EL MINISTERIO DE LA GUERRA SUCIA

Cuando uno escucha que una película está basada en una historia real de la Segunda Guerra Mundial, suele imaginarse algo solemne, dramático y lleno de discursos patrióticos. Guy Ritchie ("Snatch", "Lock, Stock & Two Smoking Barrels", "Rock'n'rolla") decidió ignorar todo eso y hacer exactamente la película que se le vino en gana: una mezcla de comandos suicidas, espías, explosiones, humor británico y nazis recibiendo cantidades absurdas de castigo.

La historia sigue a un grupo de agentes poco convencionales reclutados por Churchill para llevar adelante una misión secreta detrás de las líneas enemigas. Este grupo es bastante especial: el Mayor Gustavus Henry March-Phillipps (Henry Cavill - "The Witcher"), el Mayor Anders Lassen ("Reacher"), el Mayor Geoffrey Appleyard ( Alex Pettyfer - "I am Number 4"), la agente Marjorie Stewart (Eiza González - "Godzilla vs Kong") entre otros. Está inspirada en la Operación Postmaster, una operación real que ayudó a sentar las bases de las fuerzas especiales modernas (aunque si ves la película, no parece para nada real...así de disparatada la versión de Ritchie). Pero bueno...tampoco pretende ser una reconstrucción seria: lo mejor (o lo peor) de la película es que nunca pretende ser una reconstrucción histórica rigurosa. Desde el primer minuto queda claro que esto es una aventura bélica estilizada. 

El mencionado grupo de "élite" es reclutado para una misión secreta detrás de las líneas enemigas. Su objetivo es sabotear las operaciones nazis en el Atlántico mediante métodos poco convencionales, en una operación tan arriesgada que el gobierno británico negará cualquier relación con ellos si algo sale mal.

Guy Ritchie aplica su sello habitual: personajes extravagantes, diálogos rápidos, mucha actitud y secuencias de acción filmadas con energía. El problema es que, como ocurre en varias de sus películas recientes, el estilo a veces pesa más que la tensión. Los protagonistas parecen tan invencibles que rara vez sentimos que estén realmente en peligro. Y, contrariamente a lo que nos muestra esta versión de Ritchie, si bien Ian Flemming (el creador de James Bond) estuvo en parte de algunas de las operaciones del ejército británico, no tuvo el papel en esta operación que aquí se le atribuye.

Aun así, la película entiende perfectamente cuál es su objetivo: entretener durante dos horas. No busca ser "Rescatando al Soldado Ryan". Está mucho más cerca de "Bastardos sin Gloria" que de otra cosa que recuerde.

FICHA TÉCNICA:          
PAÍS: U.S.A. / Reino Unido / Turquía
AÑO: 2024
GÉNERO:  bélica / acción / humor
DURACIÓN: 122 minutos
GUIÓN: 6 /10  
DIRECCIÓN: 5 / 10
ACTUACIONES: 6 /10  
CGI: 7 / 10
RATED: R

PRESUPUESTO / RECAUDACIÓN: US$ 60.000.000 / US$ 29.768.915

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WONDER MAN

Marvel...Disney...o...Marney...(llamalo como quieras) ha estado intentando reinventarse desde el mismísimo momento del lanzamiento de "WandaVision", con éxito variable y opinable. Me hace acordar por muchos momentos a mi cuadro de futbol en este campeonato: buenos primeros minutos, pero para el segundo tiempo se cae a pedazos. Te preguntarás cómo calza la metáfora futbolera acá. 

Si el cine post-Avengers: Endgame quedó golpeado, las series en Disney+ son todavía más irregulares. Acá Marvel intentó expandirse, probar cosas nuevas… pero casi siempre con la misma red de seguridad: la fórmula. Hubo series que en gran parte cumplieron, saliéndose de lo esperado: la mencionada "WandaVision" cumplió con algo distinto; "Loki" prometió rompernos la cabeza con algo al estilo "Matrix" y de cierta forma lo hizo (la segunda temporada cambia bastante). Y hasta cierto punto "Hawkeye", sabedora de su pequeña escala, también. "Moon Knight" tuvo sus picos, y "The Falcon and the Winter Soldier" un primer episodio increíble, y luego basura propagandística y política. La lista es larga: "Agatha All Along" (quizás la que es más Disney, pero seguimos con el mensajito inclusivo que ya satura), "She-Hulk" que no logra dar con el tono del comic, "Ms. Marvel" (que no vi y por ende no voy a comentar), "Echo" (donde el personaje central es mujer, nativa americana, y sorda, con una pierna ortopédica - y sí, en el comic también es así - pero la elección no deja de tener una agenda política y sostenida); y por último "Secret Wars", que quizás fue la decepción más grande hasta ahora. Porque incluso cuando arrancan distinto, muchas terminan igual: desarrollo prometedor + cierre apurado + clímax de acción genérico. 

