MAESTRO

Son 7 las nominaciones para estos premios Oscar de la película "Maestro", entre los que se encuentran Mejor Guion Original, Mejor Película, Mejor Actor Principal (Bradley Cooper - "¿Qué Pasó Ayer?") y Mejor Actriz Principal (Carey Mulligan - "El Gran Gatsby").

El film, dirigido y co-escrito por el mismísimo Bradley Cooper, recorre gran parte de la vida de quien fuera un ícono en la música norteamericana, Leonard Bernstein. ¿Quién fue Bernstein y porqué fue famoso? Además de haber compuesto algunas operas famosas, como lo fue "A Quiet Place", varios musicales, y realizar la banda de sonido de un puñado de largometrajes (tal vez el más famoso sea "West Side Story"), Bernstein fue un revolucionario en la forma de conducir orquestas (inspirando a más de un director que vendría luego), y por si fuera poco el primer director norteamericano en habérsele dado la conducción de una filarmónica mayor. 

Pero claro, si la película se tratara de logros meramente, poco atractivo tendría para las masas. 

Una característica ineludible del artista fue su entendimiento y apertura mental con respecto al sexo, algo que hasta el día de hoy puede resultar difícil de concebir. 

El film comienza a color con un Bernstein rememorando cuánto "la extraña" mientras un documental es filmado en su casa; es ineludible pensar que se refiere a su esposa. de allí en más, nos vamos atrás en el tiempo, con un Bernstein haciendo sus primeras armas como director y conviviendo con un músico (David Oppenheimer, interpretado por Matt Bomer), con quien también sostenía un romance, el cual no ocultaba a sus allegados, aunque sí al "resto del mundo". Es en una fiesta donde Bernstein conocería a quien sería su gran amor femenino, Felicia Montealegre (Mulligan), una actriz de origen costarricense, famosa por la serie de televisión "Casa de Muñecas". Congeniando a la perfección, llegaron a casarse y tener 3 hijos, aunque Felicia tuvo mucho tiempo que convivir con la bisexualidad cada vez más abierta de su esposo.

El estilo directriz de Cooper no llega a convencer del todo en este film, y es que como si durante el mismo se intentara ilustrar que estos momentos son los que el mismo Bernstein destaca de su propio vida durante la entrevista que se lleva a cabo al comienzo (y al final) del largometraje: son como segmentos de exprofeso inconexos en su mayoría. Si esa es la idea, no está mal, pero termina por no darle demasiada profundidad a los dos personajes principales, léase Bernstein y Montealegre. Por ejemplo, nunca se llega a dilucidar cuándo es bien que ella se da cuenta de la bisexualidad de su marido (o si siempre lo supo), el motivo por el que a pesar de ello siguió con él, o el porqué de la relación de Leonard con sus hijos. 

Hay un gran trabajo de Cooper en el estudio de Bernstein como director y músico, aunque su interpretación (tal vez por la prótesis nasal), de a ratos llega a ser quasi caricaturesca; con todo, su nominación como Mejor Actor podría llegar a estar justificada (por algunos entendidos). Cooper mismo declaró haber pasado años aprendiendo a dirigir como Bernstein, en especial una escena, que en lo personal se me hizo larga, y cuya música (más allá de disfrutar de lo clásico), jamás me llegó.

Hablando de música, se me hace que la relevancia dada a la misma (o a la composición de sus obras), no llega a justificar que el título del film sea precisamente "Maestro", si bien entiendo el gancho y que a Bernstein se le llamaba así (o simplemente Lenny). 

Creo que lo mejor del film pasa por Mulligan, a quien veo como una firme contendiente para el Oscar como Mejor Actriz Protagónica. 

FICHA TÉCNICA:
PAÍS: USA
AÑO: 2023
GÉNERO: biografía / drama / historia
DURACIÓN: 129 minutos
GUIÓN: 4/10
DIRECCIÓN: 5 /10
ACTUACIONES: 8/10
CGI: 6 / 10

PRESUPUESTO / RECAUDACIÓN: US$ 80.000.000 / US$ 383.532

RATED: PG-12

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LA SOCIEDAD DE LA NIEVE

Siendo probablemente el film del momento, "La Sociedad de la Nieve" nos relata una vez más, pero bajo una nueva perspectiva, lo acontecido a los 45 tripulantes del Fairchild Hiller de la Fuerza Aérea Uruguaya que se estrellara el 13 de Octubre de 1972 en la Cordillera de los Andes. 

Conocida es ya por muchos en la región la "Tragedia de los Andes", pero no para muchas otras personas en otras latitudes, especialmente aquellos que no se cruzaron con las predecesoras de "La Sociedad..." - entiéndase "Alive!" (dirigida y producida por Frank Marshall - 1993 -, protagonizada entre otros por Ethan Hawke, John Malcovich, y Josh Hamilton, y basada en el libro de Piers Paul Read de 1974), o "I Am Alive: Surviving the Andes Plane Crash" (2010), de tinte documental y que tiene como protagonistas a dos de los supervivientes de la tragedia, Nando Parrado y Roberto Canessa. Además de otras cintas que aparecieron en estos 50+ años desde la tragedia, también hubo un sinnumero de libros, además del mencionado de Reads: "Milagro en los Andes" (la mirada de Parrado de lo acontecido, publicado en el 2006), "Tenía que Sobrevivir" (la versión de Canessa, del 2016), "Desde el Silencio" (escrito en el 2019 por Eduardo Strauch, otro superviviente), y "La Sociedad de la Nieve" (2009, escrito por Pablo Vierci) que sirviera de base para el film en cuestión.

Este largometraje, dirigido por el catalán J.A. Bayona ("El Orfanato" y "Lo Imposible" - aquella de la familia americana y el tsunami en el sur de Asia), muestra mucho tino en presentar algunos hechos otrora soslayado por otros directores, y brilla en dar voz a aquellos quienes ya no están, sin escaparle a las partes más crueles de la tragedia. 

Corría el año '72 y el equipo de rugby uruguayo Old Christians se disponía a hacer su segundo viaje a tierras chilenas con la idea de jugar un partido amistoso allí y pasar 4 o 5 días de vacaciones. Las buenas actuaciones del equipo y la experiencia del año anterior en Santiago servían como alicientes para emprender un nuevo viaje hacia allí. Acompañados por algunos parientes y amigos (ya que los muchachos debían de pagar los US$ 1600 que valía el vuelo charter), los jóvenes jugadores (de una media de 22 años) abordaban el bimotor de la Fuerza Aérea uruguaya, sin saber que para muchos sería el último viaje de su vida. Luego de una escala obligada en Mendoza por mal tiempo, el avión reanudaría su trayecto hacia el sur - buscando un pasaje entre las montañas más bajo, el Paso Planchón a 160 kms al sur de Mendoza, punto de control aéreo -. La idea era que una vez hubieran pasado los picos andinos, el viaje reanudase al norte hasta llegar a Santiago. Pero, al aumentar la nubosidad y el viento de cola, los pilotos se vieron obligados a reducir la velocidad de 210 a 180 nudos, y eso termina llevando a un error de cálculo, ya que cuando creián haber pasado la cordillera para enfilar rumbo norte, en realidad no lo habían hecho, por lo tanto terminan tomando hacia el norte por entre las montañas. Esto termina derivando en el impacto del ala derecha contra una montaña, la rotura de la cola, pasajeros despedidos, la rotura del ala izquierda luego, para finalmente hacer que la parte delantera del avión se deslice cual tobogán por la nieve andina, aplastando a varios de sus ocupantes. 

