un lote de ganado en pie, es que el convoy de los Burbank para en Red Mill, un pequeño grupo de casas con un hotel / restaurant que es trabajado por Rose (Kirsten Dunst) y su hijo, Peter. Éste tiene una forma de ser que no condice con las que los rancheros comulgan, y es presa del escarnio por parte de Phil y sus empleados. El único que muestra empatía para con la viuda y su hijo es George, quien finalmente se terminará casando con ella, y llevándosela al rancho, junto con su hijo. Es allí donde las vidas de todos darán un giro, donde madre e hijo tendrán que aclimatarse a su nuevo hogar, y donde quienes habitan allí hace tiempo tendrán que adaptarse a la presencia de los recién llegados.

Contando con una gran fotografía, una música exquisita de la mano de Jonny Greenwood (que llega a poner los pelos de punta), muy buen vestuario, y personajes potentes (algo en lo que la gran mayoría parece concordar), para muchos, "El Poder del Perro" está sobrevalorada, es lenta, y no transmite un mensaje claro. Si bien estoy totalmente de acuerdo con lo segundo, difiero en los otros dos aspectos. 

Creo que el hecho de que este film sea un slow burn le quita la atracción que para muchos un largometraje deba tener, y hace que de hecho, pueda volverse monótono y hasta tedioso. Por otro lado no creo que esté sobrevalorada, ya que es un film que puede leerse desde muchas líneas y tiene muchas aristas, hecho que me lleva al tercer punto: el mensaje. Éste va desde la homosexualidad al poder del patriarcado, del amor filial a lidiar con un mundo que no acepta cómo uno es, de supervivencia en un medio hostil y de la capacidad de adaptación. Es definitivamente una película muy interesante, aunque debo admitir que es de esas que no sé si vería de nuevo. 

"El Poder del Perro" termina perdiendo en su carrera a manos de "CODA", un film integracionista pero mucho más mainstream y previsible, aunque esa reseña es para dentro de unos días.

FICHA TÉCNICA:          
PAÍS: USA / Reino Unido / Canadá / Australia / Nueva Zelanda
AÑO: 2021
GÉNERO:  drama / western
DURACIÓN: 144 minutos
GUIÓN: 10 /10  
DIRECCIÓN: 7 / 10

ACTUACIONES: 9 / 10

GANANCIAS: US$ 260.596

RATED: PG-16

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KING RICHARD

 

Ganadora a Mejor Película Dramática en los últimos Globo de Oro, y nominada a 3 premios Oscar como Mejor Película, Mejor Actor, y Mejor Actriz de Reparto, "King Richard" nos cuenta la historia de Richard Williams y su plan de convertir a dos de sus hijas en futuras campeonas de tenis.

Richard (Will Smith) tuvo una meta fija desde que se casara con Oracene: convertir a sus hijas Venus y Serena en las mejores tenistas de la historia. Para ello trazó un plan minucioso, y gracias a mucho esfuerzo por parte de toda la familia, Venus y Serena se convirtieron en lo que hoy conocemos. 

De extracción muy humilde, la familia oriunda de Compton, California, vivía según la égida de unos padres cariñosos, pero estrictos. En la familia Williams se trabajaba, entrenaba, y se estudiaba, a pesar de las condiciones y la coyuntura del momento.

La tenacidad, resolución, y visión de Richard, con el apoyo incondicional de su esposa, fueron forjando, contra todos los pronósticos, lo que sería el futuro de dos de las tenistas más grandes de la historia, y las únicas hermanas en conseguir ganar todos los Grand Slams.

Si bien "King Richard" está basada en una historia real, podríamos decir que ésta está un tanto edulcorada, máxime teniendo en cuenta que las hermanas Williams, quienes siempre han reconocido que su éxito no hubiese sido posible sin su padre, están como productoras ejecutivas, teniendo un "qué decir" en varias tomas de decisión. Y cuando hago mención a lo "edulcorado" del film, me refiero a que, si bien por un lado se nos muestra la naturaleza a veces contradictoria del mismo Richard, a la hora de sacar los "trapos sucios", como el hecho de los otros hijos extra-matrimoniales de Richard, el film dirigido por Reinaldo Marcus Green parece quedarse en el debe.

Entendible que Will Smith esté nominado, como también Aunjanue Ellis, no tanto así el film como Mejor Película, lo cual sólo se justifica por la imagen políticamente correcta que "la Academia" quiere transmitir.

