GRACIAS EQUIPO!

Hay pocas cosas más aterradoras que una reunión de trabajo que empieza con la frase: “Somos un equipo” / "En esta empresa sos parte de una familia". Bueno, sí: que después de decir eso te lleven al medio del campo para hacer actividades de integración mientras la empresa decide quién conserva su puesto.

Ese es, justamente, el punto de partida de “Gracias, equipo”, la nueva comedia negra española de Netflix dirigida por Diego Núñez Irigoyen y protagonizada por Alexandra Jiménez ("100 metros"), Maribel Verdú ("El Laberinto del Fauno"), Pedro Casablanc ("B - La Película") y Raúl Tejón ("Machos Alfa"). La película, de apenas 90 minutos, convierte un retiro corporativo en una pequeña guerra de supervivencia laboral.

Tío Mochales fue alguna vez una empresa quesera de referencia. Ahora está bastante más cerca de ser una compañía en decadencia que intenta mantener las apariencias. Para solucionar la situación, sus empleados son enviados a un retiro rural destinado a fortalecer los vínculos del grupo y recuperar los supuestos valores tradicionales de la empresa. El pequeño detalle es que pronto descubren que se vienen despidos. Y muchos.

De repente, aquello que parecía una inocente jornada de team building se transforma en una competencia donde cada empleado empieza a calcular qué debe hacer para sobrevivir. Y ahí aparece lo mejor de la película. Porque todos conocemos ese mundo. Las reuniones donde nadie dice realmente lo que piensa. Los compañeros que sonríen mientras intentan quedarse con tu puesto. El jefe que habla de “compromiso” mientras reduce personal. El discurso de que “aquí somos una familia”. Y todos sabemos que cuando una empresa dice demasiado seguido que son una familia… probablemente convenga empezar a mirar dónde está la salida de emergencia.

“Gracias, equipo” funciona especialmente bien cuando deja de intentar ser simpática. La película entiende que el verdadero potencial cómico está en observar cómo personas aparentemente normales empiezan a comportarse de manera cada vez más absurda cuando sienten que pueden perder el trabajo.

Alexandra Jiménez está muy bien como Olga, una empleada que vuelve a la empresa después de una baja por maternidad y se encuentra con un panorama bastante menos amigable del que esperaba. Maribel Verdú, por su parte, disfruta muchísimo de un personaje que representa esa mezcla de autoridad, cinismo y discurso corporativo que resulta tan reconocible. Y el reparto funciona como conjunto. Pedro Casablanc y Raúl Tejón aportan también lo suyo a esta especie de “Los juegos del hambre, versión oficina de recursos humanos”. 

La idea de Critóbal Garrido y Adolfo Valor, quienes ya guionaran juntos "La Vida breve" y "Reyes de la Noche" funciona muy bien, porque no se limita a burlarse de las actividades ridículas de las empresas. La película apunta un poco más alto: a la precariedad, la competencia entre compañeros y esa absurda obligación de demostrar constantemente que uno está comprometido con su trabajo.

Y hay algo especialmente divertido en ver cómo las palabras típicas del mundo empresarial van perdiendo todo su significado: equipo, valores, familia, confianza, equipo. 

Qué es lo que no termina de funcionar? No todos los gags tienen la misma fuerza. Hay situaciones realmente divertidas y otras que parecen prolongarse un poco más de lo necesario. La película es más efectiva cuando se entrega completamente a la sátira y cuando lleva las situaciones laborales hasta el absurdo. Cuando intenta ser un poco más convencional, pierde parte de esa mala leche que constituye precisamente su principal atractivo. Algo que también han señalado algunas críticas: el reparto mantiene siempre el nivel, pero el guion alterna momentos muy afilados con otros bastante más previsibles.

Aun así, su duración ayuda muchísimo: 90 minutos. La película sabe que no necesita convertir una buena idea en una experiencia de tres horas. Podía haber sido mejor? Si. Lo mejor es que si has tenido experiencia laboral, muchas situaciones te parecerán no tan absurdas.

FICHA TÉCNICA:          
PAÍS: España
AÑO: 2026
GÉNERO: drama / fantasía
DURACIÓN: 8 x 55 mins aprox
GUIÓN: 6 /10  
DIRECCIÓN: 7 /10
ACTUACIONES: 6 /10  

RATED: PG-17

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MUERTOS S.L.

Última temporada de una de las mejores series que ha dado la TV española en los últimos años. Una serie que, temporada tras temporada, supo ir en alza, aunque, esta cuarta se antoja apurada y no tan bien lograda. Detallo un poco las cuatro, y pará donde te hayas quedado, así no te auto-spoileas.

Hay algo bastante difícil de conseguir en una comedia: encontrar un grupo de personajes que, sin ser necesariamente simpáticos, resulten interesantes y divertidos. Y "Muertos S.L." lo consigue bastante rápido.

La serie nos mete en una funeraria familiar donde, obviamente, la muerte no es precisamente el problema principal. El verdadero conflicto está entre los empleados, la familia, las ambiciones personales y, especialmente, Dámaso, interpretado por Carlos Areces, que rápidamente se convierte en el alma de la serie.

El humor es bastante negro, pero nunca necesita recurrir exclusivamente al chiste fácil. Muchas veces la gracia está simplemente en ver cómo estos personajes toman decisiones completamente absurdas mientras intentan mantener funcionando un negocio dedicado, paradójicamente, a la muerte.

No todos los personajes funcionan igual de bien y algunos parecen estar todavía buscando su lugar, pero el conjunto resulta sorprendentemente fresco.

No es "The Office" en una funeraria, aunque tiene bastante de esa dinámica de oficina donde uno empieza a preguntarse cómo es posible que esta gente siga trabajando junta.

