MACHOS ALFA - Temporada 4

Hay series que uno empieza casi por inercia y, sin darse cuenta, termina esperando. "Machos Alfa" es una de esas. Y su cuarta temporada confirma algo que ya se sabía - me animaría a decir, mínimamente dela temporada 3 -: no es solo una comedia cómoda para el algoritmo, sino una serie que se anima a mirar un poco más profundo sin dejar de hacerte reír.

La base es la misma de siempre: tipos lidiando con un mundo que cambió más rápido de lo que ellos pudieron procesar. Masculinidades en revisión, discursos aprendidos a medias, contradicciones constantes y esa sensación de ir siempre un paso atrás. Pero en esta temporada hay algo distinto: menos urgencia por el chiste inmediato y más espacio para dejar que las situaciones incomoden.

La cuarta temporada no viene a reinventar "Machos Alfa", tampoco lo necesita. Lo que hace es afinar el tono. El humor sigue estando, pero ya no depende tanto del golpe fácil. Muchas veces el chiste aparece después, cuando uno procesa lo que acaba de ver. La serie entiende mejor que nunca que el verdadero conflicto no es el “macho alfa” caricaturesco, sino el tipo que cree haber entendido todo… y se da cuenta de que no. Y ahí es donde pega más fuerte. 

Sin spoilear, esta temporada expone más a sus personajes. Las decisiones pesan, las palabras tienen consecuencias y algunas actitudes dejan de ser simpáticas para volverse incómodas. Y está bien que así sea. Y a ver...yo decía que la serie no reinventa nada, pero esto no quiere decir que no haya cambios. Y que no descanse en el "macho alfa" caricaturesco, no quiere decir que esta temporada esté exenta de situaciones caricaturescas; el ejemplo más claro es que cuando "nuestros machos" se dan cuenta que necesitan "reconstruirse" anotándose en un campamento para recuperar la virilidad. Otra situación - si se quiere, más real - es cuando los 4 amigos deciden buscarse un apartamento para usar como "bulo" y así huir de sus vidas cotidianas por un rato, ya sea para llevarse a alguna mujer, dormir tranquilamente, o jugar a la play.

Si las primeras temporadas funcionaban como un retrato exagerado de ciertas conductas, la cuarta se siente más cercana, más adulta. No porque baje línea, sino porque confía en que el espectador ya entendió el juego. No es una temporada estridente ni polémica. Es más silenciosa, más punzante. Y por eso mismo, más efectiva. Y más corta. 6 episodios se sintieron un poco "poco".

"Machos Alfa" se ha convertido - con el paso de las temporadas - en una serie que se enfocaba en hacer reír de la deconstrucción del hombre a ser reflejo de hombres (y mujeres) que no nos es tan ajeno como nos gustaría creer. 

FICHA TÉCNICA:
PAÍS: España
AÑO: 2022 - 2026
GÉNERO: comedia
DURACIÓN: 30 minutos x 6 episodios
GUIÓN: 8 /10
DIRECCIÓN: 8 /10
ACTUACIONES: 8 /10

RATED: PG-16

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EL ÚLTIMO SAMURÁI EN PIE

Un amigo alemán, con quien somos bastante afines en términos de literatura, series, y películas, me recomendó ver "The Last Samurai Standing" ("El Último Samurai en Pie"). Sus palabras mas o menos fueron: "Si te gustó El Juego del Calamar, y te gustan los samurais, esta serie es para vos." Y, bien podría reducirse a eso. De hecho, eso fue lo que sentí luego de ver el primer episodio. Sin embargo, luego vi que se iban agregando otros elementos (tiene algo de "John Wick" y un poco también de "The Last of Us"). Como le diría Shrek a Burro: hay capas como en una cebolla. Pero...las comparaciones, luego, primero dejame contarte de qué va la serie.

Año 1878, la Rebelión de Satsuma de Saigö Takamori contra la modernización japonesa ya pasó, y los samurais perdieron. La era Meiji está desarrollándose; Japón se occidentaliza, adopta nuevas estructuras, nuevas políticas, y el samurai como figura se vuelve obsoleto, y sus privilegios eliminados. Ya no se lo considera parte de una élite guerrera, y los señores feudales a quienes servían han desaparecido o transformado. Criados bajo las pautas del Bushido (un estricto código de honor), algunos prefieren la muerte antes que entregar su espada. Otros...especialmente aquellos con familia, tratan de sobrevivir como pueden. Para peor, el cólera afecta gran parte de Japón, mermando la comida, y siendo miles los fallecidos a causa de esta enfermedad. En este contexto - que fue real - se nos presenta a un samurái veterano, leyenda entre sus congéneres, con dos hijos afectados por cólera. Obligado a vender su espada por un poco de pan es cuando se topa con un aviso impreso instando a cualquier samurai que quede en la vuelta a participar de un torneo donde el premio serán 100 mil millones de yenes. Shujiro Saga (Jun'ichi Okada) no es un héroe idealizado ni una figura mítica: es un hombre cansado, marcado por decisiones pasadas, que se mantiene en pie por una única razón — el amor por su familia. 

El actor, cómo está dirigido y escrito su personaje, es uno de los grandes aciertos de la serie (que tiene varios). La actuación es contenida, austera, casi minimalista. No hay grandes monólogos ni frases diseñadas para el tráiler: todo se transmite desde el gesto, desde una mirada que carga más historia que cualquier diálogo. Esa contención le da una fuerza especial al relato y evita caer en el sentimentalismo fácil. Los personajes secundarios funcionan como contrapunto: algunos representan la adaptación al nuevo orden, otros la traición a los viejos valores, y otros simplemente la aceptación resignada de que el tiempo avanza sin pedir permiso. Y...como en "El Juego del Calamar", muchos personajes que nos generan simpatía, podrían no durar mucho en pantalla.

Hablando de la dirección, esta apuesta por un ritmo pausado, deliberado, que acompaña el espíritu de la historia. No es una película apurada, y tampoco debería serlo. Cuando la violencia aparece, lo hace sin glorificación: es breve, seca y profundamente triste. Cada enfrentamiento tiene peso narrativo y emocional. Hay lugar para grandes batallas? Sí. Ya en el primer episodio la hay. Y en el sexto también. Y alguna más por el medio. Y son soberbias. 