Hablando de "transmitir", el film da lugar a algunas ideas erróneas en cuanto a los logros de las hermanas. Venus se convirtió en la primer gran ganadora de un Grand Slam de origen afrodescendiente, y fue sin dudas en su momento más popular y querida que lo que fuera luego Serena, que es la segunda tenista más ganadora en cuanto a Grand Slams con 23, por detrás de Margaret Court con 24. La pregunta del millón para muchos es cuál de las dos hermanas termina siendo mejor, y la respuesta es inequívoca: Serena. No sólo estuvo más tiempo en el número 1 del ranking de la WTA y ganó más torneos (73 contra 49), si no que además de tener más Grand Slam ganados que su hermana (23 a 7), considerando los partidos entre sí, también tiene saldo a favor (18 a 12).

También es importante aclarar que ninguna de las dos fue la mejor tenista de la historia en cuanto a torneos en general (Serena se encuentra cuarta detrás de Martina Navratilova, Chris Evert, y Steffi Graf - Venus sexta), ni tampoco las más jóvenes, título que recae en Martina Hingis, quien en 1997 ganó el Abierto de Australia con 15 años.

Vale la pena? Yo creo que sí. Es material para ganar un Oscar a Mejor Película? No. Pero...con los compromisos sociales / políticos de Hollywood, cualquier cosa puede pasar.

FICHA TÉCNICA:          
PAÍS: USA
AÑO: 2021
GÉNERO:  drama / deportes /biográfica
DURACIÓN: 144 minutos
GUIÓN: 5 /10  
DIRECCIÓN: 6 / 10

ACTUACIONES: 8 / 10

C.G.I.: 7 / 10

PRESUPUESTO / GANANCIAS: US$ 50.000.000 / US$ 37.736.065

RATED: PG-12

MATRIX 4 - RESURRECCIONES

La pregunta en las bocas de todos fue: "¿Hacía falta?". La respuesta ya la sabíamos.

Sin embargo, el bueno de Keanu, se ve que a falta de buenas propuestas originales, se ha puesto en carrera de revivir viejas glorias del pasado; así lo hizo con "Bill & Ted", ahora con "Matrix", y no dudes que a la brevedad nos "sorprenda" al volver a interpretar al mago más infame del universo DC, o con una nueva versión de "Speed". Lo que nos resta esperar es que en algún momento, alguna de estas secuelas esté a la altura de las originales.

Te acordás de que la Matrix es un programa diseñado y creado por inteligencia artificial, donde las máquinas - quienes se alimentan de energía humana, cultivándonos cual plantas - nos hacen vivir una realidad paralela para de esa forma mantenernos controlados. Este programa tiene "agentes" que se encargan de controlar que todo sea como debe ser. En la primer entrega ya se nos muestra cómo es la vida fuera de la Matrix, donde los humanos que han logrado "despertar" viven como rebeldes intentando derrocar el poder de las máquinas.

Bugs (Jessica Henwick - "Game of Thrones"), la capitana de la nave Mnemosyne - fuera de la Matrix -, encuentra un programa con un código viejo, uno de la época previa a los agentes, en el que Trinity (Carrie-Anne Moss) marcaba el lugar donde se encontraba Neo (Keanu Reeves) en aquel entonces. Es investigando ese programa que descubre que uno de los agentes de la Matrix se está comportando de forma extraña. Dicho agente sería una nueva versión de Morfeo (antes interpretado por Laurence Fishborne y ahora encarnado por Yahya Abdul-Mateen II - Black Manta en "Aquaman"), quien está a punto de ser eliminado del sistema. 

Por otro lado, dentro de la Matrix, tenemos a Thomas (Reeves), un creador de videojuegos que se hiciera famoso por inventar una trilogía llamada..."Matrix". Ésta está basada en sueños que tuvo, y fue desarrollada junto a su compañero de negocios, un tal Smith (Jonathan Groff - "Mindhunter"). Para Thomas hay algo que no cuadra, y esto se hace más patente cada vez que visita la cafetería donde Tiffany (Moss) va con su familia. Tiffany se parece demasiado a la Trinity de sus sueños, y esto le genera una atracción especial. 

Cada vez que consulta a su terapeuta (interpretado por Neil Patrick Harris - "How I Met Your Mother"), éste le receta una pastilla azul para que Thomas pueda de esta forma seguir en la realidad "real".