"Wonder Man" no es otra serie que quiere ser distinta, ser una de capas y lejos del CGI; una serie sobre actores, ego, castings fallidos y el circo de Hollywood disfrazado de superhéroes. Y ahí, en ese terreno incómodo, es donde más brilla… y también donde más se tropieza.

La serie gira en torno a Simon Williams (Yahya Abdul-Mateen II - "Aquaman" / "El Juicio de los Siete de Chicago"), un actor venido a menos que intenta pegarla en Hollywood mientras esconde que, bueno… tiene poderes. Pero lo importante no son los poderes, sino el proceso: audiciones, frustraciones, decisiones actorales. Y eso es lo mejor que tiene: cuando baja el volumen superheroico y se convierte en un drama medio indie sobre el fracaso y la ambición, WonderMan se siente fresca.

En ese sentido, se despega bastante de cosas como "The Falcon and the Winter Soldier", que iba más directo al conflicto político y la acción, o "Moon Knight", que apostaba por lo psicológico pero sin salir del molde superheroico clásico. Acá el foco es otro. Más incómodo. Más meta.

Abdul-Mateen II es sólido. Tiene presencia y entiende el tono. Pero el cambio respecto al cómic (donde Simon Williams es blanco) queda medio colgado (otra vez la agendita). El cambio en sí es un problema - si bien a Marvel ya la ha salido bien antes (Nick Fury)— sino porque acá no suma demasiado a la historia. No hay una lectura nueva del personaje que justifique el giro. Entonces se siente más como decisión de estudio que narrativa (lo de Fury también lo era). Y eso contrasta, por ejemplo, con Loki, donde los cambios y expansiones del personaje sí enriquecían el universo, o incluso con Ms. Marvel, donde la identidad cultural era parte central del relato. Ahora, punto aparte: Ben Kingsley como Trevor Slattery es un éxito. Cada vez que aparece, la serie levanta.

"Wonder Man" quiere ser una sátira sobre Hollywood… pero a veces cae en lo mismo que critica. Hay momentos donde el discurso pesa más que la historia, y eso rompe la inmersión. Esto ya lo vimos en She-Hulk: Attorney at Law: una serie con ideas interesantes, pero que por momentos priorizaba el mensaje sobre la narrativa. En cambio, WandaVision lograba equilibrar mejor ese juego: tenía algo que decir, pero lo hacía a través de la historia, no por encima de ella. "Wonder Man" queda en el medio de esos dos ejemplos. Además, del comic original, la serie toma solo una parte: el actor frustrado.

Tiene cosas que funcionan: el tono meta (cuando no se pasa de rosca), la dupla actoral (especialmente Ben Kingsley), la mirada al “detrás de escena” de Hollywoo. Lo que no: ritmo irregular, decisiones de casting que distraen más de lo que aportan, momentos donde el mensaje pesa más que la historia

Si entrás esperando acción: no es por acá. Si entrás buscando algo distinto dentro del MCU: tal vez valga la pena.

FICHA TÉCNICA:          
PAÍS: U.S.A.
AÑO: 2026
GÉNERO:  drama / superhéroes / ciencia ficción
DURACIÓN: 6 x 30 minutos
GUIÓN: 6 /10  
DIRECCIÓN: 4 / 10
ACTUACIONES: 8 /10  
CGI: 7 / 10
RATED: PG-12

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JURAMENTADA

 Antes de hablar de "Juramentada", hay que entender algo: esta saga no arranca… te arrastra...paulatinamente.

Con "El Camino de los Reyes", Brandon Sanderson te tira a un mundo completamente ajeno, donde todo —desde la geografía hasta la magia— tiene sus propias reglas. No es un libro que te explique: te exige. Y ahí está parte de su gracia. Es lento, sí, pero porque está construyendo algo enorme. Mundo, historia, personajes… todo desde cero. Es más cimiento que espectáculo. Y también puede ser motivo para que más de un lector deje por el camino su lectura (al menos a dos personas que conozco les pasó esto). Así que paciencia. Si no leíste este primer tomo, por acá te dejo el link de esa primera reseña.

Después llega "Palabras Radiantes" y ahí ya no hay margen: todo lo que se sembró empieza a rendir. Más ritmo, más acción, más momentos de esos que te hacen frenar y releer. La historia avanza, los personajes crecen y la saga encuentra su flow. Para muchos, el punto más alto en equilibrio entre épica y entretenimiento. Esa reseña, leela acá.

Y entonces sí…"Juramentada". Este es el libro donde la saga cambia. Si los anteriores eran sobre descubrir el mundo, este es sobre cargar con él.

El foco está en Dalinar. Y lo que hace Brandon Sanderson acá es de otro nivel. A través de flashbacks, va reconstruyendo su pasado… pero no como un simple recurso narrativo, sino como una bomba de tiempo emocional. Cada pieza que encaja no suma: redefine. Y lo más interesante es que no busca justificarlo, sino entenderlo. Hay una exploración muy fuerte de liderazgo, culpa y responsabilidad que sostiene todo el libro.

