CAPITÁN AMÉRICA: UN NUEVO MUNDO

Sam Wilson (Anthony Mackie - "Twisted Metal") ya no es “el nuevo Capitán América”. Es el Capitán América... te guste o no. "Capitán América: Un Mundo Nuevo" era una buena oportunidad para explotar lo que se insinuara en "The Falcon & The Winter Soldier", y, para sorpresa de nadie, se falla estrepitosamente; más política, más espionaje, menos chistes, y una fórmula que, salvo raras excepciones, parece estar más que agotada. En este caso, como en otros, el no tener una única fuente de "inspiración", sino hacer un mix de varias ("All New Captain America" de Rick Remender; "Captain America: Sam Wilson" de Nick Spencer; los Thunderbolts, Red Hulk..en fin), parece ser parte de la causa del desatino en lo argumental. 

Para este punto en la cronología "Avengers", Sam ya ha sido aceptado como Capitán América por muchos, si bien no por todos (incluso él mismo tiene momentos de dudas, comparándose constantemente con Steve Rogers, el Capitán original). Además de estar entrenando a su nuevo sustituto como Falcon, Joaquín Torres (Danny Ramirez - "Top Gun: Maverick") a Sam se le ofrece la oportunidad, por medio de su otrora enemigo, el flamante Presidente Ross, de formar unos Nuevos Vengadores, trabajando junto al propio Ross. Claro está que esto suena a que estos Nuevos Vengadores estarían bajo la égida de Ross, y esto es algo que ya vimos en "Civil War", por lo que Sam se lo tiene que pensar. Lamentablemente, no tiene mucho tiempo, ya que su amigo, Isaiah Bradley (personaje que conociéramos en la serie de "The Falcon...") trata de asesinar al propio Ross. Pero, es Bradley el verdadero culpable, o alguien detrás manejando los hilos?

La primera mitad de la película arranca con fuerza. Hay tensión, crítica social y un tono maduro que recuerda a los mejores momentos de la serie que tuviera como protagonistas a Mackie y a Sebastian Stan. Sam no es Rogers, y eso es lo mejor: su versión del Capitán América se construye desde lo comunitario, lo ético, lo vulnerable. Pero cuando la historia pisa el acelerador rumbo al tercer acto, la cosa se desinfla: persecuciones genéricas, enemigos con motivaciones vagas y un clímax que, una vez más, se resuelve a puro CGI y golpes que no se sienten. Y ese es otro de los problemas: no parece haber el mínimo esfuerzo en ser originales en las escenas de acción, y algunas de las mismas se resuelven, como mínimo, de manera "extraña" (sin mencionar que el CGI tiene altibajos, teniendo lo mejor en el rostro del Red Hulk de Harrison Ford, y lo peor en los fondos; con todo, no es de los peores). 

Hablando de Ford, éste como el presidente Ross aporta presencia, y su trama siempre juega con eso de si el verdaderamente quiere cambiar o no. Y el villano, aunque prometía ser una amenaza ideológica, termina siendo solo eso: una promesa. 

Marvel / Disney sigue apelando a la diversidad forzada: lo de Torres (creado en el 2015 por Nick Spencer), lo de Ruth Bat-Seraph (agente del Mossad, israelí ella, y que existe desde los años '40 en los comics) podría ser una mera coincidencia (pongámosle), pero que los dos personajes caucásicos sean justamente los villanos (oh..spoiler), no sé si lo es tanto.

No es tan mala como "Guardianes 2", "Wakanda Forever", ni "The Marvels", pero está "de mitad de tabla para abajo", cómodamente. Tiene cosas buenas? Si. Me quedo principalmente con las escenas de acción en el aire. Mensajes? También. Se puede ser un "buen Americano" y cuestionar al sistema; no alcanza con poseer un símbolo si no lo redefinís; la posibilidad de liderar desde la moral y lo ético y no meramente desde el poder, en fin... Pero...a veces no alcanza con el mensaje. A veces una peli de superhéroes y acción tiene que ser más de eso y menos de lo otro, de lo políticamente correcto. 

FICHA TÉCNICA:          
PAÍS: USA / Canadá
AÑO: 2025
GÉNERO:  drama / acción / aventuras / superhéroes
DURACIÓN: 118 minutos
GUIÓN: 3 /10  
DIRECCIÓN: 4 / 10
ACTUACIONES: 6 /10

CGI: 8 / 10  

PRESUPUESTO / GANANCIAS: US$ 180.000.000 / US$ 415.101.577
RATED: PG-12

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ROBOT SALVAJE

Nominada a 3 premios Oscars este 2025, "The Wild Robot" es un viaje fantástico de un robot diseñado para complacer directrices humanas, y que cuando despierta se encuentra en una playa de lo que parece ser la costa noroeste de Estados Unidos, si bien también podría ser una isla al estilo Islandia, producto de un naufragio.

De buenas a primeras, la peli te mete en un mundo donde la naturaleza parece dibujada con acuarela pero suena como el viento de verdad. Todo es sereno, bello, y de a poco... profundamente triste. Porque Roz (así es el nombre del robot) no debería estar ahí, ni tampoco entender nada de lo que la rodea. Pero aprende. Como en el libro de Peter Brown , su viaje no es uno de acción: es uno de adaptación, de conexión, de entender que ser “salvaje” a veces es ser simplemente libre.

Con un arte que tiene ciertas reminiscencias de Monet, y que amalgama el 2D con el 3D a la perfección, el film de Chris Sanders es un canto visual. La voz de Roz juega un papel fundamental, ya que es ella (en inglés interpretado por Lupita Nyong'o) la que lleva, de cierta forma, el pulso de la obra. Al principio es robótica, literal. Fría. Pero con el correr de la historia se va quebrando, suavizando, volviéndose casi humana. El vínculo con Brightbill —un gansito huérfano al que decide cuidar— no es automático. Y eso es clave. Acá, se nota que la peli recorta algunas cosas (los castores, los osos, muchas relaciones secundarias), pero se enfoca a fondo en ese lazo.

Varias diferencias pueden trazarse con respecto al libro (que dicho sea de paso es una trilogía, por lo cual podría haber una segunda y hasta una tercera parte), quizás la principal el carácter más melancólico de éste. Pero sin dudas, la película atrapa, y tiene con qué. Acá no te pasa como con "Up" que largas el llanto en los primeros 10 minutos, o como con "Coco", donde te emocionás a full en el último tramo. Acá, muchos pasajes harán que se te humedezcan los ojos, como cuando ella corre tras Brightbill, cuando le declara su amor y cuando recibe ayuda inesperada La película va directo al corazón. Sus momentos más fuertes giran alrededor de la maternidad, los vínculos y la crisis de identidad de una madre que no nació para serlo. 