De los 45 que salieron, 29 permacían con vida luego del impacto, pero muchos menos lograrían sobrevivir las penurias vividas en los 72 días que llevó al rescate final.

Mientras uno va viendo este largometraje, no puede menos que horrorizarse, admirarse del espíritu humano, emocionarse, y plantearse que haría uno ante la disyuntiva de consumir carne humana o no, en un caso extremo como éste. Las actuaciones de Enzo Vogrincic (Numa), Agustín Pardella (Nando), y Matías Recalt (Canessa) son dignas de elogio, y el resto del elenco acompaña muy bien, máxime teniendo en cuenta la dieta que muchos de ellos tuvieron que mantener (por ahí leí una entrevista a Simón Hempé quien interpreta a "Coche" Inciarte, quien se alimentaba a 1 lata de sardinas y 1 naranja por día). Desde la música (del gran Michael Giachino - "Los Increíbles", "Ratatouille", "Zootopia") hasta la fotografía, pasando por vestuario, CGI, y maquillaje, "La Sociedad de la Nieve" se vuelve no solo una historia excelentemente narrada - muy fiel a la historia -, si no también un producto de gran calidad, me atrevería a decir, superando las expectativas de propios y extraños. 

Hay perlitas que destacar en determinados diálogos, así como en los cameos del propio Parrado (abriéndole la puerta en el aeropuerto a quienes interpretaban a su mamá y su hermana), como la de Canessa como doctor detrás de Recalt (quien lo interpreta), o la de Carlitos Paez Vilaró interpretando a su propio padre. No obstante, más allá de logros técnicos y actorales, guión y dirección, lo que se logra en conjunto es algo único: es el hacerte poner en la piel de los protagonistas, sentir la desesperación, el desamparo de saberse ya no buscados y dados por muertos, es el ver cómo las personas que querés van muriendo, es saber (para algunos) que a aquellos quienes amas no los vas a ver más, es sentirte nada entre tanta nieve, es confiarte a dios o tu instinto de supervivencia, es el amor entre amigos, como diría Numa, el mantener la cordura y la esperanza a pesar de... Eso está logrado...y mucho más. 

"La Sociedad de la Nieve" es en resúmen, una película que no deberías perderte, una que te dejará pensando y sientiendo muchas cosas, pero que sin dudas no pasará inadvertida. Una lección de vida a la que en definitiva prestar atención.

FICHA TÉCNICA:
PAÍS: España / Chile / Uruguay / USA
AÑO: 2023
GÉNERO: drama / historia / biográfica
DURACIÓN: 144 minutos
GUIÓN: 9/10
DIRECCIÓN: 10/10
ACTUACIONES: 7/10
CGI: 9 / 10

RATED: R

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EL EXORCISTA DEL PAPA

 

Hacía mucho, mucho tiempo desde la última vez que había visto una película de terror, género que uno tiende a disfrutar más en sus años de adolescente - ésto debido al desafío que representan a esa edad dichas películas (y los límites que el propio teen busca averiguar de sí mismo - "Hasta dónde soportaré sin taparme los ojos?"), que los protagonistas (y el público objetivo) tienden a ser pre-adolescentes de unos 11-12 años a los tempranos veinte, la adrenalina y reacciones primarias que un film de terror despierta, y la experiencia colectiva y social que ver un largometraje de terror con amigos conlleva. Sin embargo, no todas las películas de terror son dirigidas a este público. Y, además, es un género que está bueno visitar de vez en cuando. Por estos motivos (y principalmente porque el protagonista es Russell Crowe) decidí darle una oportunidad a "El Exorcista del Papa".

El tema exorcismos (y si encima se lo mezcla con el Vaticano) siempre me ha parecido fascinante - probablemente porque el film de terror que tuvo mayor impacto en mí siendo un purrete fue aquel "El Exorcista" de 1973 (yo la vería años más tarde, a la edad de 10-11), dirigida por William Friedkin y escrita por William Peter Blatty, con las actuaciones sublimes de Ellen Burstyn, Jason Miller, Linda Blair, y Max Von Sydow. Indudablemente, cualquier película en el mismo tema será comparada con la que tuviera a Blair como la niña poseída y ninguna llegará a hacerle siquiera sombra. Y esta cinta dirigida por Julius Avery ("Samaritan") no es la excepción.

Gabriele Amorth (Russell Crowe) es el exorcista en jefe del Vaticano, elegido personalmente por el Papa, y responde sólamente a él. Amorth es un experiente sacerdote y se ha enfrentado innumerables veces a demonios o simplemente a aquellos que creían estar poseídos.  Amorth es envíado a España donde un caso requiere su inmediata atención. Julia (Alexandra Essoe - "La Maldición de Bly Manor") ha heredado una antigua abadía perteneciente a la familia de su difunto esposo, y se ha mudado allí con el afán de restaurarla. Es estando allí que una entidad saldrá a la luz, poseyendo a uno de sus hijos. Este es sin dudas un demonio poderoso, y sólo el padre Amorth será capáz de enfrentarse a él. A su llegada, Amorth se encuentra con el Padre Esquibel (Daniel Zovatto - "No Respires") quien le explica lo sucedido al momento y hará las veces de aprendiz en esto del exorcismo. Amorth y Esquivel deberán lidiar con la entidad infernal mientras intentan salvar la vida de quien está poseído. 