Thomas eventualmente se rehusará a tomar la pastilla y será allí cuando descubra un intruso en su videojuego...intruso que es eliminado por Smith. 

Fuera de la Mátrix, Bugs y el nuevo Morfeo detectan una señal de Neo dentro de la Matrix, comprobando que éste no está muerto como se creía. Al ser liberado, Neo se da cuenta de que sus sueños no eran tales, de que han pasado 60 años desde la guerra contra las máquinas, y que al día de hoy un grupo de éstas y los humanos rebeldes se han aliado para luchar contra una anomalía del sistema; anomalía que mantiene con vida tanto a Neo como a Trinity, pero separados entre si y del resto de los humanos. Lo único que Neo quiere es liberar a Trinity, aunque esto podría traer consecuencias nefastas para el débil equilibrio de las cosas que existe al día de hoy fuera de la Matrix.

La gran mayoría de las veces las secuelas no se comparan con el film original. Sí tenemos excepciones que demuestran lo contrario: "El Padrino 2", o "Alien 2" pueden ser consideradas al menos tan buenas como sus predecesoras, o incluso "Terminator 2" mejor que la original. Este no es el caso de la saga Matrix, la cual parece haberse ido deshilachando con el paso de las entregas. Y lo que en el año '99 fue un punto de inflexión en cuanto a CGI, utilización cámaras, e incluso en lo argumental, tema de debate en universidades, apuntando al debate filosófico de "qué es real", en el 2021 se convirtió en una parodia de sí misma, siendo esto parte de la intención de Lara Wachowski, directora del film. 

Es verdad que la primer parte del film se hace interesante, marcando el después de la vida de los dos personajes principales, y nos plantea la intriga de porqué están de nuevo en la Matrix. El concepto de que el videojuego creado por Neo fue a causa de sueños que tuvo, es ingenioso. No obstante, como en la sucesión de las Matrix, "Resurrecciones" en sí misma se va desintegrando, volviéndose más innecesariamente caótica, utilizando recursos poco novedosos, y teniendo giros argumentales que no conforman. Matrix, a fin de cuentas, termina siendo una historia de amor. El rescate de un amor contra todos los pronósticos. Y creo, que lo que peor le calza al film es el cambio de tono que va teniendo con el paso de los minutos.

No es completamente mala, aunque si totalmente innecesaria.

FICHA TÉCNICA:          
PAÍS: USA
AÑO: 2021
GÉNERO:  ciencia ficción / romántica / acción
DURACIÓN: 128 minutos
GUIÓN: 5 /10  
DIRECCIÓN: 4 / 10

ACTUACIONES: 6 / 10

C.G.I.: 9 / 10

PRESUPUESTO / GANANCIAS: US$ 190.000.000 / US$ 156.575.035

RATED: PG-16

MI MEJOR AMIGA ANA FRANK

 

Hemos visto algunas veces "El Diario de Ana Frank" llevado a la pantalla grande. La primera de la que tengo conocimiento es la versión de George Stevens de 1959, aunque más tarde tuvimos también "Recordando a Ana Frank" de 1995, protagonizada por Glen Close, "Descubriendo a Ana Frank" (2019) de corte documental, con Helen Mirren, e incluso algunas versiones animadas. Lo que nunca habíamos visto hasta el momento es un largometraje sobre la mejor amiga de Ana Frank, alguien muy importante en la vida de la famosa niña holandesa.

Ben Sombogaart, director del film y nominado al Oscar por "Twin Sisters", apelando al ya manido recurso del flashback, se encarga de mostrarnos la juventud en relativa libertad de Ana y Hannah (la amiga), así como la experiencia en un campo de concentración de esta última. Cuando digo en "relativa libertad" me refiero a que la película comienza en 1942 con las amigas disfrutando de su mundo como adolescentes, ya con el dominio nazi de Holanda, por lo que las chicas deben limitarse a vivir básicamente dentro de los confines de su barrio judío, y deben de portar la Estrella de David, insignia judía de color amarillo identificatorio de los miembros de esa comunidad. Mientras a Ana se la muestra provocadora, una líder natural, y proclive a saltearse las reglas - poniendo en peligro a todos a su alrededor -, a Hannah se la presenta más centrada, aunque tratando constantemente de obtener la aceptación y aprobación de su amiga. De allí se nos lleva a 1945, donde Hannah se encuentra recluida en Bergen-Belsen, uno de los mayores campos de concentración nazi situado en Alemania, y donde murieron más de 50.000 prisioneros. Allí, Hannah recuerda épocas más felices mientras espera poder un día ser liberada (o intercambiada por un soldado alemán, práctica común en aquel entonces) y dedicarse a su sueño de convertirse en la próxima Florence Nightingale. 