Huelga decir que "Robot Salvaje" es de esas pelis que te dan ganas de ver en familia, con los peques, pero también solo, con mate en mano, cuando uno necesita recordarse que cambiar es posible. Que hasta una máquina puede elegir cuidar, quedarse, aprender. Que sobrevivir no siempre es lo mismo que vivir.

Mirala con una pack de pañuelos en mano, eso si.

FICHA TÉCNICA:          
PAÍS: USA / Japón
AÑO: 2024
GÉNERO:  animación / ciencia ficción
DURACIÓN: 102 minutos
GUIÓN: 9 /10  
DIRECCIÓN: 10 / 10

CGI: 9 /10 

PRESUPUESTO // RECAUDACIÓN: US$ 78.000.000 // US$ 333.165.945

RATED: A

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HEREJE

¿Podés imaginarte a Hugh Grant, quien será eternamente recordado por sus roles como "galán" en "Cuatro Bodas y un Funeral" o "Un Lugar Llamado Notting Hill"), metido en una peli de terror psicológico con tintes religiosos? Bueno, en "Heretic", dirigida por Scott Beck y Bryan Woods (los mismos detrás del guion de A Quiet Place), no sólo lo hace...si no que te termina dando bastante miedito!

La historia gira en torno a dos jóvenes mormonas (interpretadas por Sophie Thatcher - "The Boogey Man" - y Chloe East - "Los Fabelman") que, en una misión puerta a puerta, se topan con Mr. Reed (Grant), un hombre de modales impecables y casa inmaculada… pero con un aire inquietante palpable al segundo. Lo que arranca como una conversación incómoda sobre fe y salvación se va torciendo hacia un juego mental en el que nada es lo que parece.

Grant encarna a Reed con una mezcla deliciosa de cortesía británica y amenaza latente. Hay algo hipnótico en su mirada: uno no sabe si te va a invitar un té o a encerrarte en un sótano. La peli juega con esa ambigüedad desde el minuto uno, y lo hace muy bien. A ratos recuerda a Get Out, en otros momentos a Misery o incluso a The Invitation, pero sin copiar a nadie.

Beck y Woods aprovechan la tensión de los espacios cerrados, los silencios y una dirección sobria que evita el jump scare barato. Lo perturbador acá es lo que no se ve. Y lo que se cree. Porque Heretic es, en el fondo, una peli sobre creencias: religiosas, personales y hasta narrativas. ¿Qué pasa cuando confiás demasiado en tu verdad? 

Párrafo aparte para el ritmo: algunos van a decir que es lento, pero yo diría que es paciente. La peli te va cocinando a fuego lento, y cuando llega el punto de ebullición, ya estás atrapado, sin escapatoria.

En resumen: Heretic no es para ver con el celular en la mano. Requiere atención, entrega y ganas de entrar en un terreno incómodo. Pero si te dejás llevar, lo que te devuelve es una de las actuaciones más jugadas de Hugh Grant en años, y una historia que se queda dando vueltas en la cabeza mucho después de los créditos.

Quizás el final no es lo que un film tan bien logrado se merecía, y eso le resta un par de puntos. El planteo, el setting, y las actuaciones, son dignas de elogio, y creo que eso y la discusión sobre tus creencias que plantea es lo mejor (eso y el par de datos de trivia que, al menos yo, desconocía).

FICHA TÉCNICA:          
PAÍS: USA /Canadá
AÑO: 2024
GÉNERO:  horror / thriller psicológico
DURACIÓN: 111 minutos
GUIÓN: 7 /10  
DIRECCIÓN: 8 / 10
ACTUACIONES: 8 /10

CGI: 6 /10 

PRESUPUESTO // RECAUDACIÓN: US$ 10.000.000 // US$ 59.788.000

RATED: PG-18

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THE FLIGHT ATTENDANT

Si, si...la vi por Kaley Cuoco...o como algunos la conocen "Penny", la "rubia" de "The Big Bang Theory", y debo decir que no sabía bien qué esperar. 

Cuoco se despega (hablando de azafatas y vuelos) por completo de su pasado como Penny en The Big Bang Theory para entregarse a un papel mucho más oscuro, caótico y humano, un papel que nos permite ver una Kaley con un rango de emociones, expresividad, y dotes actorales explotadas de una forma no apreciadas en las 12 temporadas trabajando bajo el comando de Chuck Lorry y Bill Prady. Cassie Bowden, su personaje, es azafata. Glamour, viajes, copas en primera clase. Pero también es un desastre emocional con la capacidad de autodestruirse a velocidad crucero. Y cuando se despierta al lado de un cadáver en Bangkok sin saber qué pasó la noche anterior… bueno, la serie toma vuelo.

The Flight Attendant mezcla thriller con comedia negra y una pizca de drama existencial. El tono es rápido, a veces casi frenético, pero no por eso superficial. La dirección juega con montajes divididos en pantalla, diálogos internos, visiones y flashbacks que no son solo recursos estilísticos: son ventanas a una mente perturbada. Referido al primer recurso mencionado, algo que se da con asiduidad en estas dos temporadas, el split screen no se usa solo como adorno estético: ayuda a reflejar el caos mental de Cassie, sus múltiples versiones de la realidad, la simultaneidad de acciones en distintos lugares y esa sensación de estar “partida” por dentro. A veces incluso se usa para mostrar su yo imaginario dialogando con ella misma, como si hubiera dos o tres) Cassies en pantalla (que por momentos, las hay). 

Uno de los grandes aciertos es cómo la serie no deja que la intriga del crimen opaque el viaje emocional. Porque sí, hay una investigación, sí, hay peligro, giros, conspiraciones internacionales, agentes encubiertos y más. Pero lo que realmente te mantiene mirando es Cassie, con sus torpezas, sus intentos de redención, sus decisiones horribles y en definitiva, lo que conlleva ser un "ser humano". Pero, también sucede que Cassie es un personaje con el que nos es difícil empatizar, porque, siendo honestos, no genera mucha empatía (ni ella ni ninguno de los personajes que la orbitan). 

Con una temporada prometedora y bastante atrapante, la segunda toma un giro completamente distinto, siendo el eje principal, una vez más la necesidad de redención de Cassie, pero por sobre todo, su problema con la bebida, hecho omnipresente en toda la segunda temporada. Se pasa de un clásico whodunnit a un thriller / drama psicológico; de un consumo de alcohol causa de (casi) todos sus males a la lucha por la abstinencia; de víctima a espía amateur, de mucho vértigo a mucha reflexión. Y la serie pierde...y también el espectador, y, extrañamente, se re-dimensiona a Cuoco como actriz (ella misma ha dicho que si hay alguien con quien no volvería a trabajar es con ella misma, "sin posiblemente" debido al trabajo que requirió esta segunda temporada.

Recomendable primer temporada, especialmente si te gustan las series que combinan misterio con personajes rotos tratando de parcharse en pleno vuelo. La segunda..bueh...muy bien por Kaley, pero evitable..