La segunda temporada mantiene prácticamente intacto el espíritu de la primera, pero consigue aprovechar mejor a sus personajes. Dámaso, Chemi, Nieves y compañía ya no necesitan presentación y eso permite que las situaciones sean más disparatadas sin tener que perder tiempo explicándonos quién es quién. Y ahí está probablemente la principal virtud de esta temporada: los personajes empiezan a ser más importantes que la propia historia. Una segunda temporada donde 6 episodios se antojan pocos.

Llegados a la tercera temporada, "Muertos S.L." ya no tiene que demostrar demasiado

Lo mejor es que la serie sigue teniendo esa sensación de comedia coral. Algunos personajes funcionan mejor que otros, obviamente, pero cada uno tiene su propia personalidad y eso evita que todo dependa exclusivamente de Dámaso. También se nota que los guionistas ya conocen perfectamente a sus personajes y saben hasta dónde pueden llevarlos. Hay situaciones bastante surrealistas, pero dentro de la lógica interna de la serie funcionan.

Para mi, junto a la segunda, las dos mejores temporadas, y otra vez, por desgracia, con sólo 6 episodios.

Y bueno... llegamos a la última temporada.

Y acá tengo que reconocer que tenía cierta curiosidad. "Muertos S.L." nunca fue una serie que necesitara grandes cambios para funcionar. Su gracia estaba justamente en esa pequeña funeraria, en sus empleados y en los problemas cotidianos llevados al extremo. El desafío era entonces bastante evidente: ¿cómo cerrar una serie sin convertirla en algo completamente diferente?

La respuesta de los Caballero es bastante coherente con lo que vimos anteriormente: no reinventar la serie, sino llevar un poco más lejos aquello que ya funcionaba.

La temporada vuelve a colocar en el centro la lucha por el control de la funeraria, y eso permite recuperar una de las mejores dinámicas de la serie: Dámaso intentando conseguir aquello que considera que merece, mientras alrededor suyo todo parece conspirar para que las cosas nunca salgan como él quiere.

Si hay algo que me gustó especialmente de esta temporada es que la serie sigue entendiendo que sus personajes son más importantes que la trama. "Muertos S.L." nunca necesitó una gran historia épica. Necesitó personajes que chocaran entre sí. Y cuando eso ocurre, la serie funciona. Chemi sigue siendo Chemi. Nieves sigue siendo Nieves. Nino sigue siendo Nino. Y el resto del equipo continúa aportando esas pequeñas historias paralelas que terminan construyendo el verdadero encanto de la serie.

Y por tercera vez, la temporada se hace muy corta. Dedicada a la memoria de Ascen López (Nieves), quien falleciera el 13 de Julio de este año, esta cuarta temporada puede contar con un final que puede ser impactante, pero que con la ironía que presenta, se me antoja el final perfecto.

FICHA TÉCNICA:          
PAÍS: España
AÑO: 2024 - 2026
GÉNERO:  comedia negra
DURACIÓN: 6 x 30 minutos
GUIÓN: 8 /10  
DIRECCIÓN: 9 / 10
ACTUACIONES: 7 /10  
RATED: PG-16

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THE BOROUGHS

¿Te gustó "Stranger Things"? ¿Te va Stephen King? Entonces esta serie es para vos. 

La premisa es brillante. Sam Cooper (Alfred Molina - "Spider-man 2" / "Frida") es un veterano que es obligado por Claire, su hija (Jena Malone - "Los Juegos del Hambre") a mudarse a un pueblo especialmente diseñado para gente de la tercera edad. Ella espera que su padre pueda encontrar un lugar en paz, con rutinas propias, que se haga de buenos amigos, y pueda dejar de lado lo que significó el trauma de la pérdida de su esposa. De pique a Sam le cuesta adaptarse. No quiere estar allí. Sin embargo, su vecino, Jack (Bill Pullman - "The Sinner"), lo "empuja" a juntarse con su propio grupo de amigos para que Sam al fin pueda integrarse. Reticente, Sam acepta, y termina pasándosela bastante bien. Sin embargo, empiezan a ocurrir sucesos imposibles de explicar. Lo que parece un simple misterio termina mezclando ciencia ficción, drama y un toque de terror, recordándonos que el heroísmo no tiene fecha de vencimiento.

Uno de los grandes aciertos es que nunca trata a sus protagonistas como personajes secundarios de la vida. Sus años, sus pérdidas y sus arrepentimientos son precisamente lo que los convierte en personas interesantes. Cada decisión tiene peso porque entendés todo lo que cargan sobre los hombros.

Visualmente, la serie apuesta por una atmósfera inquietante antes que por el espectáculo. No necesita abusar de efectos especiales para mantener la tensión. Prefiere construir un misterio que se cocina a fuego lento, dejando pequeñas pistas que invitan a seguir viendo "un capítulo más".

No todo es perfecto. En algunos momentos el ritmo puede sentirse pausado para quienes esperan acción constante, y hay episodios que priorizan el desarrollo de personajes sobre el avance de la trama. Sin embargo, esa paciencia suele verse recompensada.

"The Boroughs" demuestra que las mejores historias de ciencia ficción no hablan del futuro, sino de las personas. Una serie inteligente, emotiva y con personalidad propia, que encuentra originalidad donde pocos se animan a buscarla. Y sí...tiene mucho de "Strangers Things"...no en vano los Duffer Brothers son sus productores ejecutivos.

FICHA TÉCNICA:          
PAÍS: U.S.A. 
AÑO: 2026
GÉNERO:  thriller / ciencia ficción / terror
DURACIÓN: 45 minutos x 8 episodios
GUIÓN: 6 /10  
DIRECCIÓN: 7 / 10
ACTUACIONES: 8 /10  
CGI: 9 / 10
RATED: PG-12

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EL BOTÍN

¿Qué pasa cuando encontrás 20 millones de dólares que pertenecen a gente muy peligrosa?