El giro interesante de este largometraje radica en el papel que tuvo el Vaticano durante la inquisición, y las secuelas que esto acarrea hasta el día de hoy. La lucha con demonios reales o personales también será de relevancia, así como el poder de la fe y el amor. Si bien el film está inspirado en la vida del verdadero Padre Amorth (nacido en Módena en 1925, ex-combatiente en las huestes de Mussolini - aunque luego peleó en contra de las mismas y los nazis - , y quien sí fuera el Exorcista en Jefe del Vaticano) hay muchos elementos ficticios en la historia (bastantes, de hecho), inclusive el caso epicentro del film. El verdadero Padre Amorth - quien falleciera en 2016 a los 91 años - escribió en sus memorias que llevó a cabo más de 70.000 exorcismos, pero que cerca del 98% de los mismos eran casos de esquizofrenia u otras enfermedades mentales. Hay referencias a otros hechos reales a lo largo del film, como el de Emanuela Orlandi ("La Chica del Vaticano") aunque sin nombrarla directamente, y sí Crowe trabajó en elementos inherentes al verdadero Amorth como el sentido del humor que éste poseía (algo que puede lucir en la película como traído a forceps pero que está incluído haciendo fiel reflejo a la imagen del Padre). Por otro lado, algunos elementos pintorescos del film están allí sólo por "darle color" al Padre, como sus medias rojas, su gusto por la músic pop, o su moto vespa.

En cuanto a las actuaciones, Ruseel Crowe se apropia de la pantalla cada vez que aparece, aunque tal vez más por magnetismo y carisma que por su actuación en sí. Según el propio Crowe, su motivación a la hora de aceptar el papel fue la verdadera vida del Amorth, y habiéndose entrevistado con amigos del sacerdote y leído algunos de sus libros, la persona detrás del exorcista fue lo que halló fascinante. E resto de las actuaciones son dispares, destacándose las de Zovatto y Franco Nero en su rol de Papa (dícese no inspirado en Juan Pablo II, el Papa al que el verdadero Amorth respondía).

"El Exorcista del Papa" cumple, podría haber dado para más y mejor, y pinta como que una secuela podría estar en camino.

FICHA TÉCNICA:          

PAÍS: Estados Unidos / España / Reino Unido
AÑO: 2023

GÉNERO: terror
DURACIÓN: 103 minutos
GUIÓN: 6 /10  
DIRECCIÓN: 5 / 10
ACTUACIONES: 5 /10

CGI: 7 / 10

PRESUPUESTO / GANANCIAS:  US$ 18.000.000 / US$ 76.987.621

RATED: PG-16

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MISIÓN DE RESCATE 2

 

"Misión Rescate 2" con Chris Hemsworth ("Thor") es de esas películas de acción que tienen al menos un poco de guión de fondo, y no meramente un pretexto para mostrarnos un tipo que puede patearles el trasero a todos...aunque eso también lo es. Y es que este film entra en el paragüas de otros al estilo "John Wick", "Jack Ryan" y el mismísimo "Rambo", ya que su título original es "Tyler Rake 2", y uno sabe que cuando la película se llama como el protagonista y es de acción...bueh... es él contra todos, y todos los demás han de perder.

Basada en el comic de Ande Parks "Ciudad" (novela ambientada en Ciudad del Este, Paraguay), y re-escrita para la pantalla por los hermanos Russo, la primer entrega nos presenta a Tyler Rake, un mercenario contratado por un capo de la droga indio cuyo hijo había sido secuestrado por su archirival (aquí ya distinto que en el comic). Tyler (Hemsworth) es un tipo callado, pero con un pasado que le pesa, y es como si buscara en cada una de sus misiones su propia muerte. Pero, hay algo especial en el secuestro de este adolescente indio que le  llega, y hace todo lo imposible para que dicha misión llegue a buen puerto. Casi desahusiado, Rake aparece - en esta secuela - flotando en algún rio de India (o Bangladesh), donde es socorrido por su equipo y puesto inmediatamente en recuperación...una recuperación que parece imposible. Los hermanos Khan, Nik (Golshifteh Farahani - " Piratas del Caribe:La Venganza de Salazar") y Yaz (Adam Bessa - "Mosul"), quienes son los contratistas (y compañeros ocasionales de Rake) han decidido que Tyler termine su recuperación en una cabaña en medio de Europa, sin embargo, estando allí, le llega una misión que le es imposible rehusar; una misión que involucra a parte de su familia política en una prisión de máxima seguridad en Georgia (el país asiático, no el estado norteamericano). Infiltrarse en lugares complejos es la especialidad de Rake (por algo a estas películas se las conoce también como "Extraction"), no obstante, hacerlo en una prisión donde literalmente todos lo quieren muerto, puede llegar a ser un poco demasiado. Para peor, su familia política está directamente vinculada a los hermanos Zurab y Nikoloz Radiani, quienes controlan todo el crimen organizado en dicha ex-república soviética, y que se toman este "rescate" como algo personal. Podrá Rake cumplir su misión y sobrevivirla? 

Con esta consigna ya sabés si este título puede llegar a ser de tu interés o no. En su favor tiene que en uno de sus subplots se esclarece cuál es el drama personal que ya venía aquejando al personaje de Hemsworth desde el primer film (lo cual justifica su intento en cada misión de que esta sea la última), unas impactantes escenas de acción (sobre todo en la primeros '30-'40 minutos) - con impresionantes planos secuencias, trabajo de cámaras, y coreografías de peleas que te dejarán con la boca abierta - , un trabajo en sonido que merece ser apreciado, y un Hemsworth en el que probablemente sea su pico físico. Ah! Y las buenas locaciones elegidas en Austria, suman bastante también. Por otro lado, la recuperación quasi milagrosa de Rake a partir de que se le asigna la misión, le da un tinte de inverosimilitud que se antoja innecesario (ok...sí, en el contexto de que es una película donde un tipo se tirotea con 300 y sale ileso de la situación). También creo que a partir de la mitad, el film se vuelve más cliché aún, y baja considerablemente en su calidad, sin perderla del todo. 

Los malos, son malos estereotipados, productos de una crianza brutal. El bueno, es bueno con grises, producto de la tragedia personal. Y más allá de esto - que puede sonar un tanto trillado - el film logra lo que busca: entretener sin grandes pretenciones, colarse entre las películas de referencia en cuanto a "héroes de acción" al estilo Willis, Stallone, o Schwarzenegger, y escapar un poco al moviemiento woke, casi omnipresente al dia de hoy. 

FICHA TÉCNICA:          

PAÍS: República Checa / Austria / Australia / U.S.A.
AÑO: 2023
GÉNERO:  acción / drama / 
DURACIÓN: 122 minutos
GUIÓN: 6 /10  
DIRECCIÓN: 8 / 10
ACTUACIONES: 7 /10

CGI: 9 / 10

PRESUPUESTO:  US$ 65.000.000

RATED: PG-16

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FLASH

"Sorprendentemente buena, para los antecedentes y expectativas que arrastraba." Esa podría ser una primera definición de "Flash", el más reciente lanzamiento del DC Universe.

Ezra Miller - quien interpreta al "velocista escarlata" - no es santo de mi devoción, y siempre sostuve que fue una muy mala decisión de casting para "La Liga de la Justicia", decisión basada en vaya uno a saber qué. Con toda la controversia alrededor del actor (violencia, excesos, y un ego alto como el K2), sumada al fin de un ciclo del propio universo DC (ya que James Gunn - director de "Guardianes de la Galaxia", por ejemplo - y Peter Safran - productor de "La Monja", "Shazam!", y "El Conjuro" entre otros, se harán cargo de DC Studios y resetearán todo lo visto hasta ahora), "Flash" venía precedida de ciertas "reservas", por así decirlo. 