Es en este ida y vuelta entre 1942 y 1945 que somos testigos de una juventud truncada por la invasión nazi, y cómo los sueños de estas dos amigas (y de todos los de su comunidad) se hacen añicos. 

Si bien el film se vuelve interesante, con un mezcla de liviandad adolescente (las chicas tratando de escapar la realidad en la que viven - o simplemente no siendo conscientes del peligro real), la desesperación de los padres (quienes tratan de ocultar a sus hijas lo que sucede), y la brutalidad alemana para con sus prisioneros, no llega a convencer del todo. Hay elementos que no cierran mucho (escenas en el campo de concentración que parecen poco creíbles), una mujer húngara cuyo diálogo nunca se subtitula (y uno tiene que adivinar de qué va la conversación entre Hanna y dicha mujer), o la forma en que se la presenta a Ana Frank, que luce un tanto exagerada en su provocación continua.

Si me gustó el hecho de que Ana no sea la figura principal, pero soy de la idea de que nunca terminamos de conocer a la verdadera Hanna. Si a esto le sumamos que ya un poco que conocemos quién sobrevive y quién no de antemano, el film termina careciendo de suspenso. No obstante, es interesante y la hora cuarenta y tres se hace corta.

FICHA TÉCNICA:          
PAÍS: Países Bajos
AÑO: 2021
GÉNERO:  drama
DURACIÓN: 123 minutos
GUIÓN: 6 /10  
DIRECCIÓN: 5 / 10

ACTUACIONES: 7 / 10

GANANCIAS: US$ 1.837.162

RATED: PG-16

HAWKEYE

 

Ojo de Halcón (o "Hawkeye") es tal vez de los héroes menos populares del MCU, y creo que la reciente controversia en torno a quien lo encarna en la pantalla grande (y chica), Jeremy Renner, poco ayuda.

Como fan del comic, y especial predilección por muchos personajes que suelen permanecer a la sombra de otros más renombrados, Hawkeye es un héroe que me atrae, así como lo es Flecha Verde en el universo DC. Después de todo, quien no es un poco "hincha" de un tipo que con solo un arco y unas flechas se codea con seres que manejan poderes místicos, super fuerza, o son inclusos dioses? 

Pero....como decía, a las pruebas me remito con su popularidad (o falta de), ya que mientras sus colegas de Avengers todos recibieron su propio "solo act" en la gran pantalla (la mayoría más de 1 entrega), el bueno de Clint Burton se tuvo que conformar con una serie de 6 episodios, donde, en realidad es más una co-estrella que el personaje central. 

"Hawkeye" va por lo que se conoce en el mundo del comic como "el legado". Si has estado en sintonía con el mundo cinematográfico Marvel, sabrás que se viene una nueva fase, donde los viejos superhéroes pasarán el manto a una nueva generación. Es así que, por ejemplo, el Mjölnir de Thor irá a parar a nuevas manos (como sucedió con el escudo de Capitán América y Sam), aunque en el caso del dios nórdico será a una mujer. En este apartado, el cambio de género de personajes es algo que se está haciendo costumbre en el MCU (empoderamiento de la mujer, sumado a mayor público femenino - y más ingresos -, sumado a ser políticamente correctos). Esto lo hemos visto con Taskmaster (en "Viuda Negra"), Ghost (en "Antman"), Ajak y Sprite (en "Eternals"), Flag Smasher (en la serie "Falcon & the Winter Sodier"), The Ancient One (en "Doctor Strange"), y Mar-Vell ("Capitana Marvel"). En algunos casos tal vez un poco más justificable, pero en otros sin sentido alguno. A muchos fans esto seguramente les encante, en lo particular...

Además, "Hawkeye" está apuntado a un público +12, con lo cual ya sabemos el tono Disney que va adoptar, donde el riesgo de que la serie se pareciera más al film animado "Brave" que a una peli de los Avengers era muy grande.