En lo visual, "The Last Samurai Standing" es sobria y elegante. La fotografía utiliza paisajes naturales, templos y espacios abiertos para reforzar la sensación de un mundo que se vacía. Los colores apagados y los tonos tierra subrayan esa idea constante de final de era, de despedida inevitable.

Más allá de la espada y la armadura, la película habla de algo universal: qué ocurre cuando los valores que te definieron dejan de tener lugar en la sociedad. Es un relato sobre la dignidad, la resistencia silenciosa y el costo de mantenerse fiel a uno mismo cuando todo alrededor te empuja a cambiar. Y es ahí donde más difiere con "El Juego del Calamar". No hay violencia gratuita, aunque sí haya quien pague para que los samurais se maten entre si. No se está en un lugar sin poder salir; hay un camino que recorrer. No hay avaricia por un premio. Hay la necesidad de ganar para sobrevivir, de demostrar que uno ya no es obsoleto.

"El Último Samurai en Pie" no es para todos los públicos, ni lo intenta. Es reflexiva, melancólica y profundamente humana. Y si...muy violenta. Pero para quienes disfrutan de historias sobre el final de una era, personajes que cargan el peso del pasado y películas que confían en el silencio tanto como en la imagen, esta es una experiencia que vale la pena.

Ya ansioso de que salga la segunda temporada!

FICHA TÉCNICA:          
PAÍS: Japón
AÑO: 2025
GÉNERO:  drama / horror / ciencia ficción / misterio
DURACIÓN: 6 x 50 minutos
GUIÓN: 9 /10  
DIRECCIÓN: 10 / 10
ACTUACIONES: 8 /10  
CGI: 10 / 10
RATED: PG-17

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STRANGER THINGS Temporada 5 Final

Hay series que se terminan, y uno termina diciendo "Era hora!". Otras, que por más que se hayan vuelto repetitivas (y que perfectamente se hubiesen podido terminar 2 o 3 temporadas antes), una vez que no están, las extrañas. En lo personal, esto me sucedió con el "Arrowverse" (todos esas series del DCEU - "Arrow", "The Flash", "Supergirl", "DC Legends of Tomorrow", y alguna más) al cual le dediqué entre 400 y 500 horas de mi vida (Si! Calculale unos 588+ episodios). 

Y... hay series que cierran una etapa de la vida: "Friends", "The Big BangTheory", "Game of Thrones", y por supuesto... "Strangers Things". Si...obvio que tal vez en tu lista estén "The Sopranos","Vikings", "Breaking Bad", "Peaky Blinders" o alguna otra, pero bueno, se entiende a lo que voy, no?

La quinta y última temporada encara su recta final con una misión clara: atar todos los hilos, dar respuestas largamente postergadas y permitir que sus personajes —y nosotros con ellos— puedan, al fin, soltar. No es una temporada pensada para impactar con giros constantes, aunque sí para dejar un impacto duradero (y también algún mensajito de agenda social perfectamente evitable, o al menos, encarable desde otro lado). Esta temporada también está pensada para concluir, para mirar hacia atrás y resignificar todo lo vivido desde aquel primer episodio en Hawkins.

Como siempre, obvio que si no viste las temporadas anteriores, por acá te dejo esas reseñas(si...ya sé...la 2 nunca fue escrita..):

Temporada 1

Temporada 3

Temporada 4

Para esta quinta entrega el mundo ya no puede fingir normalidad. Lo ocurrido anteriormente dejó marcas visibles, físicas y emocionales, y la amenaza ya no es algo que se esconde en las sombras: es una consecuencia. La temporada se apoya fuerte en la ciencia ficción, explorando ideas como la materia exótica, los agujeros de gusano y una reinterpretación clave del Upside Down, que deja en claro que nunca fue exactamente lo que los protagonistas —ni el espectador— creían.

Este enfoque le da a la temporada un tono distinto. Hay menos terror inmediato y más construcción teórica, más explicación, más épica. La sensación constante es la de estar frente a un rompecabezas que finalmente empieza a mostrar la imagen completa; una imagen que, seamos honestos, es difícil de entender. Esa elección narrativa desemboca en un cierre controversial, con un tono más “rosa” de lo esperado para una serie que supo ser oscura y opresiva en sus comienzos.

Yendo a los personajes, huelga arrancar por Eleven (Once para nosotros). Creo que en muchos momentos de esta temporada el centro se aleja de ella, con los aciertos o errores que esto pueda tener. Eleven enfrenta las consecuencias emocionales de todo lo vivido y su viaje es menos físico y más identitario. Es una conclusión coherente para un personaje que siempre cargó con el peso de ser “la solución”. Ahora, hablando del físico, los cambios físicos - y alguna cirugía de por medio - parecen haberle quitado expresividad. También su rol ha cambiado un poco, ya se pasó de un "no obliguemos a El a enfrentarse con Vecna" a "dale su recarga alimenticia y que vuelva a la lucha". Parece también que hubiese cierto retroceso en la relación entre ella y Hopper.

Mike asume un rol más maduro, lejos del chico impulsivo de las primeras temporadas. Esta vez su conflicto pasa por liderar sin controlar, por aceptar que crecer también implica dejar ir. Su desarrollo conecta directamente con el eje emocional de la temporada.

Dustin, de cierta forma, siempre fue el corazón del grupo, aquel que se mandaba las macanas, pero también el que más expresaba. El corazón del grupo sigue intacto. Su arco está atravesado por la pérdida y por la necesidad de honrar lo que ya no está, sin perder la capacidad de asombro que siempre lo caracterizó, y sin él, el grupo hubiese sido incapaz de idear un plan en casi ninguna temporada.

Probablemente uno de los personajes con mayor crecimiento silencioso es Lucas, quien enfrenta decisiones difíciles y demuestra que la valentía no siempre es frontal. Su recorrido habla de responsabilidad emocional y de hacerse cargo, incluso cuando duele. Su amor por Max es el más honesto y "jugado" de los que se ven. Carta clave para ese personaje. Sin entrar en detalles, su presencia en la temporada es fundamental desde lo simbólico. Max representa el trauma, la fragilidad y la lucha interna. Su arco no es de acción, sino de sanación.