Pero "Juramentada" no es solo Dalinar.

Kaladin (el favorito de varios, este servidor incluido) sigue siendo el corazón emocional de la historia. Su conflicto ya no pasa tanto por sobrevivir, sino por cómo vivir con lo que es. Hay una lucha interna constante entre lo que siente, lo que cree correcto y lo que puede hacer. Es un personaje que en libros anteriores brillaba por acción; acá brilla por conflicto. Y eso lo hace más humano.

Shallan, por su lado, entra en un terreno mucho más complejo. Su arco se mete de lleno en identidad, máscaras y fragmentación. Es probablemente el personaje más “incómodo” de leer en este libro, pero también uno de los más interesantes. No es un desarrollo lineal, y eso juega a favor: transmite esa sensación de que algo no termina de encajar… porque justamente no tiene que encajar.

Después está Adolin, que en medio de tanta carga épica funciona como un ancla más “humana”. No tiene los mismos conflictos existenciales que otros, pero aporta desde otro lugar: lealtad, relaciones, decisiones personales que, sin ser grandilocuentes, tienen peso. Es de esos personajes que crecen sin hacer ruido, pero cuando lo notás… ya está completamente consolidado.

Y en paralelo, el mundo sigue moviéndose. Personajes secundarios que en los libros anteriores estaban más en segundo plano - como por ejemplo Renarin, Zahel, Moash, Taravangian, Eshonai, Szeth -  empiezan a ganar espacio, y eso hace que la historia se sienta más coral. No todo gira alrededor de un solo eje: hay múltiples frentes, múltiples miradas.

A nivel historia, todo escala: el conflicto deja de ser amenaza y pasa a ser realidad, el mundo se expande en historia, religión y magia, Los Radiantes ya no son mito, y la cantidad inexplicable de revelaciones que se dan son un ensamble de gran calidad.

Pero no es un libro fácil. Tiene menos ritmo que el segundo, más política, más reflexión, y por momentos, difícil de seguir. Es, claramente, el más denso de los tres. Y también… el que más deja, aunque quizás no el que más guste. Veremos que depara "El Ritmo de la Guerra", aunque de momento deberá esperar ya que ahora es el turno de Dan Brown.

AUTOR: BRANDON SANDERSON

AÑO: 2018

GÉNERO: FANTASÍA ÉPICA

# DE PÁGINAS: 1408

AUTOCONCLUSIVA: NO

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THE ABANDONS

Me la mencionó un amigo alemán y decidí darle una chance. Además, las presencias de Gillian Anderson ("X Files") y Lena Headey ("Game of Thrones") prometía bastante.

La historia nos lleva a Washington en 1850, un territorio fronterizo donde un grupo de personas marginadas —los “abandonados”— intenta construir algo parecido a una comunidad. La líder de este grupo es Fiona (Headey), una matriarca con mano de hierro, cuya devoción a su "familia" queda patente desde el minuto uno. Fiona es de esas mujeres forjadas en el Oeste, de voluntad inquebrantable, y capaz de tomar la justicia en mano propia. El grupo que lidera está lejos de ser el reflejo del pionero ideal: son sobrevivientes. Gente que fue expulsada, traicionada o simplemente olvidada, y que ahora tiene que arreglárselas en un lugar donde la ley no existe o, peor todavía, está del lado equivocado. Por otro lado tenemos a Constance Van Ness (Anderson - matriarca de la familia), una mujer adinerada, ambiciosa, la misma representación del poder heredado, y casi que dueña del pueblo.

El conflicto arranca cuando los intereses de los más poderosos (los Van Ness) empiezan presionan por tomar control de la tierra del rancho "The Abandons". Lo que parecía una lucha contra el entorno se transforma en algo mucho más complejo: una pelea por identidad, pertenencia y poder. Y ahí es donde la serie realmente se pone interesante, porque deja de ser solo un western para meterse de lleno en las tensiones humanas.

Lo que más destaca es el tono. Todo se siente pesado, denso, como si el aire mismo costara respirar. No hay decisiones fáciles ni personajes “puros”. Cada uno carga con su historia, sus culpas y sus contradicciones, y eso hace que muchas veces no sepas a quién apoyar. Esa ambigüedad moral es, probablemente, lo mejor que tiene la serie.

Visualmente acompaña perfecto: paisajes abiertos pero opresivos, mucho polvo, colores apagados… todo refuerza esa sensación de aislamiento y desgaste. Es de esas series donde el entorno no es solo fondo, sino parte del conflicto.