FICHA TÉCNICA:          
PAÍS: USA
AÑO: 2020 - 2022
GÉNERO:  comedia negra / suspenso / drama / misterio / whoddunit
DURACIÓN: 16 x 50 minutos (2 temporadas)
GUIÓN: 5 /10  
DIRECCIÓN: 7 / 10
ACTUACIONES: 8 /10

CGI: 6 /10  

RATED: PG-16

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EL ETERNAUTA

Hay adaptaciones que podrían estar condenadas desde el arranque. Hacer "El Eternauta" en Argentina no era adaptar un cómic: era jugar con la Biblia en una mano y una bomba molotov en la otra. Netflix se animó. Y lo que entregó es una serie que, si bien tiene matices con el comic, entendió una cosa fundamental: que esto no era solo ciencia ficción. Pero... ¿Por qué "El Eternauta" es tan especial? ¿Qué lo volvió en su momento tema de culto?

El comienzo es simple: Buenos Aires, unos amigos en su juntada habitual de los viernes, un partido de truco, y unos whiskies, hasta que llega el apagón. Luego, una nevada mortal, una invasión silenciosa, y vecinos armando un plan con lo que hay. Juan Salvo es nuestro guía, nuestro hombre común enfrentando lo imposible, en búsqueda de esa hija desaparecida, de la mano de esos amigos de toda la vida. En papel, fue la épica del ciudadano de a pie. En pantalla, es Ricardo Darín ("El Secreto de sus Ojos"), quien logra sostener una versión creíble del personaje, aunque por momentos uno siente que la leyenda del actor se come al tipo común que Salvo necesitaba ser.

Y menciono el papel porque hay diferencias con el comic; un comic que fue escrito en 1959 con el dibujo de Solano López, re-escrito (junto al dibujante uruguayo Breccia) en el '69, y que tuviera una segunda parte en 1976, nuevamente con Solano López como dibujante. Y el Héctor Germán Oesterheld del '59 no era el mismo que el de 1969, y mucho menos que el de 7 años después. Da la casualidad que las 3 versiones de "El Eternauta" coincidieron con 3 gobiernos de facto que viviera Argentina (Aramburu, Onganía, y Videla), y HGO era un tipo muy involucrado políticamente, al punto tal de que termina preso por sus activismo político, y posteriormente, se contaría entre los desaparecidos (junto a su mujer y sus tres hijas). En la serie de Netflix hay guiños a su figura, líneas de diálogo que resuenan con su historia personal, y una intención clara de vincular a Salvo con Oesterheld, al héroe con el cronista. No hay que ser demasiado sutil para leerlo: el Eternauta no viaja solo en el tiempo, lleva con él toda una generación que soñó y cayó.

En el comic, la historia se la cuenta el propio Salvo a Oesterheld en su estudio. Salvo es un viajero del tiempo (y de ahí El Eternauta, que en la serie no nos queda claro de dónde proviene el nombre). En la serie, por su parte, el relato es lineal, y no contado a posteriori. El tono político - como señalaba anteriormente - tiene gran presencia en el comic, sobre todo en la re-escritura del '69, y en la secuela del '76 (en el original, el tono es más sutil, haciendo referencia al imperialismo, la organización del hombre de a pie para resistir de forma colectiva). Tal vez en el comic el grupo tenga más importancia que en la serie, donde la presencia de Darin - como aludía en el párrafo de apertura - opaca un poco al resto del grupo. La familia de Salvo es más importante y con más tiempo de "pantalla" en la serie que dedicación en el comic, lo cual también es otra diferencia. Y luego está el aspecto visual, siendo un juego de blancos y negros en el comic, y aquí con más color y más sensación post-apocalíptica. En este sentido, algunos efectos especiales zafan, otros no tanto. Pero el mayor acierto está en el tono. Esa Buenos Aires que se hiela no es solo decorado: es una memoria congelada. Los pasillos, las casas bajas, los clubes barriales convertidos en trincheras: todo remite a un país donde la resistencia empieza en casa y con los amigos, y donde lo viejo no sólo funciona: es lo único que funciona.

Ahora bien, no todo brilla. La segunda mitad de la serie queda a medio camino entre "The Mist" de Stephen King y "La Guerra de los Mundos". Se vuelve más discursiva, menos tensa. Pero incluso en sus tropiezos, se nota que hay respeto por el material original. Y eso, en estos tiempos de reciclajes perezosos, es algo que se agradece. Queda la sensación de que uno le da más valor porque es argentina, porque la tiene cerca, y talvez por lo sucedido a Oesterheld...o por el mismo Darín. Tal vez si fuera una serie checa no le daríamos el mismo valor por estos lares. 

El Eternauta fue siempre una obra colectiva, en fondo y forma. La serie no traiciona eso. Aunque le falta pulso por momentos, se planta con dignidad frente a una herencia pesada. Porque lo que Oesterheld escribió en los ‘50 seguía siendo cierto en los ‘70, y sigue siéndolo ahora: la salvación no es del héroe solitario. Es del grupo. Del que organiza, del que acompaña, del que no suelta la mano.

Y si la nieve vuelve a caer —porque siempre vuelve, y habrá una segunda temporada— más nos vale tener claro con quién la vamos a enfrentar.

FICHA TÉCNICA:          
PAÍS: Argentina / USA
AÑO: 2025
GÉNERO:  ciencia ficción / aventuras / terror / thriller / drama
DURACIÓN: 6 x 60 minutos
GUIÓN: 9 /10  
DIRECCIÓN: 8 / 10
ACTUACIONES: 7 /10

CGI: 5 /10  

PRESUPUESTO: US$ 15.000.000

RATED: PG-16

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VENOM 3: EL ÚLTIMO BAILE

Es "Venom 3: El Último Baile" el cierre de la saga? Puede que si, pero puede que no. Es el final de Tom Hardy ("Inception", "Peaky Blinders", "Capone", "El Renacido") interpretando a Eddie Brock / Venom? Puede que si, puede que no. Por qué la falta de respuestas definitivas? Varios son los motivos, pero, principalmente el hecho de que el propio actor no lo haya descartado, que Venom todavía no se haya enfrentado a Spiderman (para aquellos ajenos al comic, el origen de Venom es precisamente como antagonista del arácnido), y que el malote de esta última entrega no se haya "exprimido" en su totalidad (no sería de extrañar ver en un futuro no muy lejano un Venom vs Spiderman, o un Venom & Spiderman vs Knull).

Dirigida por Kelly Marcel (y escrita por ella como las dos entregas anteriores), cuyo éxito mayor fue "Cruella", parece no haber dado con la tecla de hacer de Venom un personaje mucho más memorable. Y aquí no voy a culpar a Hardy, quien hace un trabajo bastante decente con el material que tiene. Para ser justos, creo que la "cuchara" metida en el guion por el propio Hardy, y la colaboración de un ícono de la industria del comic como Todd McFarlane (creador de Spawn), hacen que "El Último Baile" sea un pelín mejor que su predecesora, "Habrá Matanza", donde, desde mi humilde punto de vista hubo un gran desperdicio del personaje de Carnage, así como del talento (o locura) inigualable de Woody Harrelson ("Zombieland", "Palmetto"). 