Esa es la premisa de "The Rip" (conocida por estos lares como "El Botín"), un thriller policial de Netflix que reúne nuevamente a Matt Damon y Ben Affleck, esta vez bajo la dirección de Joe Carnahan ("Infierno Blanco", con Liam Neeson, o la remake de "Brigada A" entre otras). La película sigue a un grupo de policías antinarcóticos de Miami que descubre una fortuna escondida durante un operativo. Lo que debería ser un gran golpe contra el crimen rápidamente se transforma en una pesadilla de sospechas, traiciones y paranoia.

Lo primero que funciona es la química entre Damon y Affleck. ¿Cuántas pelis van con estos dos trabajando juntos? Yo recuerdo haberlos visto a ambos, sin mucho tiempo en pantalla juntos, a aquel film de culto, super recomendado, de Kevin Smith, "Chasing Amy". De ahí para acá, un sinfín: "Good Will Hunting", "El Último Duelo", "Dogma", "Field of Dreams", "Código de Honor", en fin.. Después de décadas trabajando juntos (entre ellos y en la peli), transmiten una amistad creíble y una tensión que va creciendo a medida que la situación se complica. No hace falta que el guion explique demasiado: cuando empiezan a desconfiar el uno del otro, el espectador lo siente.

La película recuerda por momentos a "Heat" o a "Día de Entrenamiento", aunque sin alcanzar el nivel de ninguna de ellas. Su punto fuerte no es la acción sino la desconfianza constante. Cada personaje parece ocultar algo, y la pregunta deja de ser quién se quedará con el dinero para convertirse en quién va a traicionar primero.

Joe Carnahan maneja bien el ritmo durante buena parte del metraje. Miami luce sucia, peligrosa y sofocante, lejos de la postal turística habitual. Steven Yeun ("The Walking Dead") , Kyle Chandler ("Godzilla", "Bloodline") y Teyana Taylor ("Una Batalla tras Otra") aportan solidez al elenco secundario, aunque algunos personajes merecían más desarrollo.

¿Los problemas? El guion cae en varios clichés del género policial. Algunas revelaciones son previsibles y ciertos giros funcionan más por conveniencia narrativa que por construcción dramática. Incluso entre los críticos y el público las opiniones han estado bastante divididas: algunos la consideran un thriller muy entretenido, mientras que otros creen que desaprovecha una premisa excelente.

Sin embargo, "El Botín" sabe exactamente qué quiere ser: una película de policías, corrupción, lealtades rotas y tipos comunes enfrentados a una tentación imposible de ignorar. No reinventa el género, pero tampoco pretende hacerlo.

Una película ideal para una noche de viernes. Tiene tensión, buenos actores, un puñado de escenas intensas y suficiente misterio para mantenerte enganchado hasta el final. Quizás no termine entre las mejores películas del año, pero sí entre las más entretenidas para quienes disfrutan de los thrillers policiales clásicos.

FICHA TÉCNICA:          
PAÍS: U.S.A. 
AÑO: 2026
GÉNERO:  thriller / drama / policial 
DURACIÓN: 113 minutos
GUIÓN: 7 /10  
DIRECCIÓN: 6 / 10
ACTUACIONES: 8 /10  
CGI: 6 / 10
RATED: PG-16

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THE ABANDONS

Me la mencionó un amigo alemán y decidí darle una chance. Además, las presencias de Gillian Anderson ("X Files") y Lena Headey ("Game of Thrones") prometía bastante.

La historia nos lleva a Washington en 1850, un territorio fronterizo donde un grupo de personas marginadas —los “abandonados”— intenta construir algo parecido a una comunidad. La líder de este grupo es Fiona (Headey), una matriarca con mano de hierro, cuya devoción a su "familia" queda patente desde el minuto uno. Fiona es de esas mujeres forjadas en el Oeste, de voluntad inquebrantable, y capaz de tomar la justicia en mano propia. El grupo que lidera está lejos de ser el reflejo del pionero ideal: son sobrevivientes. Gente que fue expulsada, traicionada o simplemente olvidada, y que ahora tiene que arreglárselas en un lugar donde la ley no existe o, peor todavía, está del lado equivocado. Por otro lado tenemos a Constance Van Ness (Anderson - matriarca de la familia), una mujer adinerada, ambiciosa, la misma representación del poder heredado, y casi que dueña del pueblo.

El conflicto arranca cuando los intereses de los más poderosos (los Van Ness) empiezan presionan por tomar control de la tierra del rancho "The Abandons". Lo que parecía una lucha contra el entorno se transforma en algo mucho más complejo: una pelea por identidad, pertenencia y poder. Y ahí es donde la serie realmente se pone interesante, porque deja de ser solo un western para meterse de lleno en las tensiones humanas.

Lo que más destaca es el tono. Todo se siente pesado, denso, como si el aire mismo costara respirar. No hay decisiones fáciles ni personajes “puros”. Cada uno carga con su historia, sus culpas y sus contradicciones, y eso hace que muchas veces no sepas a quién apoyar. Esa ambigüedad moral es, probablemente, lo mejor que tiene la serie.

Visualmente acompaña perfecto: paisajes abiertos pero opresivos, mucho polvo, colores apagados… todo refuerza esa sensación de aislamiento y desgaste. Es de esas series donde el entorno no es solo fondo, sino parte del conflicto.

Ahora, no es una serie redonda. El ritmo a veces se vuelve irregular, con episodios que construyen mucho pero avanzan poco. Y eso puede jugarle en contra si entrás esperando algo más dinámico. Además, no es una historia que te lleve de la mano: hay que prestarle atención y bancarse cierta incomodidad. De hecho, me costó mucho "engancharme" con la serie. Además, si bien tiene cosas de un western hasta cierto punto esperables (familias enfrentándose por la tierra, el grado de violencia y el poco peso de la ley, el setting).también se nota cierto mensaje "woke": la enorme diversidad de personajes, la desigualdad de clases y géneros, que los dos personajes principales sean mujeres (lo cual no sonaría raro si no fuese un western)...en fin...