Sin embargo, y gracias a una historia original interesante, el film se hace muy llevadero.

Christina Hodson, J.F. Daley, y Jonathan Goldstain son quienes se encargaron de traer esta historia de "Flash", una donde se hace foco en las consecuencias de lo que uno puede llegar a pretender y el peso de los fantasmas del pasado. Entre el trabajo de los escritores, y la muy buena dirección del argentino Andy Muschietti ("It"), quien logra mantener el aspecto humano del héroe incluso en los momentos de más acción, el buen trabajo en CGI (que incluso en las más recientes películas del MCU venía decayendo en calidad), y algunos cameos / apariciones sorpresa (bastante fan service allí), el largometraje termina siendo de los más atractivos que se puedan encontrar, y se antoja un buen corolario para lo mostrado hasta ahora en "la casa de Superman".  

Basada en la historia "The Flashpoint Paradox" creada por Geoff Johns y Andy Kubert (de la cual también hay una versión animada que es muy buena, aunque personalmente me quedo con el comic), este "Flash" se encuentra con su padre en la carcel culpado por el asesinato de su madre. Barry (así es el nombre del héroe interpretado por Miller), está convencido de que esto no es así, Utilizando la llamada Speed Force (una fuerza que le permite correr a la velocidad de la luz), Barry viaja al pasado para salvar a su madre. Utilizando el concepto del Efecto Mariposa (explicación de lo fenómenos físicos relacionados con el caos según la cual una pequeña perturbación en un sistema puede tener consecuencias considerables e imprevisibles), al salvar a su madre Barry termina generando un mundo sin los héroes que conocemos al día de hoy, con la llegada del General Zod - como viéramos en "El Hombre de Acero" (2013) - pero sin ningún Superman que pueda detenerlo. 

Estará en él tratar de encontrar a algún héroe en esta nueva realidad que pueda ayudarlo, y detener a este villano y al resto de los kryptonianos que vienen a hacer la Tierra suya.

Miller se encuentra sólido en su papel, balanceándo el histrionismo y el drama en buena forma (gracias Muschietti!), y el cast que lo rodea es muy bueno, sin opacar su estelaridad (como si ocurrió con "Black Panther: Wakanda Forever" donde el personaje principal - interpretado por Letitia Wright - queda opacada, y donde la misma actriz no luce con la fuerza necesaria como para cargar la película en sus hombros). "Flash" termina muy por encima de varias producciones de la misma DCEU, y por encima de varias del MCU, siendo una película que fluye, que juega muy bien con los viajes en el tiempo, con las dosis de comedia justas - y por suerte, no siempre a cargo de Miller (gracias Keaton por volver!). Tiene fallas y huecos (como el personaje de Iris West - incluso en la elección de la actriz), pero en líneas generales termina con una nota muy positiva.

FICHA TÉCNICA:          

PAÍS: U.S.A. / Canadá / Australia / Nueva Zelanda
AÑO: 2023
GÉNERO:  acción / aventuras / drama / superhéroes
DURACIÓN: 144 minutos
GUIÓN: 7 /10  
DIRECCIÓN: 8 / 10
ACTUACIONES: 7 /10

CGI: 8 / 10

PRESUPUESTO / GANANCIAS: US$ 200.000.000 / US$ 270.633.313

RATED: PG-12

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GUARDIANES DE LA GALAXIA VOL. 3

 

Y...cuando creíamos que todo estaba perdido en el MCU, y para esta franquicia en particular, llega tercera entrega que está casi a la altura de la "Guardianes..." original, siendo - en la opinión de este humilde servidor - bastante mejor que la segunda, a la cual casi que calificaría como de lo peor dentro del Marvel Cinematics. ¿Dónde estuvo la diferencia entre el Volumen 3 y el 2? En el guión, ya que el director / co-guionista fue el mismísimo James Gunn. La magia entonces radica en las ideas de Jim Starlin, quien no había sido convocado en la entrega anterior. ¿Quién es el bueno de Jim? Un dibujante y guionista de comics, conocido por su trabajo con las historias de "Avengers", "Thanos", "Silver Surfer", y un favorito personal, "Batman: Una Muerte en la Familia". Es Starlin quien le da el salto de calidad y coherencia que ¿el final? de la franquicia se merecía.

En esta ocasión, y con Peter Quill (Chris Pratt - "Jurassic Park") todavía en pena por la pérdida de Gamora (ver "Avengers: Infinite Wars"), los Guardianes deberán hacer frente a una nueva amenaza, un ser que juega a ser Dios y a transformar el universo a su idea, planeta por planeta, experimentando con seres "inferiores". Es aquí donde director / escritor se enfocan en el background story de Rocket Raccoon, tocando el que sea tal vez el momento más emotivo de toda la trilogía (junto con la muerte de la mamá de Quill). El experimento que afectara al guardián más peludo, explica la forma de ser que RR tiene al día de hoy, y todo el dolor - propio y ajeno - que vivió llega al espectador de forma inequívoca, e indudablemente nos transporta a la utilización de animales para el testeo de productos, desde shampoos a maquillaje.

Como siempre, el reparto encabezado por Chris Pratt, Zoe Saldana y Dave Bautista, ofrece actuaciones sólidas y una química envidiable; un Bautista (en la piel de Drax) con más minutos y más parlamento, mostrando una nueva faceta. Pom Klementieff ("Black Mirror") en su rol de Mantis también muestra otra cara, y estos dos personajes son los que terminan de darle el salto de calidad a "Guardianes 3". El resto del cast parece estar a la par: Chukwudi Iwuji ("Designated Survivor"), Karen Gillan ("Selfie"), y Sean Gunn ("Gilmore Girls") hacen un buen trabajo; quizás lo más flojo pase por cómo se retrató a Adam Warlock, y en quién se pensó para encarnarlo: Will Poulter ("Maze Runner"). En el comic, Warlock es una creación de El Enclave, un grupo de científicos que busca la evolución del ser humano, depurándolo de todas sus debilidades y dotándolo de un sinfín de poderes. La idea de El Enclave era crear una serie de soldados de este estilo para poder conquistar el universo. Warlock escapa del control de estos científicos, para con los años enfrentarse con varios héroes; eso sí, Warlock tiene una ventaja: cada vez que es derrotado y sufre heridas, tiene una especie de "capullo regenerador" que lo una vez utilizado, lo vuelve más fuerte que antes, e incluso más joven, con el coste de poder perder la memoria de vez en cuando. James Gunn se agarra a este hecho para presentarnos un Adam Warlock más cómico de lo que en realidad el personaje es, por lo que los fans del comic se van a sentir sin dudas decepcionados. 