Si recordás, Eddie y Venom habían sido transportados a una Tierra alternativa (616) por un hechizo del Doctor Strange. Borrachos en un bar de México, regresan a su universo y a su Tierra natal (la 688) donde son acusados de haber asesinado al detective Mulligan (Stephen Graham - "Adolescencia", "Boardwalk Empire"), y haber hecho un destrozo durante su batalla contra Carnage. Es así que Eddie se dirige a New York para tratar de limpiar su nombre, pero en le interín, una "cazadora de simbiontes" va tras ellos. Estos hechos llaman la atención de Strickland (Chiwetel Ejiofor - "12 Años de Esclavitud"), un comandante a cargo del desmantelamiento de lo que fuese el Área 51, donde ahora se estudian otros simbiontes caídos a la Tierra. Como para Strickland Venom y la Xenófaga que lo persiguen son lo mismo, intentará darle caza a ambos, lo que hace que Eddie Brock (y por ende Venom) deban huir de la amenaza terrestre y de la extraterrestre, mientras tratan de aclarar que ellos no son los responsable de la muerte de Mulligany averiguar quien está detrás del bicho alienígena que quiere darles captura, quien, como establecimos al principio, no será otro que el padre de todos los simbiontes: Knull. 

Que el film sea relativamente corto tiene sus ventajas y desventajas. El largometraje no se vuelve pesado, lo cual es bueno, pero va en contra del desarrollo de los subplots, lo cual vuelve el argumento un tanto difícil de seguir, máxime teniendo en cuenta la introducción de nuevos personajes, cuyas motivaciones podrían no ser fuertemente exploradas. El CGI tiene sus momentos de acierto, aunque es un tanto desparejo. El hecho de que el tono no se defina completamente como de humor (cosa que, por ejemplo, es definitiva en Deadpool / Wolverine) hace que uno no se sepa tampoco muy bien cómo debe de encarar el ver la película. Creo que un elemento que juega a favor es que uno (yo seguro) tenía muy pocas expectativas con este film, quizás por ello no lo hallé tan malo. De hecho, me pareció bastante decente (cosa que también me sucedió con Joker 2). 

En el apartado actuación, salvando lo de Hardy y Ejiofor, el resto flojo...muy. Juno Temple ("Fargo", "Ted Lasso"), al menos en este film carece de movilidad facial, expresividad corporal, y carisma. Tal vez es una mala muestra de una actriz que no tengo muy vista. Hasta lo de Rhys Ifans ("House of the Dragon", "Notting Hill") parece forzado (emulando en parte el rol que lo hiciera famoso en la comedia interpretada por Hugh Grant y Julia Roberts). 

En resumidas cuentas, es un film que tiene lo suyo, no es tan malo como podría esperarse, pero que muy probablemente pase sin pena ni gloria.

FICHA TÉCNICA:          
PAÍS: Francia
AÑO: 2024
GÉNERO:  acción / superhéroes / aventuras / humor
DURACIÓN: 110 minutos
GUIÓN: 6 /10  
DIRECCIÓN: 4 / 10
ACTUACIONES: 6 /10  
CGI: 7 / 10

PRESUPUESTO / RECAUDACIÓN: US$ 120.000.000 / US$ 478.931.196

RATED: PG-12

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ADOLESCENCIA

La miniserie del momento, sin dudas; por lo que plantea tanto para padres, como adolescentes, redes sociales, sistema educativo, personal de salud mental, y una sociedad que se hace cada vez más compleja y difícil de manejar. 

El adolescente Jamie Miller vive en un pequeño pueblo de Inglaterra, de esos donde todos se conocen, y es acusado de haber apuñalado repetidas veces a una compañera de clase, causándole la muerte. La serie gira entorno a la investigación del caso desde el punto de vista de los detectives a cargo, la evaluación de la psicóloga asignada a evaluar el estado mental de Jamie, los compañeros de Jamie, y la perspectiva del resto de su familia con respecto a lo sucedido, en especial por parte del padre. 

Si bien la premisa parece sencilla, es llevada a cabo con tal maestría y cuenta con tantos logros actorales como de filmación y edición, que uno no puede menos que sacarse el sombrero ante los creadores de este producto, Jack Thorne (ganador de 5 premios Bafta y creador de series como "The Dark Matter" y "Las Nadadoras", biopic nominada al Oscar), y Stephen Graham, a quien seguramente habrás visto anteriormente (su filmografía es muy extensa e incluye "Snatch", "Band of Brothers", "Gangs of New York", "Boardwalk Empire", "Piratas del Caribe", "El Irlandés", "Venom", y "Peaky Blinders". Wow!).

Graham (que aquí interpreta al padre de Jamie) fue quien originalmente tuvo la idea de crear "Adolescence" luego de que fuera duramente impactado emocionalmente por la muerte de una adolescente de 12 años en su ciudad natal (Liverpool), y dos años más tarde el hecho se replicara con una chica de 15. Esto le llevó a plantearse qué era lo que estaba ocurriendo con los adolescentes hoy en día, y a qué se debía tal grado de violencia. Y no, no es una serie sobre saber si el chico es culpable o no lo es. Es sobre las dificultades que los chicos atraviesan hoy en día; misoginia, masculinidad tóxica, bullying y cyber-bullying, el dilema de ser un padre, el control sobre tus hijos (o la falta de) - e incluso hasta dónde se debe o puede controlar, la influencia (en general negativa) de las redes sociales, el desconocimiento de los códigos que los chicos manejan por parte de los padres, lo que es el sistema educativo hoy en día y la falta de valores. En fin...seguro vos podés ver más capas en esta increíble historia, que no luce para nada como ficción, y ahí hay logros de actores, director, cámaras, y producción.

"Adolescencia" está divido en cuatro episodios, y cada uno se centra en un aspecto o visión del caso, ya sea el de los detectives, la familia, o la terapeuta, como mencionaba antes. Además, cada episodio está filmado en plano-secuencia, esto es, una toma única durante los 50+ minutos que dure el episodio. Por qué? Para crear tensión, compenetración por parte del televidente, y evitar la distracción del espectador. Cómo se logra? Básicamente con un montón de ensayo, la utilización de modelos en miniatura para tener una mejor visión por parte de los actores de dónde va a estar la cámara todo el tiempo, la utilización del personal técnico como extras (ya sea vestidos de transeúntes, vecinos, policías), y la alternancia de quién toma el hilo conductor, ya sea más que unos breves segundos.