En el balance, "The Abandons" no busca gustarle a todo el mundo, y eso se nota. Pero justamente ahí está su identidad. La macana es que prometía mucho más de lo que termina entregando...y está el temita del final...mamá...En serio ese fue el final??? Le baja varios puntos.

FICHA TÉCNICA:          
PAÍS: U.S.A.
AÑO: 2025
GÉNERO:  drama / western
DURACIÓN: 7 x 45 minutos
GUIÓN: 6 /10  
DIRECCIÓN: 5 / 10
ACTUACIONES: 8 /10  
CGI: 7 / 10
RATED: PG-17

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53 DOMINGOS

Hay películas que parecen chicas. Tres personajes, un departamento, una conversación. Fin.
Y sin embargo, algunas de esas películas terminan pegando más fuerte que cualquier superproducción. "53 Domingos" calza en ambas categorías. Y tiene una evidente "vibe" teatral, ya que está basada en la obra "Els 53 Diumenges" de Cesc Gay, quien también dirige y escribe esta adaptación de Netflix. Gay, conocido por "Truman", aquel film que juntara a Ricardo Darín con el actor central de la reseña que nos convoca - Javier Cámara - logra una adaptación muy prolija de su propia obra, jugando muy bien con las cámaras, los primeros planos, pero sin perder la frescura de los diálogos. Para ello cuenta con un elenco con años en "la vuelta": Javier Gutiérrez ("La Isla Mínima" / "Assassin's Creed"), Carmen Macchi ("Aída" / "Amor de Madre"), Alexandra Jiménez ("La Zona" / "100 metros").

La premisa es tan simple como incómoda: tres hermanos adultos se juntan para decidir qué hacer con su padre, que ya no puede valerse por sí mismo. Lo que debería ser una charla práctica se convierte rápidamente en una especie de ajuste de cuentas emocional. Claro...la tan necesaria charla no es fácil de llevarse a cabo, y ya sea por una cosa o la otra no parece haber demasiada voluntad de ninguna de las partes para juntarse.

La cámara no se esconde. Observa. Se queda. Y deja que los actores construyan el conflicto.
El resultado es una naturalidad que incomoda: interrupciones, silencios, miradas que pesan más que cualquier línea de diálogo. No parece ficción. Parece una discusión real, de esas que empiezan “tranquilas” y terminan sacando todo lo que estuvo guardado durante años.

Cada hermano tiene lo suyo: Natalia (Macchi), carga con el peso del cuidado, pero está cansada. Típicamente cultural, termina siendo la mujer quien se haga responsable (hasta de cortarle las uñas de los pies), pero ello ha ido minando su propia vida personal, no desde lo profesional, sino desde el amor y su tiempo. Víctor (Cámara) es el hermano "bueno para nada", resentido, y el primero en "pasar factura" a los otros dos. Pedro (Gutiérrez) es el hermano mayor. Vive en su mundo, codeado con gente de plata, y le cuesta juntarse con su hermano menor, ese tipo que a los 50 largos siguen buscando un trabajo estable como actor. 

La película nunca los juzga. No hay buenos ni malos. Todos tienen argumentos válidos… y todos muestran su cuota de egoísmo.

Ahí es donde aparecen los grandes temas que sostienen la historia: el cuidado de los padres en la vejez (el más obvio), responsabilidad vs conveniencia, los silencios y secretos familiares que eventualmente terminan saliendo a luz, el egoísmo cotidiano, el paso del tiempo, el amor (o desamor) familiar, y la falta de comunicación. 

El origen teatral se siente —y eso es tanto una fortaleza como una limitación.
Por un lado, le da una intensidad brutal a los diálogos y a las actuaciones. Por otro, hace que la película se sienta contenida, casi como si nunca terminara de romper del todo. No busca grandes momentos cinematográficos. No los necesita. Su apuesta es otra: hacerte sentir que estás espiando una conversación privada que no deberías escuchar

"53 Domingos" es una película que vive en los detalles, en las miradas y en lo que queda flotando en el aire después de cada frase. No es explosiva, pero sí profundamente incómoda… y por eso mismo, muy efectiva. El dilema moral de cómo cuidar de nuestros padres sin que esto se convierta en una carga, la relación - a veces infantil - entre hermanos, y la desigualdad de los roles familiares son elementos que quedan en la cabeza del espectador por un buen rato luego de terminar esta breve "dramedia". 

FICHA TÉCNICA:          
PAÍS: España
AÑO: 2026
GÉNERO:  drama / comedia
DURACIÓN: 78 minutos
GUIÓN: 8 /10  
DIRECCIÓN: 7 / 10
ACTUACIONES: 6 /10  
RATED: PG-10

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MACHOS ALFA - Temporada 4

Hay series que uno empieza casi por inercia y, sin darse cuenta, termina esperando. "Machos Alfa" es una de esas. Y su cuarta temporada confirma algo que ya se sabía - me animaría a decir, mínimamente dela temporada 3 -: no es solo una comedia cómoda para el algoritmo, sino una serie que se anima a mirar un poco más profundo sin dejar de hacerte reír.

La base es la misma de siempre: tipos lidiando con un mundo que cambió más rápido de lo que ellos pudieron procesar. Masculinidades en revisión, discursos aprendidos a medias, contradicciones constantes y esa sensación de ir siempre un paso atrás. Pero en esta temporada hay algo distinto: menos urgencia por el chiste inmediato y más espacio para dejar que las situaciones incomoden.

La cuarta temporada no viene a reinventar "Machos Alfa", tampoco lo necesita. Lo que hace es afinar el tono. El humor sigue estando, pero ya no depende tanto del golpe fácil. Muchas veces el chiste aparece después, cuando uno procesa lo que acaba de ver. La serie entiende mejor que nunca que el verdadero conflicto no es el “macho alfa” caricaturesco, sino el tipo que cree haber entendido todo… y se da cuenta de que no. Y ahí es donde pega más fuerte. 