Will vuelve a ocupar un lugar central, no desde el misterio sino desde la sensibilidad. Es el personaje que mejor encarna el fin de la infancia, la nostalgia y la dificultad de cerrar ciclos. Su desarrollo es sutil, pero profundamente emotivo. Hay una escena muy debatida - y que acompaña el episodio con peor rating de las 5 temporadas! - y es cuando Will declara su homosexualidad (algo que se venía manifestando, mínimamente, desde la tercer temporada). Y la verdad sea dicha, se podría haber encarado de mil maneras distintas, y ésta no fue la mejor. Lució más como una declaración comunitaria que como una confesión, si bien la actuación de Noah Schnapp aquí es sublime. 

En cuanto a los otros personajes, bueno, Steve deja de buscar su redención. Ya hizo las paces consigo mismo, y ahora sólo queda que las haga con Jonathan. Su arco es una despedida elegante de uno de los favoritos del público. Nancy aquí está convertida en una pequeña "Rambo", y este giro si que "puajj". Lo más interesante es una conversación "in extremis" que tiene con Jonathan y su futuro como pareja.

Con muchos minutos de pantalla - demasiados para un personaje secundario - Robin sigue encarnando la frescura y empatía, pero con mayor profundidad emocional. Va a ayudar en su camino a Will, y tendrá parte vital en un relato final (oopss...spoiler?)

Finalmente nos encontramos con los adultos: Joyce y Hopper. Sus arcos hablan de segundas oportunidades, de reconstrucción y de aprender a vivir después del trauma. 

Claro, no nos podemos quedar con esto. Hay que destacar la participación de Brett Gelman ("Metal Lords") como Murray y la de Jamie Campbell Bower ("Cazadores de Sombras") como Vecna / Henry. Lo de Linda Hamilton ("Terminator")..bueh...muy, muy debatible.

Mencionar que, obviamente, las referencias ochenteras siguen presentes, pero ya no son el motor. La música, funciona sólo de a ratos,y tiene una menor preponderancia que antes. Es 1987 viejo...tenés temazos de rock como "Living on a Prayer" de Bon Jovi, "Wild Side" de Mötley Crüe, o "Welcome to the Jungle" de los Guns...cualquiera de ellos cuajaría divinamente. No querés rock? Tenés "Bad" de Michael Jackson, "With or Without You" / "I Still Haven't Found" de U2, Whitney Houston con "I Wanna Dance with Somebody" o incluso Madonna con "Open your Heart". Pero no...nada.

Por otrolado,el trabajo del cast es sólido y comprometido, y la sensación que deja el final es inevitable: vacío. Porque "Stranger Things" no solo cuenta una historia, sino que acompañó a una generación durante años. Vimos crecer a los personajes, pero también a los actores, y eso se siente.

La temporada 5 no busca asustar como antes. Busca cerrar. Y lo hace abrazando sus temas fundamentales: el coming of age, la amistad eterna, el legado, la superación de traumas, y la resiliencia.

Todo termina. "Stranger Things" incluída. Fue un gran viaje. Y seguir adelante también es parte de la historia.

FICHA TÉCNICA:          
PAÍS: USA
AÑO: 2016 - 2025
GÉNERO:  drama / horror / ciencia ficción / misterio
DURACIÓN: desde 75 a 130 minutos dependiendo del episodio
GUIÓN: 6 /10  
DIRECCIÓN: 8 / 10
ACTUACIONES: 9 /10  
CGI: 9 / 10
RATED: PG-16

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FRANKENSTEIN

Adaptaciones del famoso personaje creado por Mary Shelley en 1818 (hace más de 200 años!) han habido cientos, literalmente. Ahora, si Benicio del Toro se anima a encararse con una "vaca sagrada" de la literatura como esta, hay que prestarle atención.  Su "Frankenstein" es una ópera gótica con aura de tristeza, una película que no busca gritar terror sino respirar desolación, como si cada plano fuera un suspiro atrapado entre montañas nevadas y laboratorios que huelen a óxido y fracaso humano.

La historia se cuenta cercana al material original de la Shelley: menos “terror hollywoodense” y más preguntas dolorosas sobre crear, abandonar y ser responsable, con una narrativa que alterna la voz del creador (Viktor Frankenstein) y la criatura —dos versiones de un mismo pecado que se persiguen como si cada uno fuera el fantasma del otro. Ese juego de espejos es, quizá, lo mejor de la película. Sin embargo, no es lo único a destacar. Las actuaciones, por ejemplo, son algo sublime.

Por un lado tenemos a Viktor Frankenstein (interpretado por un Oscar Isaac - "Ex-Machina" - al que cuesta acostumbrarse al principio, pero que luego vemos como hace el papel suyo). Un hombre que arranca como científico idealista —un romántico obsesionado con “burlar a la muerte” y darle sentido al dolor— y termina derrapando en arrogancia, culpa y repulsión. Isaac construye a Viktor con un temblor interno constante: parece estar un paso antes del derrumbe emocional, y verlo odiar lo que creó es una daga que Del Toro clava con elegancia. Eso sí, a mi gusto, la repugnancia por su propia creación llega demasiado pronto. Ahí falta un poco de desarrollo.

Por otro lado, Jacob Elordi ("Euphoria") como "la criatura". Más cerca de un ángel caído que un monstruo clásico, Elordi arrastra el cuerpo como si le pesara el mundo, con una voz que parece aprender a existir mientras habla. Su criatura no asusta; duele. Es torpe, frágil, noble cuando puede, feroz cuando lo arrinconan. En sus manos, la condena de Shelley respira de nuevo. Ambos están fantásticos, y su química —hecha de distancia, de rechazo, de necesidad— sostiene la película.