En cuanto a lo actoral, no hay uno de los personajes que no se sienta real. Quizás destacan más el propio Graham (tanto en el primer como en el último episodio, desde la incredulidad hasta la aceptación de la realidad); lo de Erin Doherty como la psicóloga, y ni que hablar de lo de Owen Cooper (Jamie), quien al principio nos causa indefensión y la suma convicción de su inocencia, para luego transformarse completamente en el tercer episodio en alguien cuyos rasgos sociópatas dan escalofríos. 

Como padre, una serie del estilo no deja de resonar en mi cabeza. Y no por lo "fuerte" de la serie, si no por la reflexión a la que invita. Qué es lo que consideramos normal? Realmente entendemos a nuestros hijos? Lo que pensamos que es seguro (como cuando Jamie se va a su cuarto a usar la computadora por horas), realmente lo es? Es la escuela el lugar seguro que creemos es...o al menos debería ser? Como docente sé que trato de hacer lo mejor, pero son todos los docentes iguales? Qué pasa con aquellos afectados por el burnout e igual tienen que lidiar con chicos que se parecen más a animales enjaulados que a otra cosa? Dónde empieza y termina la autoridad y la responsabilidad de los educadores realmente? Cuán peor será esto en unos años? Cuánto más radicalizadas van a estar las mentes de nuestros niños? Las preguntas son miles, y el momento de debate es ayer. Hay que hablar. No de la serie. No. Hay que hablar con nuestros hijos. Hay que - en este mundo donde muchos trabajamos mil horas al día - tomarse ese tiempo de saber qué está pasando con ellos. y con suerte ser honestos. Y que lo sean con nosotros. Ese es el takeaway que me llevo de ver esta serie, altamente recomendable para padres, aunque sin dudas, para ver sin los niños cerca. 

Esperemos ahora la segunda temporada y tal vez ver un aspecto no explorado hasta el momento: el punto de vista de la familia de la víctima.

FICHA TÉCNICA:          

PAÍS: Reino Unido
AÑO: 2025
GÉNERO:  drama / crimen
DURACIÓN: 4 x 60 minutos
GUIÓN: 8 /10  
DIRECCIÓN: 10 / 10
ACTUACIONES: 10 /10

RATED: PG-18

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ENVIDIOSA - Temporada 2

Segunda temporada de "Envidiosa", donde Vicky (Griselda Siciliani) debe decidir entre la estabilidad que le ofrece su relación con Dani (Martín Garabal - "División Palermo") o la pasión emergente con Matías (Esteban Lamothe - "El Marginal" / "Buscando a Nina"), punto donde nos dejaba el final de la temporada anterior (claro que si no la vista, por acá te dejo el link de esa temporada, y no seguís leyendo a riesgo de spoilers). 

Ya conocimos a Vicky, una empedernida creyente en el amor, pero envidiosa de todos quienes pudieran formar una pareja. Descreída de todos aquellos con una relación medianamente estable, pero dispuesta a creer en casi cualquiera que le ofreciera la más mínima oportunidad de poder formar esa familia idealizada de "caja de cereal". Sujeta a lo "que se espera" de una mujer de 40, Vicky no concibe la idea de no tener marido e hijos a esta edad, y aferrada a ese ideal es que está dispuesta a dejar pasar el verdadero amor, con tal de tener la seguridad de un futuro que se le ha ido postergando. En su camino, cual tornado que arrasa todo a su paso, destruye relaciones y vínculos, sin muchas veces siquiera darse cuenta de lo que está perdiendo. 

Sin embargo, parece que Vicky ha aprendido un par de cosas, sea por ayuda de su psicóloga, o por cómo la vida la ha ido "sopapeando". Sabe ahora que su accionar es muchas veces autodestructivo, que debe capitalizar el pasado y no repetir conductas, y que necesita ser la elegida, una carencia que arrastra (o cree arrastrar) desde el abandono de su padre. Sabe también que necesita aprender a estar sola. Y se enfoca, además, en restablecer vínculos: con su hermana, su mamá, hasta con la ex-pareja de su amante.

Pero, todo en la vida de Vicky parece ser un tema de (mal) "timing". Cuando quiere una cosa, tiene la que quería antes, pero luego cuando se da cuenta, ya parece ser tarde. 

Esta segunda temporada no deja de lado temas abordados anteriormente, como lo destructivo de la envidia, la búsqueda de la felicidad, el autoconocimiento, el abandono y sus consecuencias, y la eterna comparación con los demás, si no que los sigue tratando, y creo que a ellos les suma el del valor de la amistad, el de conformarse con pequeñas cosas, y el de no dejarse llevar por las apariencias. De cierta forma también se logra que Vicky se vuelva más humano, que genere más empatía, que conecte más con el televidente. Se logra, con acierto, mantener el interés que generó la primer entrega, y nos muestra a una Vicky que ha logrado madurar, pero a la que aun le quedan asuntos por resolver.

FICHA TÉCNICA:          

PAÍS: Argentina
AÑO: 2024 - 2025
GÉNERO:  comedia / drama / romance
DURACIÓN: 11 x 30 minutos
GUIÓN: 8 /10  
DIRECCIÓN: 8 / 10
ACTUACIONES: 8 /10

RATED: PG-16

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EMILIA PÉREZ

A pesar de haber ganado 2 premios Oscar (por Mejor Actriz de Reparto y Mejor Canción Original), "Emilia Pérez" es la gran perdedora de los "premios de la Academia" 2025. Qué fue lo que pasó? Pasá y te cuento...

Dirigida y escrita por Jacques Audiard, con un trabajo previo como director alejado de las grandes marquesinas con producciones tales como "Paris, Distrito 13" y "Los Hermanos Sisters", el film protagonizado por Karla Sofía Gascón ("Nosotros los Nobles", como Juan Carlos Gascón) y Zoe Saldaña ("Avatar", "Guardianes de la Galaxia"), nos cuenta la historia de Rita (Saldaña), una abogada muy capaz pero condenada a trabajar por una miseria y sin el reconocimiento debido, quien ayuda a su jefe a ganar un caso donde su defendido era acusado de asesinato, y donde ella logra convencer al juez de que en realidad fue un suicidio, todo esto yendo contra sus propios principios. Es tal vez por este hecho que es "persuadida" por un capo de la droga, "Manitas" del Monte (Gascón), para que le ayude a cumplir su deseo de convertirse en una mujer a pleno, comenzando una nueva vida alejado de todo el mundo que le rodea. A cambio, obviamente, una fortuna inimaginable para Rita. 

Tentada a escapar de su destino ominoso, Rita acepta, teniendo, entre otras cosas, que encontrar el lugar, el médico, y el momento adecuado, ya que nadie, ni siquiera la esposa y los hijos de "Manitas", pueden enterarse. Simulación de muerte mediante, Juan "Manitas" del Monte se transforma en Emilia Pérez, mientras su "viuda" y sus hijos son reubicados en Suiza, so pretexto de protegerlos de quienes "eliminaron" a Manitas. 