Con estas consideraciones y teniendo en cuenta que Barton iba a ser un segundo de lujo, me encontraba un poco renuente a ver la serie. Obviamente, ya habiendo todo el MCU tanto en largometrajes como en series, había que darle una chance. Y, a fuerza de ser honesto, no es mala...pero podría haber sido muchísimo mejor (si realmente hubiese sido una serie sobre Ojo de Halcón).

Kate Bishop (Hailee Steinfeld - "BumbleBee") ha estado desde chica obsesionada con Clint Barton, y es por ello que, luego de la invasión alienígena de la mano de Loki, se decide a no depender de nadie para poder defenderse. Luego de ir a clases de defensa personal y esgrima, se dedica de lleno a la arquería. El destino (y el traje que usara Barton en su época como Ronin) lleva a que ambos terminen coincidiendo, enfrentándose a un complot, un tanto difuso al principio. Mientrás que Kate lo único que desea es hacer equipo con Barton y derrotar a los malos que los atacaron, lo único que él quiere es pasar la Navidad con su familia, como prometió (un argumento ya muy manido el de llegar con la familia a tiempo para las fiestas). Y, mientras Barton está un tanto cansado de luchar y pretende dejar el pasado atrás, Kate - con algunos berrinches de niña rica - , quiere arriesgar todo y hacer lo que Barton no quiere. La trama se irá complicando cuando el pasado de Ojo de Halcón llegue para pasarle factura.

Es un show que apunta a un público juvenil, ligero, y si se quiere, de tono navideño, que creo que aúna elementos Disney y Marvel de buena forma, pero que no da con la esencia de lo que es Ojo de Halcón, el personaje (ni el del comic ni el mostrado en films anteriores), donde se apunta a humanizar más al héroe, y mostrarlo como el hombre de familia que ya sabíamos era. Las actuaciones son buenas, y el personaje de Steinfeld termina siendo querible, con un reparto que cuenta entre otros con Vera Farmiga ("El Conjuro"), Tony Dalton ("Better Call Saul"), y Florence Pugh ("Black Widow").

Linda, amena, pero como te contaba antes...no sé con cuánto del universo Marvel de los films.

FICHA TÉCNICA:          
PAÍS: USA
AÑO: 2021
GÉNERO: superhéroes / aventuras 
DURACIÓN: 60 minutos x 6 episodios
GUIÓN: 5 /10  
DIRECCIÓN: 7 / 10
ACTUACIONES: 7 / 10

CGI: 7 / 10
RATED: PG-12

DEAD TO ME - Temporadas 1 & 2

 

Mi señora y yo tenemos gustos bastante distintos en lo que refiere a ver películas y series. Cuando uno arranca una relación (y eso me pasó hace 17 años en este caso puntual), hace un esfuerzo por ver películas que a priori a uno no le interesarían. Parecería ser que dichos esfuerzos van menguando con el paso de los años. Justo es decir que todavía lo hacemos, aunque quizás no con la asiduidad de antaño. Sí tenemos shows en común que disfrutamos mucho como "The Big Bang Theory", "Friends", o "Modern Family". En busca de una nueva serie que nos convenciera a los dos es que ella me sugirió ver "Dead to me". Si...admito que de buenas a primeras es una serie más del perfil de ella. No obstante, le di una chance. Y lo bien que hice!

Dos viudas, Jen (Christina Applegate - "Married with Children") y Judy (Linda Cardellini - "Secreto en la Montaña") se conocen en un grupo de apoyo, y, muy a pesar de Jen, terminan rápidamente siendo amigas, al punto tal que se sienten como almas gemelas, y pueden confiar secretos en la otra que no lo harían con nadie más. Aunque hay secretos que es mejor que no se revelen nunca. 

Jen es mamá de dos niños (uno adolescente), y lidia con su trabajo de agente inmobiliaria, la muerte de su marido, y la vida de madre lo mejor que puede, aunque a veces siente que no hace bien ninguna de todas esas cosas. Estructurada, de un humor muy ácido, y totalmente escéptica de lo que es la gente, su principal debe es el no haber pasado suficiente tiempo con su familia, y sentirse responsable, en parte, de la muerte de su esposo. Por su parte Judy es todo lo opuesto. Un alma libre que dedica su tiempo a la pintura y a cuidar de ancianos, mucho más relajada con respecto a la vida, y también con respecto a creer en los demás. En el caso de Judy, carga con la cruz de haber perdido 5 embarazos. Esta nueva amistad hará que ambas descubran cosas de sí mismas, de gente cercana, y de extraños, que jamás se hubiesen imaginado; cosas que cambiarán sus vidas para siempre.