Pero las actuaciones no son lo único a destacar: el diseño, la fotografía, el maquillaje, y el vestuario se llevan también sendos aplausos. Con un cuidado artesanal por el "look" de los personajes, los vestuarios ya cuentan de por sí una historia. Acá, además el maquillaje de la propia bestia (de entre 10 y 11 horas diarias, con 42 piezas prostéticas) es digno de nominación al Oscar. Por su parte la fotografía, con las panorámicas del ártico, la fortaleza donde se "crea" al monstruo, e incluso en las calles sucias de una ciudad atestada, es una obra de arte; rojos, azules, y blancos jugando su juego.

No todo es perfecto. El CGI parece quedar en el debe por muchos momentos, pero en la sabiduría de Del Toro, éste fue muy limitado (lástima lo de los lobos), ya que prefirió hacerlo todo " a la vieja usanza", con dobles, cables, y todo eso del buen cine de antes.

Por otro lado, el personaje de Lisa (Mia Goth - "MaXXXine") parece poco desarrollado, aunque podría darnos lugar a una secuela (no, no pienso spoilearte el porqué). Mérito sí para Del Toro, quien le da más proactividad a este personaje con respecto al libro. Hablando de ello, si bien en la obra original de Shelley, el hermano de Viktor cumple una función, hay un elemento clave que los diferencia. Por otro lado, el personaje interpretado por  Christoph Waltz ("Bastardos Sin Gloria") no existe en el libro. Si bien es una adición interesante, no sé si hubiese sido tan necesario o un mero capricho del director. 

Dicho todo esto,este "Frankenstein" sí vale la pena. Ya sea seas un fanático del personaje o quieras descubrir un lado nuevo del mismo (o simplemente disfrutar de un buen drama de terror).

FICHA TÉCNICA:          
PAÍS: USA 
AÑO: 2025
GÉNERO:  drama / horror / steampunk / fantasía oscura / terror monstruoso 
DURACIÓN: 149 minutos
GUIÓN: 7 /10  
DIRECCIÓN: 9 / 10
ACTUACIONES: 9 /10

CGI: 6 / 10

PRESUPUESTO / GANANCIAS: US$ 120.000.000 / US$ 144.496

RATED: PG-16

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LAS CUATRO ESTACIONES

"Las Cuatro Estaciones" es una de esas series que tengo en borradores desde hace meses y que nunca reseñé (pero como prometí, iremos poniéndonos al día). Con un reparto genial, es una serie que a priori parece liviana, casi inofensiva, pero que avanza con una precisión emocional bastante más afilada de lo que uno podría esperar. No busca impactar ni forzar conflictos: su apuesta es observar, escuchar y dejar que el paso del tiempo haga el trabajo pesado.

Basada en la película del '81, escrita, dirigida, y actuada por Alan Alda (M.A.S.H.) - quien acá (44 años después) tiene un pequeño rol como Don, el padre de Anne - la historia nos lleva por las relaciones, la maduración, y los cambios de 3 parejas de amigos bien distintas, que se juntan todos los años para vacacionar (siempre en distintas estaciones del año - algo en lo que ahondaré luego). Estas parejas son las de Kate (Tina Fey - "Saturday Night Live") y Jack (Will Forte - "MacGruber"), la de Anne (Kerri Kenney - "Reno 911!") y Nick (Steve Carrell - "The Office"), y la de Danny (Colman Domingo - "Lincoln") y Claude (Marco Calvani - "Los Borgia"). A medida que se dan las "juntadas" los problemas van surgiendo, siendo uno de los principales detonantes cuando una de estas se separa, y uno de los amigos comienza a llevar a su pareja, una chica mucho más joven que el resto. 

Steve Carell lidera el elenco desde un lugar contenido, lejos de la comedia explosiva que lo hizo famoso. Su actuación se apoya mucho en los gestos mínimos, las dudas y las contradicciones internas. Es un personaje que no se explica todo el tiempo, y eso lo vuelve más interesante. Carell entiende perfecto cuándo retirarse un paso y dejar que la escena respire.

Tina Fey es una de las grandes fortalezas de la serie. Se mueve con naturalidad entre el humor seco y la incomodidad emocional, aportando ironía sin romper el tono realista. Su personaje tiene capas, timing y una inteligencia emocional que evita cualquier caricatura. No roba escenas: las construye.

Colman Domingo eleva cada aparición. Tiene presencia, calidez y una humanidad que le da peso a las conversaciones más simples. Su actuación transmite experiencia de vida, incluso cuando el guion no subraya nada. Es de esos actores que mejoran una escena solo con estar ahí.

Will Forte juega un rol clave desde un registro más bajo y menos excéntrico de lo habitual - si bien con un sinnúmero de TOCs llamativos -. Acá no está para la risa fácil: su trabajo es sutil, incómodo por momentos, y muy efectivo para mostrar fragilidades masculinas sin necesidad de discursos. Es una actuación que crece con el correr de los episodios.

Marco Calvani, definitivamente el menos conocido del grupo, aporta una energía distinta, más emocionalmente expuesta. Su personaje funciona como catalizador de tensiones y preguntas que la serie quiere plantear. Calvani logra que esa apertura no resulte impostada, sino genuina y necesaria, si bien su personaje puede ser de a ratos un tanto estereotipado. 

Si te acordás, antes dejé un poco "colgado" el tema del nombre. Efectivamente inspirado en la música de Vivaldi, las 4 Estaciones hace además - como la música del compositor - referencia a los cambios en la vida, las relaciones, las revelaciones, el crecimiento, y la caída. La serie en sí está dividida en 4 arcos - uno por estación - comenzando por la primavera, con lo que esta conlleva: reinicio, renovación, y nacimiento (en este caso de conflictos o revelaciones). La serie termina en el invierno, con un giro inesperado, siendo tiempo de nuevas esperanzas para la primavera que se aproxima.

En lo técnico, la serie es sobria: fotografía naturalista, música bien medida y un ritmo deliberadamente pausado. No hay urgencia narrativa porque la historia no va de eventos, sino de vínculos, rutinas y pequeñas fracturas que se acumulan con el tiempo.

"Las Cuatro Estaciones" - con una temporada a estrenar en el 2026 - resulta una serie adulta, bien actuada y sin trucos. No te apura, no te explica de más, pero si entrás en su frecuencia, te deja pensando bastante después del último episodio.