Cuatro años más tarde, cuando todo parecía terminado y enterrado, Emilia decide ir de nuevo en busca de Rita, quien ahora es una abogada exitosa y reconocida, para recuperar a sus hijos. Este es el comienzo del periplo, la transformación definitiva de Emilia, pero también su propio final, al abrir la boca de más. 

Audiard se encarga de llevar esta extraña historia en forma de musical...Si, exacto.

Como en el film, Karla Sofía Gascón abrió por demás su boca...o su cuenta de Twitter (me niego a llamarlo X). Hasta hace un par de meses, la película con 13 nominaciones al Oscar (incluida la de la propia Karla) era la bomba del verano (al menos en este hemisferio). Y lo siguió siendo...pero para mal.

Poco a poco los tweets de Gascón fueron saliendo a la luz, algunos incluso datando del 2016: que los musulmanes son una infección para la humanidad, que George Floyd (aquel ciudadano negro muerto a golpes por la policía de USA) era un estafador drogadicto, publicó sobre China, e incluso hizo comentarios despectivos sobre los propios Oscar. Luego de algún llanto en alguna entrevista, al consultársele sobre el apoyo del director, Gascón afirmó que contaba con tal. Obviamente, Audiard negó esto, deslindándose completamente de la controversia. 

Además, el film en sí ya contaba con críticas acérrimas de los propios mexicanos representados en él, ora la falta de rigor en los detalles técnicos o en cómo se ilustra el sistema judicial mexicano, ora cómo se aborda el tema del tráfico de droga y los desaparecidos por los cárteles. La contratación de consultores mexicanos al respecto parece haber sido inexistente. El propio director reconoció su ignorancia al respecto de la realidad mexicana y no fue ajeno a algunos "infelices" tweets al respecto del español como lengua. 

Sea como sea, "Emilia Pérez" no es un largometraje fácil, más allá de la extraña temática. En lo particular, no soy muy afecto a los musicales, y sería impensado que fuese a ver uno al cine (creo que el único que recuerdo haber visto en sala fue "Sweeney Todd"). No obstante, no sé si el aspecto musical es lo que más me choca (más allá de algún tema bien logrado como "El Mal", de Clément Ducol y Camille, el cual a la postre ganara el Oscar como Mejor Canción Original). Cómo están encarados determinados temas delicados, la poca empatía que generan todos los personajes (no hay uno que zafe), las actuaciones de pobre calibre, por más que "la Academia" me quiera vender que son espectaculares (destaca, y con justa razón, Zoe Saldaña, quien ganara un Oscar por esto mismo), y ni quiero empezar a hablar de Selena Gómez, que si no es lo peor del film, no anda muy lejos (alguien que me explique cómo se le fue dado este papel a alguien que pretende ser mexicano y cuyo español es una patada en el pecho). 

Mi motivo principal para verla fue averiguar porqué era un film tan criticado. Eso lo averigüé. Todavía estoy por descifrar el porqué de sus 13 postulaciones el Oscar. Habrá que culpar una vez más al movimiento woke? Tal vez...

FICHA TÉCNICA:          
PAÍS: Francia
AÑO: 2024
GÉNERO:  drama / musical / thriller
DURACIÓN: 132 minutos
GUIÓN: 3 /10  
DIRECCIÓN: 2 / 10
ACTUACIONES: 6 /10  
CGI: 5 / 10

PRESUPUESTO / RECAUDACIÓN: US$ 25.000.000 / US$ 15.454.042

RATED: PG-16

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EL JUEGO DEL CALAMAR: Temporada 2

Primero a no soslayar lo obvio: esta segunda temporada carece de la sorpresa y el shock de la primera. Eso, es innegable, como también previsible. Es harto difícil encontrar una segunda temporada de una serie - en especial una que haya sido sensación y sacudido los cimientos de la forma en que lo hizo "El Juego del Calamar" en su primer temporada (reseña aquí) - que impacte más que su predecesora. Ahora, una vez mencionado lo evidente, "El Juego del Calamar" sigue siendo atrapante, inquietante, violento, y reflexivo.

Seong Gi-hun (el gran Lee Jung-jae) ha resultado el ganador de la edición anterior de los juegos de la isla, siendo testigo de cómo los otros 455 participantes han sido asesinados alrededor suyo. Lejos de aceptar la oferta hecha de desaparecer con los 45.600.000.000 de Wones (casi unos 32 millones de dólares), Gi-hun decide ir en busca del creador de los juegos para ponerle un alto para siempre. No tiene mejor idea que empezar a reclutar un equipo para darse a la caza de los organizadores, y recurrirá a sus antiguos usureros para ello. El destino querrá que se cruce con Hwang Jun-jo, el joven policía que se había infiltrado en la isla y que es ahora un oficial de tránsito, alejado de todo tipo de trabajo detectivesco. Con su novel equipo de mercenarios, Gi-hun y Jun-jo tratarán encontrar la isla, o infiltrarse en ella y acabar con la organización desde afuera, o desde adentro.

La (mala) suerte hará que Seong termine una vez más como participante de los juegos, donde intentará persuadir a los otros participantes de la realidad que viven, sin mucho éxito. Mientras, Jun-jo desde fuera y abordo del barco del capitán que lo rescatara, intentará dar con una isla que es cada vez más esquiva. 

Esta segunda temporada nos presenta una buena tanda de nuevos jugadores: una madre y su hijo adicto al juego, una chica embarazada, otra que ha huido de Corea del Norte, un influencer que ha hecho perder a muchos mucho dinero en criptomonedas (algunos de los damnificados por dicha "celebrity" están también dentro del juego), un antiguo amigo del propio Seong, una chica en plena transición sexual, un rapero muy controversial y bastante "pasado de olla", y varios personajes interesantes más (incluso uno que se une a las huestes de los de "mameluco", como francotirador). 

Hay varios elementos innovadores como "la votación", instancia que se da luego de cada juego y donde los participantes pueden decidir si seguir jugando o si quedarse (cruel crítica por parte del director/escritor a la avaricia humana); esta instancia será de las más ricas en cuanto a argumento, pues veremos el porqué de las posturas de quienes deciden seguir jugando o los que quieren retirarse. Claro está, si tu bando pierde la votación estarás obligado a seguir lo que la mayoría ha decidido. 

También hay una rotación en los juegos en sí, repitiéndose solamente el de la muñeca. Los otros que se observarán te dejarán al borde de la silla, ya que implica el clásico "armado de grupos", y depender de las habilidades de tus compañeros para sobrevivir.

Otro elemento que se repite - y sin embargo sigue siendo igual de (o más) efectivo - es lo que sucede cuando ya hay bandos armados y se apaga la luz a la hora de dormir. Esta instancia dará lugar a varios encuentros, con resultados desafortunados para muchos de los participantes. 