Con todo, la película destaca no sólo por su impresionante acción y efectos visuales, sino también por su increíble banda sonora. La música, que ha sido un aspecto fundamental en las películas anteriores, regresa con hitazos que complementan muy bien las escenas: "Creep" de Radiohead, "No Sleep Til Brooklyn", "I'm Always Chasing Rainbows" de Alice Cooper, "In the Meantime" de Spacehog, y "We Care a Lot" de Faith No More, son mis favoritas y le dan el condimento necesario, siendo mejor en este aspecto también al Volúmen 2.

"Guardianes de la Galaxia 3" termina salvando la franquicia (y porqué no al MCU) de una debacle casi cierta. Hay mucha gente que encuentra elementos en "Black Panther" 1 y 2 como para indicarlas como de lo mejor de este universo, y si bien la primera no es mala, la segunda es lisa y llanamente olvidable. Digo esto porque desde mi punto de vista, tanto Guardianes 1 como 3 están my por encima de las del héroe de Wakanda.

FICHA TÉCNICA:          

PAÍS: U.S.A. / Nueva Zelanda / Francia / Canadá
AÑO: 2023
GÉNERO:  acción / aventuras / drama / superhéroes
DURACIÓN: 150 minutos
GUIÓN: 8 /10  
DIRECCIÓN: 9 / 10
ACTUACIONES: 8 /10

CGI: 7 / 10

PRESUPUESTO / GANANCIAS: US$ 250.000.000 / US$ 845.472.421

RATED: PG-7

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PANTERA NEGRA: WAKANDA FOREVER

 

Tenía por ahí estancada la reseña de "Pantera Negra: Wakanda Forever" (como algunas varias más que saldrán bastante más tarde de lo que deberían en este blog), y el motivo no fue tanto el verla fuera de fecha (como sí me va a suceder cuando haga la de "Peaky Blinders"), si no que es tan mala que no me pintaba encarar el teclado y hablar de ella. Pero...here we go!

Hacer un film de Pantera Negra sin Pantera Negra es como hacer una torta de chocolate sin chocolate, y, por más que le rindan tributo durante gran parte del largometraje al difunto Chadwick Boseman (interprete del príncipe T'Challa - a.k.a. Pantera Negra), el film se siente vacío y falto de carácter, máxime cuando quien tiene que llenar los zapatos del difunto es su hermana en la ficción, Shuri (Letitia Wright - "Black Mirror", quien podrá ser muy buena actriz, pero quien no tiene la presencia escénica  -según quien suscribe - para llenar la pantalla, y mucho menos eventualmente calzarse el traje del héro)

Esta secuela comienza con la mencionada Shuri y su madre, la Reina Ramonda (Angela Bassett) vestidas en blanco siguiendo el féretro del difunto T'Challa en una procesión que conduce al descanso final del héroe, mientras la nación de Wakanda lo honra con cantos y bailes, a la vez que su imagen aparece en pantalla. Todo muy emocionante y necesario a la hora de poner en marcha este nuevo film. La Reina y la Princesa deberán tomar las riendas de la nación, y aunque Shuri está mucho más interesada en la investigación y en honrar a su hermano, hay cosas que como soberana deberá hacer. Mientras, el resto del mundo quiere forzar Wakanda a compartir sus secretos, y como es de suponer, el vibranio que sólo se encuentra en su territorio, a lo que - como también es de preveer - el Reino de Wakanda se opone. La explotación del metal utilizando una nueva tecnología por parte de unos piratas en las aguas costeras de Wakanda llevará a que tanto los Wakandianos como unos extraños seres subacuáticos liderados por un tal Namor (Tenoch Huerta - "La Purga: Infinita"), alguien que no sólo posee una fuerza sobrehumana sino que además puede volar, terminen enfrentados.

Tristemente parece que tanto Marvel Studios como Walt Disney Pictures se perdieron una buena oportunidad de hacer algo con una mejor historia, y que estaban más enfocados en seguir sacándole jugo a la franquicia, apelando al sentimentalismo, con un guión que pretende mucho y que pocas veces atina. Batallas culturales, el sentimiento variable hacia el colonialismo blanco, honrar al fallecido Boseman, hacer legado con una figura femenina, introducir a Ironheart (futuro reemplazo de Ironman), y todo dentro del MCU (algo que no era tan ostensible antes), incluyendo bastante a prepo a Everett Ross (Martin Freeman - "El Hobbit") y a Valentina Allegra de Fontainer (Julia Louis-Dreyfus - "The New Adventures of the Old Christine") parece como algo un poco mucho para digerir, en un film que las más de las veces se ve forzado.

Y hablando de forzado... que Namor (y los namoritas) sean los descendientes directos de los antiguos mayas (que además parecen habitar cerca de las costas africanas) se siente como una ida de olla importante. "No sólo presentemos como víctimas a los afroamericanos, hagámoslo también con los latinos, y quedemos bien con las dos minorías más dominantes de Estados Unidos" parecerían ser las palabras de algún genio de Disney. Y que se me entienda bien: ambas razas han sido históricamente víctimas del colonialismo blanco, así que ese no es el punto. El punto es que lo político y social toma una preponderancia muy obvia, lamentablemente en detrimento de la historia. Y entre estos "forzados" cabe mencionar la nominación de Bassett al Oscar como Mejor Actriz de Reparto, ya que si bien la actuación no es mala, más parece haber sido nominada para tener algún representante de raza negra que por otra cosa. 

Hay aciertos? Algunos sí. Vestuario, CGI, banda de sonido, y el final, que deja el film un puntito más arriba de lo que debería...emmm...y cuando digo el final no me refiero tanto a la escena post-crédito, que bueno...intenta hacernos emocionar...con éxito relativo, que en parte se podría haber evitado, pero es también entendible que se hable del tema "legado" una vez más. Y acaso, no es toda esta nueva etapa del MCU sobre legados? Espero que en futuros films tanto escritores, como cast directors, actores, y productores, estén a la altura de la nueva generación de héroes y que no termina haciendo que odiemos un producto que hasta hace un tiempo amábamos.