Ahora, no es una serie redonda. El ritmo a veces se vuelve irregular, con episodios que construyen mucho pero avanzan poco. Y eso puede jugarle en contra si entrás esperando algo más dinámico. Además, no es una historia que te lleve de la mano: hay que prestarle atención y bancarse cierta incomodidad. De hecho, me costó mucho "engancharme" con la serie. Además, si bien tiene cosas de un western hasta cierto punto esperables (familias enfrentándose por la tierra, el grado de violencia y el poco peso de la ley, el setting).también se nota cierto mensaje "woke": la enorme diversidad de personajes, la desigualdad de clases y géneros, que los dos personajes principales sean mujeres (lo cual no sonaría raro si no fuese un western)...en fin...

En el balance, "The Abandons" no busca gustarle a todo el mundo, y eso se nota. Pero justamente ahí está su identidad. La macana es que prometía mucho más de lo que termina entregando...y está el temita del final...mamá...En serio ese fue el final??? Le baja varios puntos.

FICHA TÉCNICA:          
PAÍS: U.S.A.
AÑO: 2025
GÉNERO:  drama / western
DURACIÓN: 7 x 45 minutos
GUIÓN: 6 /10  
DIRECCIÓN: 5 / 10
ACTUACIONES: 8 /10  
CGI: 7 / 10
RATED: PG-17

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53 DOMINGOS

Hay películas que parecen chicas. Tres personajes, un departamento, una conversación. Fin.
Y sin embargo, algunas de esas películas terminan pegando más fuerte que cualquier superproducción. "53 Domingos" calza en ambas categorías. Y tiene una evidente "vibe" teatral, ya que está basada en la obra "Els 53 Diumenges" de Cesc Gay, quien también dirige y escribe esta adaptación de Netflix. Gay, conocido por "Truman", aquel film que juntara a Ricardo Darín con el actor central de la reseña que nos convoca - Javier Cámara - logra una adaptación muy prolija de su propia obra, jugando muy bien con las cámaras, los primeros planos, pero sin perder la frescura de los diálogos. Para ello cuenta con un elenco con años en "la vuelta": Javier Gutiérrez ("La Isla Mínima" / "Assassin's Creed"), Carmen Macchi ("Aída" / "Amor de Madre"), Alexandra Jiménez ("La Zona" / "100 metros").

La premisa es tan simple como incómoda: tres hermanos adultos se juntan para decidir qué hacer con su padre, que ya no puede valerse por sí mismo. Lo que debería ser una charla práctica se convierte rápidamente en una especie de ajuste de cuentas emocional. Claro...la tan necesaria charla no es fácil de llevarse a cabo, y ya sea por una cosa o la otra no parece haber demasiada voluntad de ninguna de las partes para juntarse.

La cámara no se esconde. Observa. Se queda. Y deja que los actores construyan el conflicto.
El resultado es una naturalidad que incomoda: interrupciones, silencios, miradas que pesan más que cualquier línea de diálogo. No parece ficción. Parece una discusión real, de esas que empiezan “tranquilas” y terminan sacando todo lo que estuvo guardado durante años.

Cada hermano tiene lo suyo: Natalia (Macchi), carga con el peso del cuidado, pero está cansada. Típicamente cultural, termina siendo la mujer quien se haga responsable (hasta de cortarle las uñas de los pies), pero ello ha ido minando su propia vida personal, no desde lo profesional, sino desde el amor y su tiempo. Víctor (Cámara) es el hermano "bueno para nada", resentido, y el primero en "pasar factura" a los otros dos. Pedro (Gutiérrez) es el hermano mayor. Vive en su mundo, codeado con gente de plata, y le cuesta juntarse con su hermano menor, ese tipo que a los 50 largos siguen buscando un trabajo estable como actor. 

La película nunca los juzga. No hay buenos ni malos. Todos tienen argumentos válidos… y todos muestran su cuota de egoísmo.

Ahí es donde aparecen los grandes temas que sostienen la historia: el cuidado de los padres en la vejez (el más obvio), responsabilidad vs conveniencia, los silencios y secretos familiares que eventualmente terminan saliendo a luz, el egoísmo cotidiano, el paso del tiempo, el amor (o desamor) familiar, y la falta de comunicación. 

El origen teatral se siente —y eso es tanto una fortaleza como una limitación.
Por un lado, le da una intensidad brutal a los diálogos y a las actuaciones. Por otro, hace que la película se sienta contenida, casi como si nunca terminara de romper del todo. No busca grandes momentos cinematográficos. No los necesita. Su apuesta es otra: hacerte sentir que estás espiando una conversación privada que no deberías escuchar

"53 Domingos" es una película que vive en los detalles, en las miradas y en lo que queda flotando en el aire después de cada frase. No es explosiva, pero sí profundamente incómoda… y por eso mismo, muy efectiva. El dilema moral de cómo cuidar de nuestros padres sin que esto se convierta en una carga, la relación - a veces infantil - entre hermanos, y la desigualdad de los roles familiares son elementos que quedan en la cabeza del espectador por un buen rato luego de terminar esta breve "dramedia". 