FICHA TÉCNICA:          
PAÍS: USA 
AÑO: 2025
GÉNERO:  comedia / comedia romántica / drama
DURACIÓN: 30 minutos x 8 episodios
GUIÓN: 7 /10  
DIRECCIÓN: 9 / 10
ACTUACIONES: 8 /10

RATED: PG-16

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NADIE QUIERE ESTO temporada 2

Hace unos días terminé de ver "Nobody Wants This", la serie de Netflix protagonizada por la hermosa Kristen Bell ("Veronica Mars) y Adam Brody ( "The O.C.") y, honestamente, cambia el tono con respecto a la primera, que, por si no la viste, acá te dejo la reseña sin spoilers.

Si recordás, Joanne (Bell) es una podcaster, que junto a su hermana tienen un programa bastante intimista y subido de tono. Durante una cena con amigos conoce a Noah (Brody), un rabino muy fachero - el tipo de rabino que Joanne no se imaginaba jamás -. Ambos se enamoran y deciden iniciar una relación, a pesar de las diferencias. La principal: la religión. El principal pedido que Noah le hace a Joanne es que se convierta al judaísmo. Eso, como veremos, no será tan fácil. No porque Joanne tenga otra religión, si no, principalmente por la carencia de ese tipo de creencia.

La primera temporada nos dejó con esa sensación de enamoramiento fresco: Noah y Joanne intentando encajar en la vida del otro, con sus diferencias culturales y religiosas como el condimento perfecto. Era divertida, ligera, con química que hacía sonreír y momentos tiernos que te robaban el corazón. También estaban los actores "satélite", que en términos generales, sumaban una cuota de humor, pero estaban allí para acompañar a nuestros 2 protagonistas. Tanto Justine Lupe ("Succession") como la hermana alocada de Bell, como Timothy Simons ("Veep") en el papel del despreocupado hermano de Noah, Jackie Tohn ("The Good Place") como la esposa del hermano, o Tovah Feldshuh ("La Joven del Agua")como la tradicional madre protectora judía, son personajes que realmente caben destacar, y suman a la entrega inicial.

La segunda temporada, en cambio, ya no es solo sobre si pueden estar juntos. Es sobre cómo hacer que funcione. Noah y Joanne ya no solo se descubren; se enfrentan a las consecuencias de sus elecciones. Su amor choca con la realidad: las expectativas de la familia de Noah, las tradiciones, las decisiones sobre fe y la vida en común. El drama se siente más real, más profundo. Hay risas todavía, pero los momentos emocionales priman.

Los personajes secundarios también se complican: Morgan (Lupe), Esther (Tohn) y otros ya no están solo para dar apoyo cómico; cada uno tiene su propio conflicto, lo que enriquece la trama. Y la familia de Noah, especialmente su madre, con mucho menos tiempo de pantalla (una gran pérdida en la serie), tiene un gran peso en lo que sucede.

Si la primera temporada era la frescura de la llegada de un amor que se antojaba nunca iba a llegar, la segunda es un recordatorio de que el amor verdadero no es solo magia, es elección diaria, compromiso y, sobre todo, crecer juntos.

Mi recomendación: véanla, pero prepárense para sentir un poco más, reír un poco menos y emocionarse un montón. Eso sí... el personaje de Bell se vuelve un poco (bastante) fastidioso. Estate preparad@.

FICHA TÉCNICA:          

PAÍS: USA
AÑO: 2024 - 2025
GÉNERO:  comedia / romance
DURACIÓN: 30 minutos aprox x 10 episodios
GUIÓN: 7/10  
DIRECCIÓN: 6 / 10
ACTUACIONES: 8 /10  

RATED: PG-13

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EL FRENTE COSTERO

No te voy a mentir, la empecé a ver por Melissa Benoist ("Supergirl"). Luego descubrí que también actuaba Holt McCallany ("Mindhunter"), y ahí el tema se puso interesante desde lo actoral. 

La familia Buckley es prácticamente dueña de un pueblo costero en Carolina del Norte, donde posee barcos, el negocio pesquero, un restaurante, y le da trabajo a un montón de gente. Ante los problemas de salud del "patriarca" (McCallany), su esposa (Maria Bello - "Coyote Ugly") y su hijo (Jake Weary - "It: Chapter II") deben de tomar decisiones extremas para mantener el negocio familiar a flote, una de ellas es el tráfico de drogas utilizando sus propios barcos. Por su parte, Bree, la hija, intenta rehacer su vida y restablecer un vínculo con su hijo, luego de haber estado internado por problemas con el alcohol y las drogas. 

Desafortunadamente para los intereses de los Buckley, el negocio, que paulatinamente empezaba a levantar, se ve amenazado por la llegada de un nuevo "jugador": Grady (Topher Grace - "That 70s Show"). Grady quiere que Harlan y Cane (padre e hijo) trabajen para él, y no va a dudar en emplear ningún método para que esto ocurra.

Si bien la historia de la familia rica que está en crisis de perderlo todo no es nueva, si lo es el contexto pesquero y los dramas familiares al estilo "Dallas" o "Yellowstone" que ocurren en la interna. La complejidad de los personajes también ayuda, ya que hay varios de ellos que buscan una especie de redención. 

Que esté inspirada en la vida del creador, Kevin Williamson, también ayuda a darle profundidad y credibilidad a la historia. Las actuaciones, al menos de los personajes principales, son sólidas, así como el escenario. La serie va in crescendo lo cual es siempre positivo.

Por otro lado, es verdad que la temática no es nueva y puede palidecer al lado de series como "Ozark". El ritmo también puede ser un tema, ya que no es parejo, y en especial los primeros episodios son un tanto lentos. 

Es una buena recomendación si te atraen los dramas familiares intensos, de negocios turbios, con personajes con moral compleja y escenarios que no son glamorosos.

Si querés algo ligero, cómico, sin tanto peso emocional o sin decisiones morales profundas, capaz que esta serie no sea la ideal. Si preferís finales cerrados seguros, también puede que te quedes con ganas de más.