FICHA TÉCNICA:          

PAÍS: U.S.A.
AÑO: 2022
GÉNERO:  acción / aventuras / drama / superhéroes
DURACIÓN: 7 
GUIÓN: 3 /10  
DIRECCIÓN: 2 / 10
ACTUACIONES: 6 /10

CGI: 7 / 10

PRESUPUESTO / GANANCIAS: US$ 250.000.000 / US$ 859.208.836

RATED: PG-7

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LOS ESPÍRITUS DE LA ISLA

 

Que Collin Farrell y Brendan Gleeson hacían buena dupla y no iban a defraudar estaba más que comprobado - bastaba con referirse a aquel film del 2008 - "In Bruges" - donde ambos interpretan a asesinos a sueldo en un comedia negra con ribetes dramáticos que supo hacer furor en el festival "Sundance", y que la valiera a Farrell un Globo de Oro. En esta ocasión llevan esa dinámica a un nuevo nivel, valiéndoles a ambos estar nominados como Mejor Actor y Mejor Actor de Reparto, y otorgándole a "Los Espíritus de la Isla" ("The Banshees of Inisherin") sendas nominaciones como Mejor Actriz de Reparto, Mejor Director, Mejor Guión Original, y Mejor Película.

Martin McDonagh's (mismo director de "In Bruges") nos lleva a una pequeña isla situada en frente a Irlanda, Inisherin (filmada en realidad en las islas de Achill e Inis Mor) y a los años 1922/23 durante la Guerra Civil Irlandesa. Es en un pequeño pueblo de esta pequeña isla donde viven Colm Doherty (Gleeson) y Pádraic Súilleabháin (Farrell), amigos de larga data. Un buen día, Colm decide que ya no quiere ser más amigo de Pádraic, y éste no entiende porqué. Al principio Pádraic intenta hablar con Colm, aunque este se niega, pero luego Colm le termina explicando que lo que él busca es paz para poder pensar y trabajar en su música (Colm toca el violín). Sin entender ni aceptar lo que está sucediendo, Pádraic buscará por todos los medios que su amistad vuelva a ser como antes, aún a pesar del propio Colm. Cuando las respuestas negativas se sucedan, los eventos escalarán a niveles insospechados, afectando de forma directa e indirecta a propios y extraños.

A la vez que McDonagh explora la historia de estos dos amigos, con la depresión de uno de ellos por ver el final cerca y darse cuenta que no ha logrado nada en su vida que lo sobreviva, y la simpleza de otro que se conforma con ser buena gente y pasar el día a día con la poca gente que tiene a su alrededor, también el director / escritor se da el lujo de poner sobre la mesa otros elementos que complementan el cuadro de forma magistral. Por un lado tenemos a la hermana de Pádraic, Siobhán (la talentosísima Kerry Condon - "Three Billboards Outside Ebbing, Missouri"), una rara avis dentro de la comunidad, con una cultura y una avidéz por el conocimiento que escapan a los cánones normales que se manejaban por ese entonces, en ese tipo de lugares, y máxime siendo mujer. Siobhán es alguien a que Inisherin se le vuelve muy chico, y eso es evidente desde el minuto en que la tenemos en pantalla. Por otro lado tenemos a Dominic (Barry Keoghan - "Dunkerke"), un chico con muy pocas luces (muchas menos que las del simplón de Pádraic), que tiene una vida muy compleja, por ser leve. 

Es mediante la vida de estos 4 personajes que descubrimos las miserias de un lugar como Inisherin, donde las instancias para ser feliz parecen realmente muy pocas, y donde la tristeza / belleza del lugar es brillantemente ilustrada tanto por el score como por la fotografía.

La sensación de soledad embarga todo el film, y es allí cuando se entiende la necesidad de Pádraic de no perder a su mejor amigo: él está contento con cómo están las cosas, y los cambios, especialmente los bruscos, en un lugar y tiempo donde poco o nada sucede, pueden hacer estragos.

Y de trasfondo, una guerra en la otra orilla, pero tan lejana que a nuestros personajes no podría importarles menos. Después de todo, ni saben qué se está disputando.

El existencialismo humano en su máxima expresión, con una dirección y unas actuaciones para aplaudir de pie. Sin dudas, un film que vale la pena ver.

FICHA TÉCNICA:          

PAÍS:  Reino Unido / U.S.A. / Irlanda
AÑO: 2022
GÉNERO:  comedia / drama
DURACIÓN: 114 minutos
GUIÓN: 8 /10  
DIRECCIÓN: 9 / 10
ACTUACIONES: 9 /10

GANANCIAS: US$ 49.001.733

RATED: PG-16

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TOP GUN: MAVERICK

 

"Top Gun: Maverick" sorprende por un par de cosas que van más allá del pacto aún vigente entre Tom Cruise y el mismísimo Diablo (si no, no se explica que este sujeto esté cada día más joven). Lo primero que llama la atención son las escenas en el aire, ya que tanto las de entrenamiento como las de combate te hacen volar la cabeza. La segunda es, como es que esta película está nominada al Oscar a Mejor Película, si, además de ser una secuela que tiene muchísimos elementos de la primera, cae en todos los clichés de Hollywood.

36 años después de la original "Top Gun", que marcara un hito en varios rubros (la moda de las chaquetas aviadoras, los lentes, y hasta el número de registros de nuevos reclutas en la verdadera academia "Top Gun" - que sí existe), volvemos a ver a Tom Cruise interpretando al Capitán Pete "Maverick" Mitchell, aquel piloto rebelde (cualquier parecido al personaje de Linterna Verde, Hal Jordan, no es mera coincidencia). En esta ocasión, Pete se ve ante la posibilidad real de que se lo dé de baja ya que ha recientemente destrozado un avión de prueba al pasarse los 10 match de velocidad (12348 kilómetros por hora). Sin embargo, allí estará su antiguo rival, "Iceman" (Val Kilmer), para salvarlo de la deshonra y ponerlo acargo del entrenamiento de unos reclutas que son lo mejor de esta nueva generación. La misión será una casi suicida, y habrá que averiguar si Pete - alguien acostumbrado a no acatar órdenes - podrá ensamblar un equipo y lograr que la misión se lleve a cabo. Como occuriera en la predecesora, habrá lugar para el amor, el reencuentro, la culpa, las pérdidas, y el dolor. 

Así descripta, es una película más de pilotos de aviones. Entonces...en qué se destaca "Top Gun: Maverick" y cómo justifica su inclusión en los Oscars 2023? La explicación yo creo que va por dos o tres lados. La primera, Tom Cruise  es una actor archi-reconocido al que los premios de la Academia le han sido esquivos, a pesar de haber sido nominada algunas veces (entre allas por "Magnolia" y por "Jerry Maguire"). Por otro lado, es un film que destaca por no haber tenido la famosa pantalla verde en las escenas de acción; todas ellas son filmadas con cámaras abordo de los aviones. Este punto es digno de destacar ya que el propio Cruise - sabida es su aversión hacia los efectos computarizados si se pueden evitar - pidió filmar él mismo las escenas en el aire, y el resto de los actores que interpretan a los pilotos tuvieron que hacer lo mismo, luego de un arduo entrenamiento de 3 meses (al punto que estos se tenían que autodirigir mientras pilotaban los aviones de combate). Este rubro es digno de aplauso y vale por sí mismo el ver el film. 