Sin spoilear, esta temporada expone más a sus personajes. Las decisiones pesan, las palabras tienen consecuencias y algunas actitudes dejan de ser simpáticas para volverse incómodas. Y está bien que así sea. Y a ver...yo decía que la serie no reinventa nada, pero esto no quiere decir que no haya cambios. Y que no descanse en el "macho alfa" caricaturesco, no quiere decir que esta temporada esté exenta de situaciones caricaturescas; el ejemplo más claro es que cuando "nuestros machos" se dan cuenta que necesitan "reconstruirse" anotándose en un campamento para recuperar la virilidad. Otra situación - si se quiere, más real - es cuando los 4 amigos deciden buscarse un apartamento para usar como "bulo" y así huir de sus vidas cotidianas por un rato, ya sea para llevarse a alguna mujer, dormir tranquilamente, o jugar a la play.

Si las primeras temporadas funcionaban como un retrato exagerado de ciertas conductas, la cuarta se siente más cercana, más adulta. No porque baje línea, sino porque confía en que el espectador ya entendió el juego. No es una temporada estridente ni polémica. Es más silenciosa, más punzante. Y por eso mismo, más efectiva. Y más corta. 6 episodios se sintieron un poco "poco".

"Machos Alfa" se ha convertido - con el paso de las temporadas - en una serie que se enfocaba en hacer reír de la deconstrucción del hombre a ser reflejo de hombres (y mujeres) que no nos es tan ajeno como nos gustaría creer. 

FICHA TÉCNICA:
PAÍS: España
AÑO: 2022 - 2026
GÉNERO: comedia
DURACIÓN: 30 minutos x 6 episodios
GUIÓN: 8 /10
DIRECCIÓN: 8 /10
ACTUACIONES: 8 /10

RATED: PG-16

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EL ÚLTIMO SAMURÁI EN PIE

Un amigo alemán, con quien somos bastante afines en términos de literatura, series, y películas, me recomendó ver "The Last Samurai Standing" ("El Último Samurai en Pie"). Sus palabras mas o menos fueron: "Si te gustó El Juego del Calamar, y te gustan los samurais, esta serie es para vos." Y, bien podría reducirse a eso. De hecho, eso fue lo que sentí luego de ver el primer episodio. Sin embargo, luego vi que se iban agregando otros elementos (tiene algo de "John Wick" y un poco también de "The Last of Us"). Como le diría Shrek a Burro: hay capas como en una cebolla. Pero...las comparaciones, luego, primero dejame contarte de qué va la serie.

Año 1878, la Rebelión de Satsuma de Saigö Takamori contra la modernización japonesa ya pasó, y los samurais perdieron. La era Meiji está desarrollándose; Japón se occidentaliza, adopta nuevas estructuras, nuevas políticas, y el samurai como figura se vuelve obsoleto, y sus privilegios eliminados. Ya no se lo considera parte de una élite guerrera, y los señores feudales a quienes servían han desaparecido o transformado. Criados bajo las pautas del Bushido (un estricto código de honor), algunos prefieren la muerte antes que entregar su espada. Otros...especialmente aquellos con familia, tratan de sobrevivir como pueden. Para peor, el cólera afecta gran parte de Japón, mermando la comida, y siendo miles los fallecidos a causa de esta enfermedad. En este contexto - que fue real - se nos presenta a un samurái veterano, leyenda entre sus congéneres, con dos hijos afectados por cólera. Obligado a vender su espada por un poco de pan es cuando se topa con un aviso impreso instando a cualquier samurai que quede en la vuelta a participar de un torneo donde el premio serán 100 mil millones de yenes. Shujiro Saga (Jun'ichi Okada) no es un héroe idealizado ni una figura mítica: es un hombre cansado, marcado por decisiones pasadas, que se mantiene en pie por una única razón — el amor por su familia. 

El actor, cómo está dirigido y escrito su personaje, es uno de los grandes aciertos de la serie (que tiene varios). La actuación es contenida, austera, casi minimalista. No hay grandes monólogos ni frases diseñadas para el tráiler: todo se transmite desde el gesto, desde una mirada que carga más historia que cualquier diálogo. Esa contención le da una fuerza especial al relato y evita caer en el sentimentalismo fácil. Los personajes secundarios funcionan como contrapunto: algunos representan la adaptación al nuevo orden, otros la traición a los viejos valores, y otros simplemente la aceptación resignada de que el tiempo avanza sin pedir permiso. Y...como en "El Juego del Calamar", muchos personajes que nos generan simpatía, podrían no durar mucho en pantalla.

Hablando de la dirección, esta apuesta por un ritmo pausado, deliberado, que acompaña el espíritu de la historia. No es una película apurada, y tampoco debería serlo. Cuando la violencia aparece, lo hace sin glorificación: es breve, seca y profundamente triste. Cada enfrentamiento tiene peso narrativo y emocional. Hay lugar para grandes batallas? Sí. Ya en el primer episodio la hay. Y en el sexto también. Y alguna más por el medio. Y son soberbias. 

En lo visual, "The Last Samurai Standing" es sobria y elegante. La fotografía utiliza paisajes naturales, templos y espacios abiertos para reforzar la sensación de un mundo que se vacía. Los colores apagados y los tonos tierra subrayan esa idea constante de final de era, de despedida inevitable.

Más allá de la espada y la armadura, la película habla de algo universal: qué ocurre cuando los valores que te definieron dejan de tener lugar en la sociedad. Es un relato sobre la dignidad, la resistencia silenciosa y el costo de mantenerse fiel a uno mismo cuando todo alrededor te empuja a cambiar. Y es ahí donde más difiere con "El Juego del Calamar". No hay violencia gratuita, aunque sí haya quien pague para que los samurais se maten entre si. No se está en un lugar sin poder salir; hay un camino que recorrer. No hay avaricia por un premio. Hay la necesidad de ganar para sobrevivir, de demostrar que uno ya no es obsoleto.