FICHA TÉCNICA:          
PAÍS: USA
AÑO: 2025
GÉNERO:  crimen / drama
DURACIÓN: 8 x 45 mins aprox
GUIÓN: 6 /10  
DIRECCIÓN: 5 / 10
ACTUACIONES: 7 /10

CGI: 6 / 10

RATED: PG-16

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EL MURO NEGRO

Originalmente llamada "Brick", "El Muro Negro" es un thriller de ciencia ficción que perfectamente podría haber sido otro de los episodios de "Black Mirror".

Tim (Matthias Schweighhöfer - a quien conociéramos en "El Barón Rojo" y luego viéramos en films como "Las Nadadoras", "Ejército de Ladrones", "Oppenheimer" y en "Agente Stone") y Olivia (Ruby O. Fee - "Polar") son una pareja al borde de la separación: él sumergido en su trabajo y bloqueando el recuerdo de un bebé perdido, y ella con el único deseo de huir de la ciudad. Olivia quiere irse, romper la rutina, dejar atrás los recuerdos. Pero justo cuando todo parece llevarlos al límite de su relación… aparece el muro. No uno metafórico: uno físico, negro, impenetrable, aparece de la nada rodeando su edificio. Puertas, ventanas, toda bloqueado. Contacto con el exterior: nada. Internet: nada. Ni siquiera el suministro de agua funciona.

No son los únicos; sus vecinos se suman a la paranoia. Qué es esto? Un castigo? Un experimento? Un fenómeno sobrenatural? Lo importante ya no es sólo salir, es conservar la cordura mientras la claustrofobia te come y los miedos personales afloran. Es trabajar junto a tus vecinos, confiando en ellos, o entre ellos matarse por lo que puedan encontrar, mientras intentan atravesar este muro que parece tener vida propia.

La atmósfera es efectiva. El misterio también. Los silencios y los ruidos funcionan acorde a lo esperado. Y la desesperación es palpable. Uno empieza a pensar qué haría si estuviera en la piel de los protagonistas, y allí el film también rinde. Casi siempre lo inexplicable es un buen gancho. El final, puede fallar, pero el viaje ya está concretado. A mí el final me funcionó.

Los personajes principales son creíbles. Y eso también es un punto extra. No es que Tim y Olivia sean la pareja ideal. Tienen problemas como vos y yo, y un bagaje emocional que pesa mucho. Los secundarios? Bueno, ese ya es otro tema. Salvo un par de ellos, el resto es bastante meh...y random. La amalgama de personalidades no me cierra mucho, y allí sí la película podría haber rendido más, ya sea con el cambio de alguno de estos, o con el desarrollo de los que parecían medianamente interesantes.

Quizás el ritmo es otro aspecto en que el film afloja por momentos. De forma necesaria? Eso es discutible. Del cuándo, del cómo, del dónde, del porqué. 

El final es predecible? Ni sí ni no. Mismo en el film se manejan hipótesis, y el desenlace no está lejos de alguna de ellas.

Como decía antes. A mí me funcionó. Te mantiene expectante, no es larga, y para ser una película de presupuesto acotado, cumple bien. Pero...insisto...bien podría haber sido un episodio de "Black Mirror". 

FICHA TÉCNICA:          
PAÍS: Alemania
AÑO: 2025
GÉNERO:  thriller / ciencia ficción / drama
DURACIÓN: 99 minutos
GUIÓN: 7 /10  
DIRECCIÓN: 5 / 10
ACTUACIONES: 6 /10

CGI: 6 / 10

RATED: PG-17

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RESCATE SUICIDA

"The Thicket" (conocida por estos lares como "Rescate Suicida", un nombre que vende mucho más que dejarlo como su original o traducirlo por lo que verdaderamente es: El Matorral) fue una larga pasión de Peter Dinklage (Tyrion Lannister en "Juego de Tronos"), y que se suponía iba a empezar a filmarse en el 2014, pero que finalmente comenzó rodaje en el 2023.  

Lleno de parias, en la nieve, y hasta con una moto. "The Thicket" es ese viaje que buscás cuando querés un western crudo, que respire realidad helada más que épica glorificada. Peter Dinklage, soberbio como siempre, y con un personaje que le calza a la perfección, es brillantemente secundado por Juliette Lewis ("Cabo de Miedo" / "Asesinos por Naturaleza"), quien aporta caos y cuerda floja moral en un personaje que no olvidás fácilmente.

El cazarrecompensas Reginald Jones (Dinklage) y su compañero Eustace, un ex-esclavo, son contratados por Jack Parker (Levon Hawke, hijo de Ethan y Uma Thurman) para rescatar a su hermana, Lula (Esme Creed-Miles) secuestrada por Cut Throat Bill (Lewis), quien la ve como su nueva "chica-fetiche". Jones acepta...y no por la paga. Acá hay una historia de redención, que no nos queda muy claro cuál es. El personaje de Dinklage es un tipo curtido, escéptico, pero de buen corazón. Por el contrario, Bill es un villano brutal e interesante, ya que plantea una dualidad de género sin ser demasiado discursiva al respecto. La fotografía hace lo suyo, ilustrando lo vasto, lo yermo, lo crudo de lo que parece ser Dakota del Sur, y eso es lo que en gran parte le da el tono al film. 

Por otro lado, adolece de profundidad en algunos de los personajes secundarios, y las motivaciones muchas veces no están claras, ni siquiera en los principales, salvo quizás en el de Hawke, que es claro quiere rescatar a su hermana, y ésta escapar. Un par de actuaciones que no contribuyen mucho, pero en líneas generales el cast cumple. 

Dudo que este film se convierta en el favorito de alguien, más allá de que peca de lento por varios pasajes. Es raro...y esa sería una buena definición; aunque no necesariamente raro mal. 

Si buscás violencia lejos de lo standard, un paisaje hostil y poético, y una narrativa simple, áspera, y con cierta incertidumbre, puede llegar a gustarte. Si buscás el western clásico, por acá no es. 

Como nota de color, James Hetfield (vocalista de Metallica) se saca un poco las ganas de actuar, más allá de que no sea su primera película. 