Un último punto que creo que también tiró a la hora de nominar "Top Gun: Maverick" es que la Academia busca variedad en las nominaciones, y de esta forma cubren el rubro "acción", así como con "Avatar" cubren el rubro "ciencia ficción", y con "Sin Novedad en el Frente" hacen lo propio con el "bélico" (género que siempre garpa).

Con un Cruise cobrando (¿nada más?) que 13 millones de dólares por este largometraje, con un film que contó con algunos actores originales (más no la co-estrella de Cruise original - Kelly McGillis -, la cual fue sustituída por Jennifer Connely - "Una Mente Brillante" - , por un tema estético), y con un presupuesto final 10 veces mayor que la filmada por Tony Scott (a quien se le dedica este nuevo film), "Top Gun: Maverick" se hace al menos digno de ver.

Lo del Oscar? Bueno, creo que ya está explicado...

FICHA TÉCNICA:          

PAÍS:  U.S.A.
AÑO: 2022
GÉNERO:  drama / bélica 
DURACIÓN: 130 minutos
GUIÓN: 4 /10  
DIRECCIÓN: 9 / 10
ACTUACIONES: 5 /10

C.G.I.: 10/10  

PRESUPUESTO / GANANCIAS: US$ 170.000.000 / US$ 1.493.491.858

RATED: PG-12

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SIN NOVEDAD EN EL FRENTE

"Sin Novedad en el Frente" (en su título original "Im Westen nichts Neues") es una producción alemana (con colaboración americana y británica) que se centra en la vida de Paul Bäumer y sus amigos, quienes se alistan voluntariamente en el ejército alemán durante la Primera Guerra Mundial.

Con comienzo en Julio del 2014, la también llamada en su momento "Gran Guerra", fue un conflicto militar que enfrento a dos bandos cuyos integrantes llegaron a cambiar de posición con el correr de la misma. Peleada principalmente en Europa pero también en partes de Africa, Medio Oriente, China, y en algunas islas del Pacífico, este conflicto armado enfrentó a la Triple Alianza (Imperio Alemán, Imperio Austro-Húngaro, e Imperio Otomano) contra los Aliados (Francia, Imperio Británico, Imperio Ruso). Hubo cambios de bando (Italia, por ejemplo, que comienza formando parte del bando alemán para luego pasarse a la "Entente" - los Aliados - ), naciones que comenzaron la guerra y luego abandonaron (Rusia y su salida en 1917 por la guerra civil que enfrentaba), y participantes que se sumaron una vez comenzada la Guerra (Estados Unidos, Bélgica, Canadá, Japón, Grecia, Australia, Nueva Zelanda, Montenegro, Rumania para los Aliados, Bulgaria, Sudáfrica, Finlandia, Polonia, Lituania, Georgia, Azerbaiyán para la Triple Alianza). Hubo otros partícipes a menor escala, y todo esto demuestra que verdaderamente el asesinato del archiduque Francisco Fernando de Austria en Sarajevo y la posterior declaración de guerra del Imperio Austro-Húngaro a Serbia condujo a un conflicto de escala global. 

Es en los estertóres de la Guerra y en el frente alemán / francés que se basa el libro de Erich Maria Remarque y por ende el film de Edward Berger del que tratan estas líneas. Tanto libro como film describen los horrores de la Guerra vistos desde el punto de vista de un joven soldado alemán de 19 años (Paul Bäumer - interpretado por Felix Kammerer), quien a priori tiene una idea un tanto romántica de la misma (acicateado por los discursos de profesores y políticos), para llegar al frente de batalla y darse cuenta que es el último lugar donde le gustaría estar. Paul y sus amigos son enviados a las trincheras en último intento desesperado del emperador alemán Guillermo II de dar vuelta una guerra que ya estaba sentenciada. 

"Sin Novedad en el Frente" nos habla de los horrores de la guerra, las pérdidas, el sentido de pertenencia, la juventud desperdiciada, la incertidumbre del futuro ya sea ganes la guerra o la pierdas, y lo efímero del ser humano, siendo solo un engranaje en las maquinaciones y deseos de otros en jerarquías más altas. El paralelismo trazado por director y editores entre cómo se vive la guerra desde el "escritorio" a las trincheras es magnifico, tanto en mostrarnos las privaciones de quienes verdaderamente dejan cuerpo y alma en el conflicto como en reflejar lo fácil que es tomar una decisión cuando no es uno quien verdaderamente la sufre, ya sea por conveniencia o por capricho.

Esta es la segunda remake de la obra de Remarque, siendo la versión original de 1930 y la primer remake de 1979. Sin haber visto la versión de Lewis Milestone, y teniendo un muy vago recuerdo de la de Delbert Mann, me arriesgaría a decir que es difícil que cualquiera de esas versiones haya reflejado la violencia y la desesperación de la lucha de trincheras tan bien como esta nueva versión.

"Sin Novedad..." tiene muchos méritos y creo está justificadamente nominada como "Mejor Película", "Mejor Película Extranjera", "Mejor Guión Adaptado", y "Mejor Sonido", teniendo además otras 5 nominaciones a los premios Oscar 2023. Altamente recomendable.

FICHA TÉCNICA:          

PAÍS: Alemania, U.S.A., Reino Unido 
AÑO: 2022
GÉNERO:  drama / bélica 
DURACIÓN: 148 minutos
GUIÓN: 9 /10  
DIRECCIÓN: 10 / 10
ACTUACIONES: 7 /10

C.G.I.: 9/10  

RATED: PG-16

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TODO, EN TODAS PARTES, AL MISMO TIEMPO

 

Evelyn Wang (Michelle Yeoh - "El Tigre y El Dragón") vive su vida al palo: una lavandería que no da con los números, un padre discapacitado que parece tener grandes expectativas de su hija, un matrimonio que se cae a pedazos, y una hija gay con quien la comunicación es cualquier cosa menos efectiva y afectiva. Al borde del colapso, Evelyn debe de hacer de todo, lidiar con su stress, y por si fuera poco, ahora con una entrevista con una auditora de la IRS (la dirección impositiva americana), de la que depende de que su negocio siga abierto, mientras prepara una fiesta de Año Nuevo Chino para darle más visibilidad a un negocio que hace agua.

Es en ese contexto que lo impensado ocurre. Waymond - su marido (Ke Huy Quan - aquel niñito de "Indiana Jones y el Templo de la Perdición"), deja de ser de pronto el pusilánime bienhumorado que es para transformarse en un Waymond de un universo paralelo quien le indica a Evelyn que su versión de este universo es quien está destinada a salvar todo el multiverso del colapso, y que debe de prepararse para enfrentar a Jobu Tupaki, una entidad que ha ya aniquilado varios universos y viene ahora por este. 