Con episodios cortos y muy amenos, esta serie combina de forma magistral un tema difícil como es la muerte de un ser querido, con la comedia. Actuaciones sublimes, guion inteligente, y un cliffhanger en cada episodio que hará que no puedas parar de ver uno detrás de otro. La química de Applegate y Cardellini es palpable y traspasa la pantalla, lo cual es un factor clave para que el espectador se involucre con estas dos mujeres (en especial con el rol de Applegate). Como curiosidad, el personaje de Jen cuenta como tuvo que hacerse una doble mastectomía, y los dramas que esto conllevó, sobre todo en su relación de pareja. Dicha característica del personaje fue incluida a pedido de Applegate, quien realmente tuvo que sobrellevar dicha operación. La misma Applegate necesitó terapia luego de filmar la primer temporada, ya que mucho del personaje reflotó heridas personales.

"Dead to Me" fue una verdadera sorpresa, y es totalmente recomendable para quienes gustan de la dramedia con un toque de humor negro. En lo personal, ansioso por ver la tercer y última temporada.

FICHA TÉCNICA:          
PAÍS: USA
AÑO: 2019-2022
GÉNERO: comedia / crimen / drama
DURACIÓN: 30 minutos x 13 episodios
GUIÓN: 8 /10  
DIRECCIÓN: 9 / 10
ACTUACIONES: 9 / 10
RATED: PG-13

EL MARGINAL - Temporada 4

"La fórmula funcionó y había que repetirla" bien podría ser una breve definición de "El Marginal 4".

OK. Como no te quiero spoilear nada de esta cuarta entrega de la serie argentina más popular de los últimos años, te dejo por acá las reseñas de la primera, segunda, y tercera temporada respectivamente. Como ya sabés, seguí leyendo solo si ya viste las anteriores o no te importa que te cuenten algunas cosillas. 

Para ponerte en contexto, ésta temporada vendría, cronológicamente, luego de la primera. Miguel (Juan Minujín - "2+2") y Emma (Martina Guzmán - "Carancho") son pareja y están a la fuga, con el hijo de Miguel de un matrimonio anterior y la hija que han tenido ambos. Pasaportes falsos y un cruce a Brasil que se hace urgente. El destino querrá que la pareja no llegue a destino y Miguel termine en la prisión de Puente Viejo (algo que ya se sabía por el "sneak peak" del final de la temporada 3). Allí, Miguel (o Pastor, como algunos le llaman) deberá de sacar fuerzas de flaquezas ya que al haber sido policía, será blanco tanto de otros reclusos como de las autoridades a cargo (ya que en su momento fue responsable de matar a otro policía). Para colmo de males, la banda de los Borges, liderada por Mario (Claudio Rissi - "Nueve Reinas") y su hermano Diosito (Nicolás Furtado), también va a parar a Puente Viejo tras el incendio de San Onofre. En este nuevo lugar, los Borges querrán recuperar el lugar de preminencia que otrora tuvieran en la prisión manejada por Antín (Gerardo Romano - "Zona de Riesgo"). Para ello deberán ganarse el favor de Coco (Luis Luque - "El Puntero"), quien es el que "mueve la pelota" detrás de bambalinas, mientras eluden el control férreo del director de Puente Viejo, Galván (Rodolfo Ranni - "Los machos").  En este contexto, Miguel intentará escapar una vez más, para poder tener una vida lo más normal posible junto a su familia.

Arrancaba el post hablando de fórmula que se repite. Y, si te acordás de las primeras temporadas hay muchos factores comunes: la necesidad de Miguel de adaptarse a un medio hostil y buscar escapar a como de lugar, el enfrentamiento entre diversas bandas por poder dentro de la prisión, el intento de ascenso en el escalafón carcelario por parte de los Borges, la existencia de otro "capanga" al que hay que sacar del medio, un director de cárcel que abusa de funciones, la lucha contra las adicciones, y el amor, esa fuerza motivadora que todo lo puede. No sólo las ideas se repiten, si no también que lo hacen los actores, ya que de forma misteriosa Antín termina trabajando para el gobierno argentino como director del sistema carcelario, y la sub21 vuelve a aparecer (aunque ya tengan más de 30 y estén casi todos muertos).