FICHA TÉCNICA:          
PAÍS: España
AÑO: 2026
GÉNERO:  drama / comedia
DURACIÓN: 78 minutos
GUIÓN: 8 /10  
DIRECCIÓN: 7 / 10
ACTUACIONES: 6 /10  
RATED: PG-10

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EL CABALLERO DE LOS SIETE REINOS

Antes de que el mundo se volviera un tablero de ajedrez sangriento lleno de dragones, traiciones nivel corporativo y bodas que terminan peor que un asado sin sal, George R. R. Martin nos muestra un Westeros más chico… pero no por eso menos peligroso. Y sí...si tu pregunta es ¿Está a la altura de "Juego de Tronos"?

Esta nueva producción de HBO amalgama la trilogía homónima, formada por "El Caballero Errante" (1998), "La Espada Leal" (2003), y "El Caballero Misterioso" (2010), una especie de slow burn medieval buddy movie: seguís a Ser Duncan el Alto (interpretado por Peter Claffey, un ex-jugador de rugby irlandés=—un tanque de bondad con 0 puntos en IQ político— y a su escudero Egg , un nene pelado que claramente oculta algo (interpretado magistralmente por el pequeño de 12 años Dexter Sol Ansell). ¿Ignotos? Si. ¿Tenemos actores de renombre? Bueno...es relativo. Danny Webb ("Alien"), Daniel Monks ("All Her Fault"), Daniel Ings ("Los Caballeros")...O.K....por ahí no muuuy conocidos, pero sí muy buenos en sus roles. 

"El Caballero de los Siete Reinos" es una precuela de G.O.T. y sucede unos 70 años antes de la serie más popular de Martin, pero está bajada a tierra. Acá no hay Caminantes Blancos, no hay dragones, ni CGI carísimo. Hay barro. Hay honor. Hay calor. Hay hambre. Y hay algo que en el universo principal escasea más que la empatía en King's Landing: decencia.

¿Qué es lo que me gustó? Que es muy fiel a los libros, para empezar. Que no estás viendo reyes mover ejércitos, estás viendo a un caballero sin un peso tratando de hacer lo correcto en un mundo que recompensa lo contrario. La drama Targaryen todavía está en pañales...o se toca de costado, al menos. a dupla de Dunk y Egg funciona como en el libro...muy bien. Hay cosas que no funcionan, obvio, como la chica titiritera que se antoja, al menos su casting como cumplimiento de minoría. Guarda...el personaje sí existe en los libros, y es fundamental. La actriz, en lo personal, no me terminó de cerrar.

Si te copó ver cómo se fue pudriendo todo en Westeros, esto es como mirar los cimientos antes de que alguien diga “che, ¿y si nos matamos entre todos por una silla incómoda?”. Es una historia simple, sí. Trillada, tal vez. Es la típica historia del underdog queriéndose hacer un lugar en el mundo pero sin traicionar sus valores. No muy original, pero llevado a cabo hermosamente. 

Le tenía fe y no decepcionó. 

FICHA TÉCNICA:          
PAÍS: U.S.A.
AÑO: 2026
GÉNERO:  drama / acción / épica / aventuras
DURACIÓN: 6 x 40 minutos
GUIÓN: 8 /10  
DIRECCIÓN: 10 / 10
ACTUACIONES: 8 /10  
CGI: 8 / 10
RATED: PG-12

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UNA BATALLA TRAS OTRA

Nominada al Oscar por Mejor Película, Mejor Actor (Leonardo DiCaprio), Mejor Actriz de Reparto (Teyana Taylor), Mejor Actor de Reparto (Benicio del Toro y Sean Penn), Mejor Director (Paul Thomas Anderson),y varias nominaciones más. Y decís...OK...hay que verla! Y cuando la empezás a ver, decís "Qué carajo estoy viendo?"

Bob (Di Caprio) es un revolucionario enamorado de una líder revolucionaria llamada Perfidia (Taylor). Ésta es una revolucionaria obsesiva, adicta a la adrenalina de la lucha y a las armas, egoísta, dominante, y adicta al sexo. Él es amante de la pirotecnia, inmaduro, adicto a las drogas, y bueno...adicto también a Perfidia. Ambos son parte de un grupo llamado French 75, que lucha contra el status quo y el poder, mayoritariamente en manos de los blancos. Luego de una incursión, el Coronel Steven Lockjaw (una especie de Popeye el Marino de los militares, magistralmente interpretado por Penn) se obsesiona con Perfidia. Además de este "triángulo", otro hecho central será la hija de Bob y Perfidia. Desde el inicio vemos que Bob está mucho más involucrado con la crianza de su hija y la idea de dejar el French 75 que Perfidia; ella, sin querer resignar su libertad, un buen día se va. Ahora serán Bob y Willa - su hija - quienes vivan otro tipo de batalla...un día tras otro.