Sin saber qué hacer, Evelyn se sumergirá en su propio ser de otros universos, de donde intentará tomar sus habilidades para combatir este mal, antes de que sea demasiado tarde.

Mezclá "The Drunken Master" de Jackie Chan, "Alicia en el País de las Maravillas", "Matrix", "Doctor Strange y el Multiverso de la Locura" y por ahí podés hacerte una idea de lo que es este film dirigido y escrito por Dan Kwan y Daniel Scheinert ("Swiss Army Man"). Caótica, psicodélica, delirante, graciosa, y sentida, son algunos de los adjetivos que me viene a la mente para describir "Everything, Everywhere, All at Once" ("Todo, en todas partes, al mismo tiempo") título que, más allá de definir muy bien de qué va el film, te cuenta también que está dividido en 3 actos, siendo el primero el más enrevesado, y el último apenas un suspiro. 

Muchos se preguntarán porqué está nominada a 11 premios Oscar para este 2023. Más allá de la licuadora de ideas que resulta en algo muy original y fresco, tiene muchos condimentos que la hacen un film ideal para ganar el más codiciado galardón (léase "Mejor Largometraje"). El film mezcla ciencia ficción con artes marciales, animé, drama, comedia, y surrealismo, tomando un approach muy diferente al ya gastado multiverso, y lo hace de buena forma. Contiene las dosis de humor y drama necesarias, así como una infinidad de subplots que llegan en su vasta mayoría a buen puerto: la falta de comunicación y entendimiento intergeneracional, las altas expectativas puestas en los hijos (y tratar de realizarse a través de ellos, tal cual lo haría un padre frustrado futbolísta impulsando la carrera de su hijo), el tedio y la desesperanza de la monotonía, el desencanto de ver que ya pasaste la curva de tu vida y que no lograste nada (o muy poco), el no poder ver qué es lo que realmente importa (muy "El Principito"), la importancia de la familia, la propuesta de ser un poco más buenos en la vida (de la mano del personaje de Quan) y en la miríada de "What if...?" propuestos por los directores la gran pregunta manifiesta de exprofeso, con un tono nihilista evidente: "¿Es que nada de lo que hagamos realmente importa?" El espectador no puede menos que sentirse reflejado en al menos alguna de las interrogantes planteadas.

Son temas nuevos a tratar? Por supuesto que no. Pero la convergencia de los mismos y la forma en que se llevan a cabo creo que sí lo es. 

Muchos plantean el hecho del "disparate". Era necesario incuir elementos de "The Matrix" o "La Casa de las Dagas Voladoras" para contar los dilemas ante los que la protagonista se enfrenta? No, es verdad. Pero si no los hubieran incluído no sería la pieza única que "Everywhere..." es.  

Si a todo esto le sumamos que la actuación de Yeoh es sublime (nominada a "Mejor Actriz Principal"), y que es brillantemente secundada por Jamie Lee Curtis y Stephanie Hsu (ambas nominadas como "Mejor Actriz de Reparto") y Quan (también nominado a "Mejor Actor de Reparto"), más una dirección que parece ir por todos lados pero tiene bien en claro el destino, y un aún mejor trabajo en edición (entre dirección, guion, y edición acumulamos 3 nominaciones más, de forma más que justificada), creo que estamos ante el gran candidato de esta edición 2023 de los premios de "la Academia". 

Es verdad que la empoderación femenina está omnipresente una vez más, acompasándose a lo que la industria del cine demanda hoy día, ,pero bueh...con todo no es algo que rompa los ojos ni que se enfatice con insistencia o esté traída a "forceps". 

"Everything..." se hace de esas películas que amas o que te parecen tan delirantes que a los 20 minutos dejaste de ver. De qué lado estás vos? 

FICHA TÉCNICA:          

PAÍS: U.S.A.
AÑO: 2022
GÉNERO:  drama / fantasía / comedia / artes marciales
DURACIÓN: 139 minutos
GUIÓN: 9 /10  
DIRECCIÓN: 10 / 10
ACTUACIONES: 8 /10

C.G.I.: 6/10  

PRESUPUESTO / GANANCIAS: US$ 25.000.000 / US$ 107.383.291

RATED: PG-12

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DESDE ADENTRO

 

Jefferson Grieff (Stanley Tucci - "Spotlight") es un prisionero condenado a muerte por el asesinato de su esposa. A la espera del día de su ejecución se dedica a ayudar a quien él estime tenga un caso que cumpla con su criterio.

Janice Fife (Dolly Wells - "El Diario de Bridget Jones), es una maestra de matemáticas que da clases privadas al hijo de un pastor (interpretado por David Tennat - "Dr. Who"), pastor que está ocultando información sobre su sacristán, un problemático joven adicto a la pornografía y con una madre abusiva.

Beth Davenport (Lydia West) es una periodista que se especializa en crímenes, y quien, por cosas del destino, conoce a Janice. Cuando ésta desaparece, Beth no tendrá mejor idea que acercarse al señor Grieff y tratar de convencerlo de que tome el caso. 

Steven Moffat es conocido por ser el escritor de varios episodios de la serie "Sherlock o "The Time Traveler's Wife". Queriendo no repetir en demasía lo ya hecho con el personaje interpretado por Benedict Cumberbatch, pero no pasarse a hacer algo muy "Dr. Who", es que se le ocurrió la idea de un recluso sentenciado a muerte que resuelve casos usando su ingenio casi único desde su celda. Si bien la premisa de la resolución de crímenes por medio de alguien que ve lo que los demás no no es algo nuevo, sí lo es cómo se van dando las circunstancias, basado en la premisa - repetida en más de una ocasión por Jefferson Grieff - "Todos somos asesinos. Solo hay que encontrar a la persona adecuada y estar en un mal día."

Brillando en las actuaciones (Tucci y Tennant se lucen), y con algunos giros muy interesantes, "Inside Man" (como se la llamó en su idioma original) peca de que las situaciones escalen rápidamente, tornándose en demasiadas oportunidades inverosimil; cómo es que ocultar una memoria USB puede llegar a terminar de la forma dramática en que termina, y cuán rápido se da, es la primer "bandera roja" si estás buscando algo muy realista. Si aceptamos (y abrazamos) la idea de que no está basado en algo que sucedió de verdad y que argumentalmente se desbarranca muy al comienzo, entonces esta miniserie de 4 episodios te va a encantar. Lo mejor, desde mi punto de vista, está en el último episodio, con un final digno de "The Mist". Podría haber sido casi perfecta, no obstante...

FICHA TÉCNICA:          

PAÍS: Reino Unido
AÑO: 2022
GÉNERO:  crimen / drama / misterio
DURACIÓN: 4 x 60 minutos
GUIÓN: 6 /10  
DIRECCIÓN: 8 / 10
ACTUACIONES: 8 /10

C.G.I.: 6/10  

RATED: PG-18

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