Es notorio el apoyo de Netflix en cuanto a producción, ya sea por locaciones o cantidad de actores. La empresa se nota optó por jugar a seguro y utilizar la fórmula comprobada del éxito que llevó a El Marginal al lugar de privilegio en cuanto a televidentes que tiene al día de hoy. Hay elementos que siguen siendo notables como las actuaciones de Romano, Rissi, o Furtado (y la incorporación con éxito de Ranni - no así la de Luque, cuyo personaje es bastante caricaturesco -), o las interacciones de Antín con Borges, o Diosito con casi cualquiera. Mantiene la esencia, atrapa, y entretiene. Veremos qué depara la quinta y última temporada.

FICHA TÉCNICA:          
PAÍS: Argentina
AÑO: 2016-2021
GÉNERO: acción / crimen / drama
DURACIÓN: 60 minutos x 8 episodios
GUIÓN: 7 /10  
DIRECCIÓN: 9 / 10
ACTUACIONES: 8 / 10
C.G.I.: 7 / 10
RATED: PG-16

EL ESTAFADOR DE TINDER

 

Cecilie, Ayleen, y Pernilla viven en países distintos, tienen trabajos distintos, y amigos distintos, aunque tienen en común 2 cosas: el uso de Tinder para buscar el "match" perfecto, y el haber sido engañadas por el mismo hombre.

Cecilie Fjellhoy, oriunda de Oslo (Noruega), quien a la sazón contaba con unos 29 años, se encontraba estudiando en Londres cuando, ojeando Tinder (quizás la más famosa aplicación para encontrar pareja) se topa con Simon Leviev, un supuesto millonario de 28 años, heredero de una compañía de diamantes en Sudáfrica. Luego de un café en el Four Seasons de Londres, Cecilie es rápidamente seducida por Simon, para esa misma noche volar a Sofía (Bulgaria), y pasar un fin de semana soñado. Claro...el perfil de Leviev mostraba a un tipo enfundado en Dolce & Gabbana, viajando a lugares exóticos, y viviendo una vida de lujos. Cecilie no se había enamorado de un plomero o de un paseador de perros.

La trampa de Leviev incluía otros actores, fotos truchadas, e incluso falsificación de documentos.

Luego de algunas citas, Leviev termina proponiéndole mudarse juntos, a lo que Cecilie deslumbrada por todo el dinero y el lujo que rodeaba al bueno de Simon, accede de muy buen agrado. Cabe decir que la mayor parte de la relación se desarrolla por medio de videollamadas o mensajes, ya que Leviev se encuentra constantemente viajando "por negocios".

Un buen día, Leviev le envía a Cecilie una foto en la que su guardaespaldas había sido presuntamente atacado por sus "enemigos" (la industria del diamante puede ser muy peligrosa). Es allí cuando Simon le explica a Cecilie que no puede usar sus tarjetas de crédito ya que son fácilmente rastreables por los "enemigos" en cuestión, por lo que le pide si ella le hace una extensión de su propia American Express para usar por un par de semanas. Ella no se niega. Y es precisamente allí cuando comienza la debacle, ya que luego de ese préstamo habrá más...muchos más (si te suena al cuento del príncipe camerunés, no andás errado). Pero...así como Fjellhoy, Pernilla Sjoholm (de Suecia) y posteriormente Ayleen Charlotte (de los Países Bajos) cayeron en la misma trampa de Leviev (y quizás muchas más). 

Este documental de Netflix nos lleva a través de la estafa a estas mujeres y a una posterior investigación periodística, que tiene como fin exponer a este timador y llevarlo a la justicia. Acá te dejo un link para que sigas la nota publicada por el diario VG de Noruega (para después de que veas el documental).

En lo personal, me es difícil sentir empatía por las mujeres estafadas (al menos por las primeras dos), ya que es evidente que mientras la primera cae en la trampa del "príncipe-azul-lleno-de-dinero-muéstrame-la-vida-que-siempre--soñé", la otra es una "living la vida loca" y aprovecho a este pibe que tiene toda la plata. Siempre queda la sensación de que si se hubieran interesado más en la persona y menos en el dinero, esto no les hubiera pasado. Ni que decir que Leviev merece ir a prisión por mucho...mucho tiempo, y nadie debería pasar por lo que estas mujeres pasaron. Al menos la cara del timador ya es internacional, y el objetivo de las chicas está, en parte, cumplido.