"El Último Samurai en Pie" no es para todos los públicos, ni lo intenta. Es reflexiva, melancólica y profundamente humana. Y si...muy violenta. Pero para quienes disfrutan de historias sobre el final de una era, personajes que cargan el peso del pasado y películas que confían en el silencio tanto como en la imagen, esta es una experiencia que vale la pena.

Ya ansioso de que salga la segunda temporada!

FICHA TÉCNICA:          
PAÍS: Japón
AÑO: 2025
GÉNERO:  drama / horror / ciencia ficción / misterio
DURACIÓN: 6 x 50 minutos
GUIÓN: 9 /10  
DIRECCIÓN: 10 / 10
ACTUACIONES: 8 /10  
CGI: 10 / 10
RATED: PG-17

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STRANGER THINGS Temporada 5 Final

Hay series que se terminan, y uno termina diciendo "Era hora!". Otras, que por más que se hayan vuelto repetitivas (y que perfectamente se hubiesen podido terminar 2 o 3 temporadas antes), una vez que no están, las extrañas. En lo personal, esto me sucedió con el "Arrowverse" (todos esas series del DCEU - "Arrow", "The Flash", "Supergirl", "DC Legends of Tomorrow", y alguna más) al cual le dediqué entre 400 y 500 horas de mi vida (Si! Calculale unos 588+ episodios). 

Y... hay series que cierran una etapa de la vida: "Friends", "The Big BangTheory", "Game of Thrones", y por supuesto... "Strangers Things". Si...obvio que tal vez en tu lista estén "The Sopranos","Vikings", "Breaking Bad", "Peaky Blinders" o alguna otra, pero bueno, se entiende a lo que voy, no?

La quinta y última temporada encara su recta final con una misión clara: atar todos los hilos, dar respuestas largamente postergadas y permitir que sus personajes —y nosotros con ellos— puedan, al fin, soltar. No es una temporada pensada para impactar con giros constantes, aunque sí para dejar un impacto duradero (y también algún mensajito de agenda social perfectamente evitable, o al menos, encarable desde otro lado). Esta temporada también está pensada para concluir, para mirar hacia atrás y resignificar todo lo vivido desde aquel primer episodio en Hawkins.

Como siempre, obvio que si no viste las temporadas anteriores, por acá te dejo esas reseñas(si...ya sé...la 2 nunca fue escrita..):

Temporada 1

Temporada 3

Temporada 4

Para esta quinta entrega el mundo ya no puede fingir normalidad. Lo ocurrido anteriormente dejó marcas visibles, físicas y emocionales, y la amenaza ya no es algo que se esconde en las sombras: es una consecuencia. La temporada se apoya fuerte en la ciencia ficción, explorando ideas como la materia exótica, los agujeros de gusano y una reinterpretación clave del Upside Down, que deja en claro que nunca fue exactamente lo que los protagonistas —ni el espectador— creían.

Este enfoque le da a la temporada un tono distinto. Hay menos terror inmediato y más construcción teórica, más explicación, más épica. La sensación constante es la de estar frente a un rompecabezas que finalmente empieza a mostrar la imagen completa; una imagen que, seamos honestos, es difícil de entender. Esa elección narrativa desemboca en un cierre controversial, con un tono más “rosa” de lo esperado para una serie que supo ser oscura y opresiva en sus comienzos.

Yendo a los personajes, huelga arrancar por Eleven (Once para nosotros). Creo que en muchos momentos de esta temporada el centro se aleja de ella, con los aciertos o errores que esto pueda tener. Eleven enfrenta las consecuencias emocionales de todo lo vivido y su viaje es menos físico y más identitario. Es una conclusión coherente para un personaje que siempre cargó con el peso de ser “la solución”. Ahora, hablando del físico, los cambios físicos - y alguna cirugía de por medio - parecen haberle quitado expresividad. También su rol ha cambiado un poco, ya se pasó de un "no obliguemos a El a enfrentarse con Vecna" a "dale su recarga alimenticia y que vuelva a la lucha". Parece también que hubiese cierto retroceso en la relación entre ella y Hopper.

Mike asume un rol más maduro, lejos del chico impulsivo de las primeras temporadas. Esta vez su conflicto pasa por liderar sin controlar, por aceptar que crecer también implica dejar ir. Su desarrollo conecta directamente con el eje emocional de la temporada.

Dustin, de cierta forma, siempre fue el corazón del grupo, aquel que se mandaba las macanas, pero también el que más expresaba. El corazón del grupo sigue intacto. Su arco está atravesado por la pérdida y por la necesidad de honrar lo que ya no está, sin perder la capacidad de asombro que siempre lo caracterizó, y sin él, el grupo hubiese sido incapaz de idear un plan en casi ninguna temporada.

Probablemente uno de los personajes con mayor crecimiento silencioso es Lucas, quien enfrenta decisiones difíciles y demuestra que la valentía no siempre es frontal. Su recorrido habla de responsabilidad emocional y de hacerse cargo, incluso cuando duele. Su amor por Max es el más honesto y "jugado" de los que se ven. Carta clave para ese personaje. Sin entrar en detalles, su presencia en la temporada es fundamental desde lo simbólico. Max representa el trauma, la fragilidad y la lucha interna. Su arco no es de acción, sino de sanación.

Will vuelve a ocupar un lugar central, no desde el misterio sino desde la sensibilidad. Es el personaje que mejor encarna el fin de la infancia, la nostalgia y la dificultad de cerrar ciclos. Su desarrollo es sutil, pero profundamente emotivo. Hay una escena muy debatida - y que acompaña el episodio con peor rating de las 5 temporadas! - y es cuando Will declara su homosexualidad (algo que se venía manifestando, mínimamente, desde la tercer temporada). Y la verdad sea dicha, se podría haber encarado de mil maneras distintas, y ésta no fue la mejor. Lució más como una declaración comunitaria que como una confesión, si bien la actuación de Noah Schnapp aquí es sublime. 