Bajo la dirección de Anderson, estamos ante una de esas historias que no se apuran en explicarse, que prefieren dejarte caer en el medio del caos —político, emocional y hasta existencial— para que vos mismo armes el rompecabezas. Y sí: puede ser desconcertante. Pero también es, de alguna forma, hipnótica. Visualmente, Anderson hace lo suyo: planos largos, silencios incómodos, y una narrativa que avanza más por atmósfera que por exposición. No te lleva de la mano. Te empuja.

DiCaprio compone un protagonista desgastado, paranoico, por momentos patético y por otros peligrosamente lúcido. Es de esos personajes que parecen estar siempre a medio paso de romperse… o de romper todo. La película juega constantemente con esa tensión: lo íntimo contra lo sistémico, lo personal contra lo ideológico. ¿Es una historia sobre resistencia? ¿Sobre culpa? ¿Sobre identidad? Un poco de todo eso. 

No es una película para todo el mundo. Ni siquiera sé si fue para mi, aunque creo adivinar el porqué tiene tantas nominaciones para estos Oscars 2026. Es un film que calza muy bien con cómo está la sociedad estadounidense hoy día: sin medias tintas, extremista. Hay mucho también con el tema de la narrativa y lo visual que la lleva a varias nominaciones. Y por supuesto, el reparto. 

A tu riesgo. Es definitivamente, algo diferente. 

FICHA TÉCNICA:          
PAÍS: USA / Australia
AÑO: 2025
GÉNERO:  drama / thriller / crimen / humor negro
DURACIÓN: 161 minutos
GUIÓN: 6 /10  
DIRECCIÓN: 8 / 10
ACTUACIONES: 8 /10  
RATED: PG-16

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MACHOS ALFA - Temporada 4

Hay series que uno empieza casi por inercia y, sin darse cuenta, termina esperando. "Machos Alfa" es una de esas. Y su cuarta temporada confirma algo que ya se sabía - me animaría a decir, mínimamente dela temporada 3 -: no es solo una comedia cómoda para el algoritmo, sino una serie que se anima a mirar un poco más profundo sin dejar de hacerte reír.

La base es la misma de siempre: tipos lidiando con un mundo que cambió más rápido de lo que ellos pudieron procesar. Masculinidades en revisión, discursos aprendidos a medias, contradicciones constantes y esa sensación de ir siempre un paso atrás. Pero en esta temporada hay algo distinto: menos urgencia por el chiste inmediato y más espacio para dejar que las situaciones incomoden.

La cuarta temporada no viene a reinventar "Machos Alfa", tampoco lo necesita. Lo que hace es afinar el tono. El humor sigue estando, pero ya no depende tanto del golpe fácil. Muchas veces el chiste aparece después, cuando uno procesa lo que acaba de ver. La serie entiende mejor que nunca que el verdadero conflicto no es el “macho alfa” caricaturesco, sino el tipo que cree haber entendido todo… y se da cuenta de que no. Y ahí es donde pega más fuerte. 

Sin spoilear, esta temporada expone más a sus personajes. Las decisiones pesan, las palabras tienen consecuencias y algunas actitudes dejan de ser simpáticas para volverse incómodas. Y está bien que así sea. Y a ver...yo decía que la serie no reinventa nada, pero esto no quiere decir que no haya cambios. Y que no descanse en el "macho alfa" caricaturesco, no quiere decir que esta temporada esté exenta de situaciones caricaturescas; el ejemplo más claro es que cuando "nuestros machos" se dan cuenta que necesitan "reconstruirse" anotándose en un campamento para recuperar la virilidad. Otra situación - si se quiere, más real - es cuando los 4 amigos deciden buscarse un apartamento para usar como "bulo" y así huir de sus vidas cotidianas por un rato, ya sea para llevarse a alguna mujer, dormir tranquilamente, o jugar a la play.

Si las primeras temporadas funcionaban como un retrato exagerado de ciertas conductas, la cuarta se siente más cercana, más adulta. No porque baje línea, sino porque confía en que el espectador ya entendió el juego. No es una temporada estridente ni polémica. Es más silenciosa, más punzante. Y por eso mismo, más efectiva. Y más corta. 6 episodios se sintieron un poco "poco".

"Machos Alfa" se ha convertido - con el paso de las temporadas - en una serie que se enfocaba en hacer reír de la deconstrucción del hombre a ser reflejo de hombres (y mujeres) que no nos es tan ajeno como nos gustaría creer. 

FICHA TÉCNICA:
PAÍS: España
AÑO: 2022 - 2026
GÉNERO: comedia
DURACIÓN: 30 minutos x 6 episodios
GUIÓN: 8 /10
DIRECCIÓN: 8 /10
ACTUACIONES: 8 /10

RATED: PG-16

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ALL HER FAULT

Hay series que parten de una premisa tan simple que da miedo. "All Her Fault" es una de esas. Conocida también por estos lares como "Su Peor Pesadilla", esta joyita de Prime Video que contó con varias nominaciones a los Critic Choice Awards - y una ganadora, Sarah Snook (conocida por su rol en "Succession"). 