Tal vez, hay momentos en que "El Juego del Calamar" pierde un poco su esencia, ya sea en algunas escenas afuera de la isla, o incluso en las relacionadas al tiroteo, pero sin dudas sigue siendo una serie atrapante. El hecho de que quede inconclusa también juega en contra, y el mensaje desalentador del final puede llegar a indignar al televidente. Veremos cómo se resuelve todo en la próxima (y - en teoría - última) temporada a estrenarse a mediados de año.

FICHA TÉCNICA:          
PAÍS: Corea del Sur
AÑO: 2021-2025
GÉNERO:  drama / thriller
DURACIÓN: 7 x 60 minutos aprox
GUIÓN: 9 /10  
DIRECCIÓN: 8 / 10
ACTUACIONES: 9 /10  
CGI: 7 / 10

RATED: PG-16

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MACHOS ALFA Temporada 3

Los hermanos Caballero (Alberto y Laura), creadores, guionistas, y en el caso de la hermana menor, también directora, se las han ingeniado para que "Machos Alfa", una serie que ha marcado tendencia, se mantenga relevante y fresca en esta tercer temporada, cosa no fácil si se considera que a la sazón ya llevan una treintena de episodios. Como ya es rutina, si no viste las temporadas uno y dos, te dejo el link para que los cheques, y no spoilearte con esta reseña cosas de temporadas previas.

Cuando parecía que estos 4 amigos se habían deconstruido y finalmente lograban entender a las mujeres, resulta que todavía quedaban rincones por explorar, lecciones por asimilar, y redescubrimientos por hacer. 

En esta oportunidad Pedro, quien ha quedado como director en jefe de la sección ficción de una productora, tendrá que hacer frente a una nueva CEO (alguien que pondrá nuevamente en jaque a este "macho"), si bien eso no será su principal desafío ya que acaba de enterarse que Daniela está esperando un hijo suyo.

Santi, quien no para de meterse en bretes con las mujeres que conoce y que parece tomar una mala decisión tras otra, conoce a Irene, una periodista feminista de renombre, de quien se enamora, muy a pesar suyo.

Luis las tiene complicadas esta temporada, ya que no sólo deberá enfrentar una nueva crisis en su matrimonio, sino también el divorcio de sus padres, el comportamiento machista de su hijo, y el deseo de su hija de ser considerada un niño y no una niña.

Finalmente Raúl, quien luego de la "anarquía romántica" con Luz, descubre que ésta tiene una novia, y él por no hacer menos empieza a salir con una ex-compañera del colegio, con tal de no reconocer que no ha podido superar a Luz. El problema será que su nueva novia es extremadamente católica, y no parará en su intención de quedarse con Raúl hasta llegar al altar.

Es verdad que "Machos Alfa" en su tercer temporada cae en la repetición de ciertas fórmulas, pero no está mal si esto es parte del éxito y del "gancho" con la gente. Diría que es incluso esperable, aunque a algunos "críticos" les moleste (si, va para vos @mindies.es) . Y si bien se recurre a situaciones un tanto alejadas de la realidad (como es la incursión de Santi en la reunión de los "incels"), hay otras que se toman con demasiada ligereza (como el ACV de uno de los personajes), e incluso hay otras que solo sirven de excusa para una risa fácil (como cuando la mucama de Pedro se le instala en la casa con sus propios padres durante su propio embarazo), también es cierto que esto no es nuevo en esta sitcom en cuestión. Incluso, y como es previsible, hay personajes que gozan de evolución y aprendizaje (como es el caso de Pedro), hay otros que parecen no poder salir de su círculo vicioso (Santi), otros que cada vez parecen ser más "atacados por la vida" (Luis, quien es a veces inexplicable que siga en pareja con Esther, quizás el personaje más detestable de la serie), mientras que algunos parecen involucionar (definitivamente Raúl). Y esto es lo que en realidad sucede en un grupo de amigos, pero que a menudo no los vemos por falta de atención o ser parte de. Y como todo ser humano, en busca de amistad y amor, estos amigos, con más fallos que éxitos, se ven forzados a cambiar en un mundo que ya no es el que era, pero también a seguir parámetros sociales que se les (nos) quieren imponer, que muchas veces no están tan claros tampoco. Amigos cuyas parejas parecen en un principio tenerlo todo mucho más claro, y que vemos con el pasar de las temporadas (se da muy especialmente en esta), que ellas pueden llegar a estar tan perdidas como ellos.

Si tuviese que elegir una de las temporadas, probablemente elegiría la segunda, pero esta tercer entrega no se encuentra tan detrás. 

FICHA TÉCNICA:
PAÍS: España
AÑO: 2022 - 2025
GÉNERO: comedia
DURACIÓN: 30 minutos x 10 episodios (cada temporada)
GUIÓN: 8 /10
DIRECCIÓN: 7 /10
ACTUACIONES: 8 /10

RATED: PG-16

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COMANDO DE CRIATURAS

Imaginate un "Escuadrón Suicida" pero integrado por criaturas grotescas o seres imposibles (o acaso no es eso más o menos el Escuadrón?)...bueno...como decía...imaginate un "Escuadrón Suicida" pero con MÁS criaturas grotescas e imposibles. Eso es básicamente el "Comando de Criaturas"; un grupo muy especial, para misiones muy especiales.

Al igual que en el "Escuadrón Suicida", el equipo obedece las directivas de Amanda Waller (Viola Davis), y también como en el equipo integrado por Deadshot (Will Smith) y Harley Quinn (Margot Robbie), están liderados por Rick Flag. La diferencia es que aquel - el del live action film - era Rick Flag Jr (Joel  Kinnaman - "Robocop") y en esta es Rick Flag Sr (Frank Grillo - "Capitán América: Soldado del Invierno"). Si, si...todo muy parecido, lo sé. 

Entonces, cómo se diferencian unas de otras? O es simplemente más de lo mismo? A lo segundo, podríamos decir que sí y que no. Un equipo de inadaptados en prisión que sucumben a los deseos de Waller de llevar a cabo misiones de las que es casi imposible salir vivos, si no es con bombas colocadas en su cabeza, es con shocks eléctricos. Sin embargo, aquellos (en su gran mayoría) humanos del "Escuadrón Suicida" tenían una chance de salir, ver sus penas reducidas, o que la propia Waller terminara ayudando a sus familias, les diera más comodidad en prisión, o algo por el estilo... Podían también salir y mezclarse con el resto de las personas. Pero...luego de que sus métodos fueran duramente criticados y que se le prohibiera utilizar humanos para sus misiones, a Waller no le queda otra que utilizar lo que puede. Y esos son monstruos. Monstruos que no tienen otro lugar donde ir y que no pueden pasar desapercibidos en el mundo exterior. Y monstruos a los que no hay que prometerles nada a cambio de sus servicios.