FICHA TÉCNICA:          
PAÍS: U.S.A.
AÑO: 2024
GÉNERO:  drama / western
DURACIÓN: 108 minutos
GUIÓN: 4 /10  
DIRECCIÓN: 6 / 10
ACTUACIONES: 6 /10  
CGI: 6 / 10

RATED: R

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EL JUEGO DEL CALAMAR Temporada 3 (temporada final)

Si algo nos enseñó la primera temporada de "El Juego del Calamar" fue que la desesperación convierte a la gente común en peones de un espectáculo sádico; que la necesidad extrema de dinero puede llegar a ejercer una influencia tal en las decisiones humanas, que uno pierde la propia humanidad, empatía, y deja los valores de lado, pues, después de todo, es la supervivencia del más apto. La segunda lo llevó un paso más allá, con el protagonista convertido en una figura más ambigua, buscando justicia en un sistema injusto. La tercera entrega se mete de lleno en terreno pantanoso: el show es más grande, más perverso y más autoconsciente… pero ¿sigue siendo El juego del calamar?

La respuesta es un sí.

Obviamente, si no viste las temporadas anteriores, clickeá acá y acá por las otras dos reseñas.

De hecho, la temporada 3 no es tanto una nueva temporada sino la continuación de la segunda, y como tal comienza en el medio de algo: de una revuelta que se intentara al final de la predecesora. Pero, dicha revuelta armada que Gi-Hun planeó no salió como esperaba, ya que uno de sus supuestos aliados - Hwang In-ho, era en realidad "El Líder" del juego. Desmoralizado y abatido por el nefasto resultado de su intento de liberación, Gi-Hun se deja estar y ya no ve motivo para salir del juego. Esto llevará la acción y el centro de atención a otros jugadores y sus respectivas historias: Lee Myung-gi (333), el ex-influencer de criptomonédas que arruina económicamente a muchos; Kang No-eul, la desertora norcoreana ex-soldado (que trabaja como guardia), que tendrá una misión suicida al intentar detener la venta de órganos que se produce en la serie; Park Gyeong-seok, el padre que lo da todo por proteger a su hija; Kang Sae-byeok (067), otra desertora norcoreana que participa del juego para poder sacar a su familia de Corea del Norte; Im Jeong-dae, el veterano empresario que sigue obligando a los participantes a seguir concursando, caracterizado por su avaricia y su falta de códigos; Geum-ja y Yong-sik, madre e hijo que participan del juego sin saber que el otro estaba anotado; Cho Hyun-ju, la mujer trans, ex-soldado surcoreana, que termina siendo un eje para la supervivencia de varios; y por supuesto, Hwan Jung-ho, hermano del líder, y quien sigue en búsqueda de la isla. 

Los nuevos juegos son tan creativos como perturbadores. Hay uno que mezcla la lógica de los concursos infantiles con pruebas de resistencia física y emocional que dejarían perplejo a cualquier diseñador de escape rooms con problemas de empatía. La producción va al mango: cámaras lentas, sangre estilizada, y una música cada vez más irónica en su uso. Todo se siente más artificial, y quizás ahí está la gracia: es una crítica al espectáculo del dolor, pero al mismo tiempo, sigue siendo parte de él. Hay contradicción, y la serie no deja de sorprender. Los juegos siguen siendo el centro, y están magníficamente logrados; la única pena es que muchos personajes - de los carismáticos y de los otros - no llegarán muy lejos. 

Y sí, vuelven los VIPs. Y no, no mejoraron nada. Los actores siguen siendo una mezcla de cliché mal dirigido y diálogo de videojuego mal traducido. Si la idea era que fueran caricaturas grotescas del poder occidental, lo logran... pero por accidente. Rompen el tono cada vez que aparecen. Son el costado más flojo de una serie que se esfuerza en tensar el drama al máximo y que, cada tanto, se lo arruina con estos muñecos de cartón con voz de doblaje barato.

Vale la pena verla? Sí, si uno acepta que el juego ya no es sólo una alegoría social: es también un producto consciente de su éxito, que se mira al espejo con culpa pero también con vanidad. Hay crítica, hay humanidad, y hay espectáculo. No todo lo que intenta sale bien, pero lo que sale bien, pega fuerte. Y el final? Creo que el que tiene que tener. "El Juego del Calamar" es de esas pocas series que mantiene el nivel y supo cuándo darse un punto final. Y además, invita a la reflexión en un sinnúmero de ocasiones. En su conjunto, creo que no se puede pedir más.

 

FICHA TÉCNICA:          
PAÍS: Corea del Sur
AÑO: 2021-2025
GÉNERO:  drama / thriller
DURACIÓN: 6 x 60 minutos aprox
GUIÓN: 9 /10  
DIRECCIÓN: 8 / 10
ACTUACIONES: 9 /10  
CGI: 7 / 10

RATED: PG-16

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DIVISIÓN PALERMO Temporada 2

Después del fenómeno inesperado que fue la primera temporada (reseñada acá, por si no la viste) Santiago Korovsky tenía dos opciones: repetir la fórmula o romperla. La buena noticia es que eligió un poco de ambas. La segunda temporada de División Palermo no es solo una secuela: es una expansión. Del universo, del delirio y de la incomodidad.

La premisa inicial —una fuerza de seguridad inclusiva creada por conveniencia política— ya quedó atrás. Ahora la “división” es una especie de apéndice disfuncional del Estado, atrapada entre su propia inoperancia, un pasado que vuelve y una seguidilla de hechos policiales que nadie parece saber (o querer) resolver.

Korovsky sigue al frente como Felipe, el antihéroe cobarde, sensible y cada vez más desencajado. Su crecimiento personal es mínimo —gracias a Dios— y la serie lo sabe. Pero el verdadero acierto está en el resto del elenco, que esta vez pisa más fuerte y se permite brillar con autonomía.

La serie profundiza en algunos personajes secundarios, que ahora tienen motivaciones, contradicciones y conflictos propios. Hay más foco en los vínculos, en los códigos de barrio, en la violencia estructural, y también en el vacío existencial de vivir en un país donde nada funciona pero todo sigue.