Un gesto cotidiano, una decisión tomada en piloto automático, y de pronto el mundo se quiebra. Lo que parecía un trámite más se convierte en una pesadilla...lo peor que te puedas imaginar. 

La historia juega con un terror muy específico: el de la vida real. No hay monstruos ni conspiraciones grandilocuentes; hay culpa, silencios incómodos y esa sensación asfixiante de que todo pudo evitarse… si tan solo. Y ahí está el mayor acierto de la serie: te obliga a ponerte en el lugar de sus personajes, a pensar qué harías vos, y a descubrir que probablemente harías lo mismo.

Snook interpreta a Marissa Irvine, una madre que llega a una dirección donde supuestamente se encuentra su hijo en una cita de juegos, para desayunarse que la mujer que allí vive no sabe nada de tal cita ni conoce a la persona que supuestamente le dio la dirección de ese lugar. De allí en más comienza una carrera contrarreloj para encontrar al pequeño Milo. Pero no te confundas. Esta serie no es sólo sobre un secuestro. 

Cada episodio refuerza una idea tan incómoda como reconocible: la culpa siempre recae sobre ella. La serie construye su tensión no solo desde el misterio, sino desde una lógica social muy clara: cuando algo sale mal en el ámbito doméstico, emocional o familiar, la primera pregunta implícita es “¿qué hizo ella?”. Y "All Her Fault" no esquiva eso; al contrario, lo pone en primer plano.

La mujer carga con la responsabilidad absoluta: por confiar, por decidir, por no verificar, por actuar “como se espera” que actúe. Sus errores son amplificados, diseccionados, juzgados con lupa. Cada episodio vuelve sobre esa culpa, la revisita desde distintos ángulos y la convierte en motor narrativo. No importa cuánto contexto haya, ni cuántas variables externas entren en juego: el relato siempre encuentra la forma de volver a señalarla a ella.

En contraste, la figura masculina aparece sistemáticamente exenta. El hombre puede estar ausente, desentendido, emocionalmente distante o directamente equivocado, pero rara vez es interpelado con la misma dureza. Su falta es circunstancial; la de ella, estructural. Él “no sabía”, “no estaba”, “no era su turno”. Ella debería haber previsto, anticipado, intuido. Ojo. No todos los hombres son así, y eso también queda claro en la serie.

Lo interesante —y perturbador— es que la serie no subraya esto de manera explícita. No hay discursos ni bajadas de línea. Está todo en el subtexto, en cómo reaccionan los demás personajes, en las preguntas que se hacen, en las miradas de reproche. Incluso el espectador cae en la trampa: también juzga primero a ella. También se pregunta qué hizo mal.

Ahí es donde "All Her Fault" se vuelve más filosa de lo que parece. Porque no solo cuenta una historia de culpa, sino que expone un mecanismo cultural: la maternidad, el cuidado y la responsabilidad emocional siguen siendo terrenos donde el margen de error femenino es mínimo, casi inexistente. En ese sentido, la serie funciona casi como un espejo incómodo. No acusa, no denuncia abiertamente, pero deja claro que la culpa no se reparte de forma equitativa. Y cuando termina el episodio, la pregunta no es solo qué pasó, sino por qué —una vez más— la culpa fue toda de ella (sea quien sea ella).

Narrativamente, "All Her Fault" se mueve con ritmo contenido pero constante. No necesita golpes bajos ni giros absurdos; prefiere construir tensión desde lo emocional, desde lo que no se dice, desde las miradas y las decisiones mal calculadas. Cada episodio agrega una capa más a la culpa y al desconcierto, y cuando querés acordar ya estás atrapado, haciendo teorías y dudando de todos.

Las actuaciones acompañan muy bien ese tono, sobre todo las de Dakota Fanning, Jake Lacy, y Michael Peña. Nadie sobreactúa, nadie busca lucirse de más. Todo está al servicio de una atmósfera incómoda, realista, casi cotidiana, que hace que el golpe sea más fuerte cuando llega.

¿Es una serie perfecta? No. Por momentos estira un poco ciertas situaciones y algunos conflictos podrían resolverse con una conversación honesta. Pero justamente ahí está su verdad: la gente no siempre habla cuando debería, y la culpa suele ser una pésima consejera.