FICHA TÉCNICA:          
PAÍS: Reino Unido
AÑO: 2022
GÉNERO:  documental / crimen
DURACIÓN: 114 minutos
GUIÓN: 6 /10  
DIRECCIÓN: 8 / 10 

RATED: PG-12

 

LA HIJA OSCURA

 

 "La Hija Oscura" ("The Lost Daughter") es de esos films que pueden llegar a ser considerados una obra de arte y al mismo tiempo incomprendidos. También para muchos puede ser una película rara y aburrida. Lo que definitivamente es, es un largometraje que se aleja del cine mainstream y de la zona de comfort del espectador.

En su debut como directora, la actriz Maggie Gyllenhaal ("Secretaria") nos trae a la pantalla la adaptación de una novela de Elena Ferrante, y como toda adaptación, esta conlleva cambios. Sin embargo, y más allá de la diferente locación, y la "americanización" de los personajes (aunque el principal es británico), el film parece mantener la esencia del libro, un libro que es contado en primera persona, y donde el personaje central, Leda (Olivia Colman - "The Crown"), tiene mucho más monólogos internos en el papel que en la pantalla, donde se la muestra un tanto más descompensada y el conflicto interno mostrado en la novela se exterioriza. 

La profesora Leda Caruso se encuentra de vacaciones en una isla griega, pero su relax y disfrute se verán prontamente alterados por la presencia de una familia italo-americana que llega a la isla, isla de la que prácticamente son amos y señores. La familia es, para Leda, por momentos amenazante, aunque a la vez se encuentra fascinada por uno de los miembros, Nina (Dakota Johnson - "50 Sombras de Grey"), una joven madre, que prácticamente está criando a su hija sola, ya que su marido parece tener algunos negocios lejos de donde la familia vacaciona. Con el transcurso del largometraje veremos cómo Leda vivió su propia maternidad (a través de flashbacks), y como, de cierta forma se ve reflejada en lo que Nina está atravesando. Es así, como un viaje de relax se va transformando paulatinamente en un viaje de introspección...un viaje que depende de cómo lo maneje Leda podrá resultar más o menos peligroso.

Leda se define a sí misma como "...una madre antinatural.", frase que pinta en gran medida el tono del film. Mientras Leda observa en la playa cómo se desenvuelve Nina como madre, re-evalúa su propio hacer, uno en el que, de joven, debía lidiar con sus dos hijas y una promisoria carrera. Si bien su pareja, otro literato promisorio del estilo, estaba en su misma situación, éste delega la mayoría del trabajo de crianza en Leda, quien, como es de esperarse, termina colapsando. Todo lo que sucede a continuación en sus primeros años como madre serán memorias que no dejen de acosarla, memorias que se volverán aún más vívidas y tumultuosas cuando la hija de Nina se pierda en la playa.

Sin querer ser demasiado categórico en el concepto, parecen haber algunos aciertos en el enfoque que Gyllenhaal le da al asunto, aunque también desaciertos (ya sea por elección, omisión, o falta de recursos). Los monólogos introspectivos de Leda que se tienen en el libro (historia que se lleva a cabo en primera persona) son difíciles de transmitir en pantalla, y eso ocasiona que se pierda intimidad en el film y que tal vez cueste más empatizar con el personaje principal. El largometraje también de a ratos e vuelve caótico (seguramente buscado por la directora), lento, y poco interesante. Por otro lado, sí se ven como aciertos tanto el setting como la atmósfera de constante tensión que le llega al espectador. Colman, como es de esperarse, tiene una actuación soberbia.  

"La Hija Oscura" atañe una temática que sin dudas debería de verse más seguido en el cine (o al menos en los servicios de streaming), pero, como film en general, creo dista de ser la brillantes que algunos claman que es. Y...como se suele decir, si tenés la opción del libro, tal vez sea mejor.

FICHA TÉCNICA:          
PAÍS: Grecia / Reino Unido / Israel / USA
AÑO: 2021
GÉNERO:  drama
DURACIÓN: 121 minutos
GUIÓN: 7 /10  
DIRECCIÓN: 5 / 10
ACTUACIONES: 8 /10 

GANANCIAS: US$ 54.335

RATED: PG-12