"Task Force M" (ese es su nombre real) está integrada por Rick Flag Sr (experto en servicios militares, fuerzas especiales, tácticas de guerrilla y estrategia); The Bride (la novia del monstruo de Frankenstein, con la voz de Indira Varma - "Misión Imposible: Sentencia Mortal" -); G-I. Robot (Sean Gunn - "Guardianes de la Galaxia"), un robot creado para la Segunda Guerra Mundial con la única directiva de eliminar nazis; Dr.Phosphorus (Alan Tudyk - "Doom Patrol") un ex-científico con el poder de derretir todo lo que toca; Nina (Zoë Chao - "The Umbrella Academy"), una mujer pez; y Weasel, quien es básicamente 80% comadreja y 20% hombre. La misión que tienen entre manos es sencilla, en apariencia: mantener con vida a la princesa Ilana, a riesgo de que su muerte no desate la Tercera Guerra Mundial. Aunque bien, esa es sólo su primera misión...luego podrían tener una muy, muy distinta. 

Al igual que sucede con "Suicide Squad", la violencia gratuita está a la orden del día. Contrariamente al Escuadrón, el Comando logra generar empatía con los espectadores; son monstruos que buscan un momento de alegría o solaz, a sabiendas que es casi imposible que lo tengan, y pocos de ellos merecen estar donde están, la gran mayoría llegaron allí producto de infortunios o giros perversos del destino, y no por cometer actos criminales.

"Comando de Criaturas" termina siendo un muy buen producto, máxime si se puede leer los mensajes entre líneas que - créalo o no - tiene; con una duración que por episodio ideal, y con un número de los mismos que no lo vuelve un producto denso y le da tiempo para desarrollar una historia. Fresco, interesante, y probablemente parte del nuevo canon de James Gunn.

FICHA TÉCNICA:          
PAÍS: USA 
AÑO: 2024
GÉNERO:  animación / acción / violencia
DURACIÓN: 23 minutos x 7 episodios
GUIÓN: 8 /10  
DIRECCIÓN: 9 /10 

C.G.I.: 9 /10
RATED: PG-18

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JOHN WICK 4

Pocas sagas mantienen el nivel como la de John Wick; es muy, muy difícil que si te gustó la primera no te suceda lo mismo con las 3 siguientes. Y como en todas las sagas, si algo funcionó, hay que hacerlo más exacerbado y mejor, y en eso no falla Chad Stahelski, director de esta entrega y de todas las anteriores (te dejo por acá el link de "John Wick: Parabellum")

Luego de que en la original (aquella del 2014), John Wick se propusiera una misión muy personal con tal de localizar a los asesinos que destruyeron su casa y mataron a su perro, Wick (Keanu Reeves) se ha visto forzado a huir de la Alta Mesa por el resto de su vida, y todo parecía que llegaba a su fin cuando su amigo y "mentor" Winston (Ian McShane - "Deadwood" / "Piratas del Caribe"), el propietario y gerente del Hotel Continental (refugio de matones y zona segura para asesinos), se ve obligado a dispararle en una azotea, y el bueno de John cae un par de pisos abajo, presuntamente muerto. Pues bien, John no está para nada muerto, y con la ayuda de su otrora enemigo Bowery King (Laurence Fishborne - "The Matrix"), se recupera en un lugar apartado de las miradas de curiosos. La vendetta de Wick es simple: destruir a la Alta Mesa, siempre y cuando, ésta no lo encuentre antes. Es así que de buenas a primeras nos encontramos a Wick en Marruecos, en búsqueda del "Ilustre", el supuesto hombre por encima de la Alta Mesa, quien le explica - al estar cara a cara - que eliminarlo a él, no haría que la Alta Mesa dejara de buscarlo. Por supuesto que Wick hace caso omiso de estas palabras. 

Al enterarse de lo sucedido, la Mesa contrata al marqués Vincent de Dramont (Bill Skarsgard - Pennywise en "It"), para que se ocupe de John de una buena vez y para siempre.

El marqués entonces viaja a Paris para excomulgar a Winston (esto es alejarlo de la Mesa y destruir su hotel), y para contratar a Caine (Donnie Yen - "Ip Man"), un asesino a sueldo, quien, ciego y retirado, deberá de volver al ruedo para personalmente eliminar a Wick, si es que pretende que su propia hija siga con vida. 

Si quiere librarse de la Mesa, Wick deberá lidiar con Caine, el marqués, y todo aquel asesino que se le ponga en frente, y demostrarles a todos porqué es el Baba Yaga, el "cuco" al que todos le temen.

Si en las primeras películas John Wick era baleado, ahora lo será más. Si fue atropellado por algún auto, ahora lo será por varios. Si cayo por alguna escalera, ahora serán muchos más los escalones cuesta abajo. Si se tiroteó con 100, ahora serán 200. Y es lógico que sea así. Las entregas anteriores habían dejado la vara muy alta en cuanto a escenas de acción, "coreografías" de peleas, persecuciones en auto, y drama. Y si se va a hacer una nueva (final?) entrega, hay que hacerlo bien. Y muy bien que se hace. Sin temor a equivocarme, de las mejores películas de acción que he visto. Es exagerada? Si. Pero que bien que está. 

"John Wick 4" no solo se destaca en las escenas de acción (y refrenda su amor por los perros), si no que también hace gala de un Reeves siendo protagonista (sin dobles) de casi todas las escenas de acción, muchas de ellas en plano-secuencia (esa técnica que consiste en no cortar ni editar durante toda la escena, filmada con una única cámara, y que exige un ensayo y coordinación detallada, tanto por parte de los actores, como del director de cámara, el equipo de sonido, luces, y efectos especiales). 

Por si fuera poco, hay detalles artísticos, en cuanto a vestuario, iluminación, y fotografía, dignas de mención, y si te gusta París, Wick te paseará por la Torre Eiffel, Sacre-Coeur, el Arco del Triunfo, la Ópera Garnier, y más. 

No debemos olvidar tampoco el reparto y los personajes secundarios, ya que a los mencionados podemos agregarle a Clancy Brown ("El Pingüino", "Cadena Perpetua") y a Hiroyuki Sanada ("Wolverine", "Bullet Train", "Shogun" y una larga lista).

Dentro de su género, "John Wick 4" es de lo mejor que se puede encontrar, y si bien no es un 10/10 global, si dentro de las películas de acción. Es uno de esos casos, donde la suma y posterior división de los apartados que verás abajo (guion, dirección, actuación y CGI) no dan el valor final otorgado por este servidor. 

Y la protagoniza Reeves, que me arriesgaría a decir es uno de los mejores tipos de Hollywood, y eso ya debería de ser suficiente motivo para verla.

FICHA TÉCNICA:          
PAÍS: USA / Alemania
AÑO: 2024
GÉNERO:  crimen / thriller / acción
DURACIÓN: 169  minutos
GUIÓN: 6 /10  
DIRECCIÓN: 9 /10 
ACTUACIONES: 7 / 10

C.G.I.: 10 /10
PRESUPUESTO / GANANCIAS: US$ 100.000.000 / US$ 440.180.275
RATED: PG-16

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