FICHA TÉCNICA:          
PAÍS: USA / Australia
AÑO: 2025
GÉNERO:  drama / thriller
DURACIÓN: 8 x 60 minutos
GUIÓN: 9 /10  
DIRECCIÓN: 8 / 10
ACTUACIONES: 8 /10  
RATED: PG-17

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EL ÚLTIMO SAMURÁI EN PIE

Un amigo alemán, con quien somos bastante afines en términos de literatura, series, y películas, me recomendó ver "The Last Samurai Standing" ("El Último Samurai en Pie"). Sus palabras mas o menos fueron: "Si te gustó El Juego del Calamar, y te gustan los samurais, esta serie es para vos." Y, bien podría reducirse a eso. De hecho, eso fue lo que sentí luego de ver el primer episodio. Sin embargo, luego vi que se iban agregando otros elementos (tiene algo de "John Wick" y un poco también de "The Last of Us"). Como le diría Shrek a Burro: hay capas como en una cebolla. Pero...las comparaciones, luego, primero dejame contarte de qué va la serie.

Año 1878, la Rebelión de Satsuma de Saigö Takamori contra la modernización japonesa ya pasó, y los samurais perdieron. La era Meiji está desarrollándose; Japón se occidentaliza, adopta nuevas estructuras, nuevas políticas, y el samurai como figura se vuelve obsoleto, y sus privilegios eliminados. Ya no se lo considera parte de una élite guerrera, y los señores feudales a quienes servían han desaparecido o transformado. Criados bajo las pautas del Bushido (un estricto código de honor), algunos prefieren la muerte antes que entregar su espada. Otros...especialmente aquellos con familia, tratan de sobrevivir como pueden. Para peor, el cólera afecta gran parte de Japón, mermando la comida, y siendo miles los fallecidos a causa de esta enfermedad. En este contexto - que fue real - se nos presenta a un samurái veterano, leyenda entre sus congéneres, con dos hijos afectados por cólera. Obligado a vender su espada por un poco de pan es cuando se topa con un aviso impreso instando a cualquier samurai que quede en la vuelta a participar de un torneo donde el premio serán 100 mil millones de yenes. Shujiro Saga (Jun'ichi Okada) no es un héroe idealizado ni una figura mítica: es un hombre cansado, marcado por decisiones pasadas, que se mantiene en pie por una única razón — el amor por su familia. 

El actor, cómo está dirigido y escrito su personaje, es uno de los grandes aciertos de la serie (que tiene varios). La actuación es contenida, austera, casi minimalista. No hay grandes monólogos ni frases diseñadas para el tráiler: todo se transmite desde el gesto, desde una mirada que carga más historia que cualquier diálogo. Esa contención le da una fuerza especial al relato y evita caer en el sentimentalismo fácil. Los personajes secundarios funcionan como contrapunto: algunos representan la adaptación al nuevo orden, otros la traición a los viejos valores, y otros simplemente la aceptación resignada de que el tiempo avanza sin pedir permiso. Y...como en "El Juego del Calamar", muchos personajes que nos generan simpatía, podrían no durar mucho en pantalla.

Hablando de la dirección, esta apuesta por un ritmo pausado, deliberado, que acompaña el espíritu de la historia. No es una película apurada, y tampoco debería serlo. Cuando la violencia aparece, lo hace sin glorificación: es breve, seca y profundamente triste. Cada enfrentamiento tiene peso narrativo y emocional. Hay lugar para grandes batallas? Sí. Ya en el primer episodio la hay. Y en el sexto también. Y alguna más por el medio. Y son soberbias. 

En lo visual, "The Last Samurai Standing" es sobria y elegante. La fotografía utiliza paisajes naturales, templos y espacios abiertos para reforzar la sensación de un mundo que se vacía. Los colores apagados y los tonos tierra subrayan esa idea constante de final de era, de despedida inevitable.

Más allá de la espada y la armadura, la película habla de algo universal: qué ocurre cuando los valores que te definieron dejan de tener lugar en la sociedad. Es un relato sobre la dignidad, la resistencia silenciosa y el costo de mantenerse fiel a uno mismo cuando todo alrededor te empuja a cambiar. Y es ahí donde más difiere con "El Juego del Calamar". No hay violencia gratuita, aunque sí haya quien pague para que los samurais se maten entre si. No se está en un lugar sin poder salir; hay un camino que recorrer. No hay avaricia por un premio. Hay la necesidad de ganar para sobrevivir, de demostrar que uno ya no es obsoleto.

"El Último Samurai en Pie" no es para todos los públicos, ni lo intenta. Es reflexiva, melancólica y profundamente humana. Y si...muy violenta. Pero para quienes disfrutan de historias sobre el final de una era, personajes que cargan el peso del pasado y películas que confían en el silencio tanto como en la imagen, esta es una experiencia que vale la pena.

Ya ansioso de que salga la segunda temporada!

FICHA TÉCNICA:          
PAÍS: Japón
AÑO: 2025
GÉNERO:  drama / horror / ciencia ficción / misterio
DURACIÓN: 6 x 50 minutos
GUIÓN: 9 /10  
DIRECCIÓN: 10 / 10
ACTUACIONES: 8 /10  
CGI: 10 / 10
RATED: PG-17

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