En cuanto a los otros personajes, bueno, Steve deja de buscar su redención. Ya hizo las paces consigo mismo, y ahora sólo queda que las haga con Jonathan. Su arco es una despedida elegante de uno de los favoritos del público. Nancy aquí está convertida en una pequeña "Rambo", y este giro si que "puajj". Lo más interesante es una conversación "in extremis" que tiene con Jonathan y su futuro como pareja.

Con muchos minutos de pantalla - demasiados para un personaje secundario - Robin sigue encarnando la frescura y empatía, pero con mayor profundidad emocional. Va a ayudar en su camino a Will, y tendrá parte vital en un relato final (oopss...spoiler?)

Finalmente nos encontramos con los adultos: Joyce y Hopper. Sus arcos hablan de segundas oportunidades, de reconstrucción y de aprender a vivir después del trauma. 

Claro, no nos podemos quedar con esto. Hay que destacar la participación de Brett Gelman ("Metal Lords") como Murray y la de Jamie Campbell Bower ("Cazadores de Sombras") como Vecna / Henry. Lo de Linda Hamilton ("Terminator")..bueh...muy, muy debatible.

Mencionar que, obviamente, las referencias ochenteras siguen presentes, pero ya no son el motor. La música, funciona sólo de a ratos,y tiene una menor preponderancia que antes. Es 1987 viejo...tenés temazos de rock como "Living on a Prayer" de Bon Jovi, "Wild Side" de Mötley Crüe, o "Welcome to the Jungle" de los Guns...cualquiera de ellos cuajaría divinamente. No querés rock? Tenés "Bad" de Michael Jackson, "With or Without You" / "I Still Haven't Found" de U2, Whitney Houston con "I Wanna Dance with Somebody" o incluso Madonna con "Open your Heart". Pero no...nada.

Por otrolado,el trabajo del cast es sólido y comprometido, y la sensación que deja el final es inevitable: vacío. Porque "Stranger Things" no solo cuenta una historia, sino que acompañó a una generación durante años. Vimos crecer a los personajes, pero también a los actores, y eso se siente.

La temporada 5 no busca asustar como antes. Busca cerrar. Y lo hace abrazando sus temas fundamentales: el coming of age, la amistad eterna, el legado, la superación de traumas, y la resiliencia.

Todo termina. "Stranger Things" incluída. Fue un gran viaje. Y seguir adelante también es parte de la historia.

FICHA TÉCNICA:          
PAÍS: USA
AÑO: 2016 - 2025
GÉNERO:  drama / horror / ciencia ficción / misterio
DURACIÓN: desde 75 a 130 minutos dependiendo del episodio
GUIÓN: 6 /10  
DIRECCIÓN: 8 / 10
ACTUACIONES: 9 /10  
CGI: 9 / 10
RATED: PG-16

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FRANKENSTEIN

Adaptaciones del famoso personaje creado por Mary Shelley en 1818 (hace más de 200 años!) han habido cientos, literalmente. Ahora, si Benicio del Toro se anima a encararse con una "vaca sagrada" de la literatura como esta, hay que prestarle atención.  Su "Frankenstein" es una ópera gótica con aura de tristeza, una película que no busca gritar terror sino respirar desolación, como si cada plano fuera un suspiro atrapado entre montañas nevadas y laboratorios que huelen a óxido y fracaso humano.

La historia se cuenta cercana al material original de la Shelley: menos “terror hollywoodense” y más preguntas dolorosas sobre crear, abandonar y ser responsable, con una narrativa que alterna la voz del creador (Viktor Frankenstein) y la criatura —dos versiones de un mismo pecado que se persiguen como si cada uno fuera el fantasma del otro. Ese juego de espejos es, quizá, lo mejor de la película. Sin embargo, no es lo único a destacar. Las actuaciones, por ejemplo, son algo sublime.

Por un lado tenemos a Viktor Frankenstein (interpretado por un Oscar Isaac - "Ex-Machina" - al que cuesta acostumbrarse al principio, pero que luego vemos como hace el papel suyo). Un hombre que arranca como científico idealista —un romántico obsesionado con “burlar a la muerte” y darle sentido al dolor— y termina derrapando en arrogancia, culpa y repulsión. Isaac construye a Viktor con un temblor interno constante: parece estar un paso antes del derrumbe emocional, y verlo odiar lo que creó es una daga que Del Toro clava con elegancia. Eso sí, a mi gusto, la repugnancia por su propia creación llega demasiado pronto. Ahí falta un poco de desarrollo.

Por otro lado, Jacob Elordi ("Euphoria") como "la criatura". Más cerca de un ángel caído que un monstruo clásico, Elordi arrastra el cuerpo como si le pesara el mundo, con una voz que parece aprender a existir mientras habla. Su criatura no asusta; duele. Es torpe, frágil, noble cuando puede, feroz cuando lo arrinconan. En sus manos, la condena de Shelley respira de nuevo. Ambos están fantásticos, y su química —hecha de distancia, de rechazo, de necesidad— sostiene la película.

Pero las actuaciones no son lo único a destacar: el diseño, la fotografía, el maquillaje, y el vestuario se llevan también sendos aplausos. Con un cuidado artesanal por el "look" de los personajes, los vestuarios ya cuentan de por sí una historia. Acá, además el maquillaje de la propia bestia (de entre 10 y 11 horas diarias, con 42 piezas prostéticas) es digno de nominación al Oscar. Por su parte la fotografía, con las panorámicas del ártico, la fortaleza donde se "crea" al monstruo, e incluso en las calles sucias de una ciudad atestada, es una obra de arte; rojos, azules, y blancos jugando su juego.

No todo es perfecto. El CGI parece quedar en el debe por muchos momentos, pero en la sabiduría de Del Toro, éste fue muy limitado (lástima lo de los lobos), ya que prefirió hacerlo todo " a la vieja usanza", con dobles, cables, y todo eso del buen cine de antes.