El humor sigue siendo negro, pero ya no busca el golpe de efecto inmediato. Ahora la incomodidad viene por acumulación. Te reís, pero después te preguntás si deberías (bueno, sí, de acuerdo en que eso ya pasaba en la predecesora). 

"División Palermo" no intenta parecerse a nada más, aunque termina siendo un híbrido entre "The Office", "Brooklyn 99", "La Pistola Desnuda", y "Locademia de Policías". Es un producto raro, con ritmo propio, y equilibrio entre sátira política, humor absurdo y crítica social.

La segunda temporada tiene mejor ritmo, más locaciones y una narrativa más ambiciosa. Pero sigue teniendo alma de serie chica: los planos incómodos, los personajes al borde del ridículo y las escenas que se sienten improvisadas pero tienen una precisión quirúrgica.

Korovsky lo hizo de nuevo. Y esta vez, se animó a ir más lejos. Acertó en darle más cabida a otros colectivos, y se lo jugó a meterse en política desde otro ángulo. Acertó con la inclusión de algún actor de renombre (como Juan Minujín - "El Marginal") sin que esto le jugara en contra; sin que esta figura se robara la pantalla. Acertó en que la serie ni siquiera gire completamente en torno a él mismo, y acertó en darse menos tiempo de pantalla. Pierde sorpresa? Si...casi toda serie en su segunda temporada lo hace. Y sin embargo, resulta casi tan efectiva como la primera.

FICHA TÉCNICA:          

PAÍS: Argentina
AÑO: 2022 - 2025
GÉNERO:  comedia / crimen
DURACIÓN: 6 x 30 minutos
GUIÓN: 8 /10  
DIRECCIÓN: 8 / 10
ACTUACIONES: 6 /10

RATED: PG-12

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BLACK MIRROR Temporada 7

Cuando en el 2011 salió "Black Mirror" a muchos nos voló la cabeza; el lado oscuro de la tecnología (o de quienes la usan) era, verdaderamente, aterrador. Años después, y cuando uno piensa que ya es material de otra época, que ya no habrían sorpresas, es una serie que sigue brindando episodios brillantes...y escalofriantes. Acá va un resumen, sucinto, de cada uno de estas "mini películas". Cada una podrá gustarte más o menos, pero seguro que habrá alguna que te deje no sólo reflexionando, sino también severamente afectado. 

COMMON PEOPLE

Amanda, una maestra de primaria, se encuentra peleando por su vida. Mike, su marido, un tipo trabajador con escasos recursos económicos, recurre a Rivermind, una empresa que clona la conciencia de Amanda en la nube por una suscripción mensual, la única forma de mantenerla con vida. A primera vista parece un milagro; en la práctica se vuelve una pesadilla capitalista. Es una sátira / dramatización terrible de la monetización de la salud. Algo demasiado cercano, y no tan "ciencia ficción", lamentablemente. Final anticipable, pero desarrollo sencillamente genial. Quizás el mejor de la temporada, pero tal vez no el que más te guste.

BETE NOIRE

María trabaja para una empresa alimenticia, siendo referente en la creación de nuevos alimentos. Sin embargo, lo que parece ser una extraña coincidencia al encontrarse con una ex-compañera de secundaria, no lo es tal. La vida de María dará un giro inesperado, y todo lo que dice y hace, parece no ser tal. Es su mente la que le está jugando una mala pasada? Tendrá algo que ver la llegada de Verity, su antigua compañera de clase? Realidad virtual, mezclada con universos paralelos, hacen de este episodio uno de los más "viajados".

HOTEL REVERIE

Brandy Friday ha logrado todo como actriz, pero ahora la vida le presenta pocos desafíos significativos. Un buen día le llega la oferta de protagonizar una remake de "Hotel Reverie", un clásico de los '40. Lo que Brandy no sabe es que para ello se utilizará una AI totalmente inmersiva, que la hará interactuar con los personajes reales de la película original. Visualmente, es de lo mejor que "Black Mirror" puede ofrecer, y el desarrollo te mantendrá atrapado sin dudas. Tal vez no el mejor episodio de esta temporada, pero el que más me gustó.

PLAYTHING

Un juego de los '80 que parece cobrar vida, y un reseñador de video juegos obsesionado con el mismo y el uso de opioides. Al día de hoy, este hombre está acusado de un asesinato ocurrido hace 40 años. Cuál es la relación, y qué sucede si él mismo no niega haberlo asesinado? Digno episodio de esta serie, y una reflexión al peligro que puede derivar del consumo de video juegos. Sobre todo, si los personajes dentro "te hablan".

EULOGY

Destinado a ser un gran episodio desde el momento en que Paul Giamatti ("Los que se Quedan", "Entre Copas", "Billions") es el actor principal. Phillip (Giamatti) ayuda a elaborar un memorial virtual de su ex, usando tecnología para revivir memorias y descubrir secretos de aquel amor. Estos secretos harán que el propio Phillip descubra un pasado que creía desconocer. Simplemente brillante. Viaje emotivo de esos que perfectamente podrían haber sido una obra de teatro. Giamatti la "clava al ángulo", sin ningún tipo de dudas.

USS CALLISTER: INTO INFINITY

Secuela directa del exitoso episodio de la temporada 4, con nuevos dilemas dentro del universo digital de la tripulación de USS Callister. Humorística y dramática, es una buena segunda parte, y con algún elemento sorpresivo, y un final genial.

Temporada vibrante: algunas joyas emocionales (Reverie, Eulogy), un buen arranque adulto (Common People), un homenaje nostálgico (USS Callister) y episodios con tecnología potente pero desarrollo irregular (Bête Noire y Plaything). En definitiva, para todos los gustos.

FICHA TÉCNICA:          
PAÍS: Reino Unido
AÑO: 2011 - 2025
GÉNERO:  drama / ciencia ficción / thriller / horror
DURACIÓN: 60 minutos x 6 episodios (aprox)
GUIÓN: 8 /10  
DIRECCIÓN: 8 /10
ACTUACIONES: 8 / 10
C.G.I.: 7 / 10
RATED: PG - 16

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