Por otro lado, el personaje de Lisa (Mia Goth - "MaXXXine") parece poco desarrollado, aunque podría darnos lugar a una secuela (no, no pienso spoilearte el porqué). Mérito sí para Del Toro, quien le da más proactividad a este personaje con respecto al libro. Hablando de ello, si bien en la obra original de Shelley, el hermano de Viktor cumple una función, hay un elemento clave que los diferencia. Por otro lado, el personaje interpretado por  Christoph Waltz ("Bastardos Sin Gloria") no existe en el libro. Si bien es una adición interesante, no sé si hubiese sido tan necesario o un mero capricho del director. 

Dicho todo esto,este "Frankenstein" sí vale la pena. Ya sea seas un fanático del personaje o quieras descubrir un lado nuevo del mismo (o simplemente disfrutar de un buen drama de terror).

FICHA TÉCNICA:          
PAÍS: USA 
AÑO: 2025
GÉNERO:  drama / horror / steampunk / fantasía oscura / terror monstruoso 
DURACIÓN: 149 minutos
GUIÓN: 7 /10  
DIRECCIÓN: 9 / 10
ACTUACIONES: 9 /10

CGI: 6 / 10

PRESUPUESTO / GANANCIAS: US$ 120.000.000 / US$ 144.496

RATED: PG-16

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LAS CUATRO ESTACIONES

"Las Cuatro Estaciones" es una de esas series que tengo en borradores desde hace meses y que nunca reseñé (pero como prometí, iremos poniéndonos al día). Con un reparto genial, es una serie que a priori parece liviana, casi inofensiva, pero que avanza con una precisión emocional bastante más afilada de lo que uno podría esperar. No busca impactar ni forzar conflictos: su apuesta es observar, escuchar y dejar que el paso del tiempo haga el trabajo pesado.

Basada en la película del '81, escrita, dirigida, y actuada por Alan Alda (M.A.S.H.) - quien acá (44 años después) tiene un pequeño rol como Don, el padre de Anne - la historia nos lleva por las relaciones, la maduración, y los cambios de 3 parejas de amigos bien distintas, que se juntan todos los años para vacacionar (siempre en distintas estaciones del año - algo en lo que ahondaré luego). Estas parejas son las de Kate (Tina Fey - "Saturday Night Live") y Jack (Will Forte - "MacGruber"), la de Anne (Kerri Kenney - "Reno 911!") y Nick (Steve Carrell - "The Office"), y la de Danny (Colman Domingo - "Lincoln") y Claude (Marco Calvani - "Los Borgia"). A medida que se dan las "juntadas" los problemas van surgiendo, siendo uno de los principales detonantes cuando una de estas se separa, y uno de los amigos comienza a llevar a su pareja, una chica mucho más joven que el resto. 

Steve Carell lidera el elenco desde un lugar contenido, lejos de la comedia explosiva que lo hizo famoso. Su actuación se apoya mucho en los gestos mínimos, las dudas y las contradicciones internas. Es un personaje que no se explica todo el tiempo, y eso lo vuelve más interesante. Carell entiende perfecto cuándo retirarse un paso y dejar que la escena respire.

Tina Fey es una de las grandes fortalezas de la serie. Se mueve con naturalidad entre el humor seco y la incomodidad emocional, aportando ironía sin romper el tono realista. Su personaje tiene capas, timing y una inteligencia emocional que evita cualquier caricatura. No roba escenas: las construye.

Colman Domingo eleva cada aparición. Tiene presencia, calidez y una humanidad que le da peso a las conversaciones más simples. Su actuación transmite experiencia de vida, incluso cuando el guion no subraya nada. Es de esos actores que mejoran una escena solo con estar ahí.

Will Forte juega un rol clave desde un registro más bajo y menos excéntrico de lo habitual - si bien con un sinnúmero de TOCs llamativos -. Acá no está para la risa fácil: su trabajo es sutil, incómodo por momentos, y muy efectivo para mostrar fragilidades masculinas sin necesidad de discursos. Es una actuación que crece con el correr de los episodios.

Marco Calvani, definitivamente el menos conocido del grupo, aporta una energía distinta, más emocionalmente expuesta. Su personaje funciona como catalizador de tensiones y preguntas que la serie quiere plantear. Calvani logra que esa apertura no resulte impostada, sino genuina y necesaria, si bien su personaje puede ser de a ratos un tanto estereotipado. 

Si te acordás, antes dejé un poco "colgado" el tema del nombre. Efectivamente inspirado en la música de Vivaldi, las 4 Estaciones hace además - como la música del compositor - referencia a los cambios en la vida, las relaciones, las revelaciones, el crecimiento, y la caída. La serie en sí está dividida en 4 arcos - uno por estación - comenzando por la primavera, con lo que esta conlleva: reinicio, renovación, y nacimiento (en este caso de conflictos o revelaciones). La serie termina en el invierno, con un giro inesperado, siendo tiempo de nuevas esperanzas para la primavera que se aproxima.

En lo técnico, la serie es sobria: fotografía naturalista, música bien medida y un ritmo deliberadamente pausado. No hay urgencia narrativa porque la historia no va de eventos, sino de vínculos, rutinas y pequeñas fracturas que se acumulan con el tiempo.

"Las Cuatro Estaciones" - con una temporada a estrenar en el 2026 - resulta una serie adulta, bien actuada y sin trucos. No te apura, no te explica de más, pero si entrás en su frecuencia, te deja pensando bastante después del último episodio.

FICHA TÉCNICA:          
PAÍS: USA 
AÑO: 2025
GÉNERO:  comedia / comedia romántica / drama
DURACIÓN: 30 minutos x 8 episodios
GUIÓN: 7 /10  
DIRECCIÓN: 9 / 10
ACTUACIONES: 8 /10

RATED: PG-16

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