EL CABALLERO DE LOS SIETE REINOS

Antes de que el mundo se volviera un tablero de ajedrez sangriento lleno de dragones, traiciones nivel corporativo y bodas que terminan peor que un asado sin sal, George R. R. Martin nos muestra un Westeros más chico… pero no por eso menos peligroso. Y sí...si tu pregunta es ¿Está a la altura de "Juego de Tronos"?

Esta nueva producción de HBO amalgama la trilogía homónima, formada por "El Caballero Errante" (1998), "La Espada Leal" (2003), y "El Caballero Misterioso" (2010), una especie de slow burn medieval buddy movie: seguís a Ser Duncan el Alto (interpretado por Peter Claffey, un ex-jugador de rugby irlandés=—un tanque de bondad con 0 puntos en IQ político— y a su escudero Egg , un nene pelado que claramente oculta algo (interpretado magistralmente por el pequeño de 12 años Dexter Sol Ansell). ¿Ignotos? Si. ¿Tenemos actores de renombre? Bueno...es relativo. Danny Webb ("Alien"), Daniel Monks ("All Her Fault"), Daniel Ings ("Los Caballeros")...O.K....por ahí no muuuy conocidos, pero sí muy buenos en sus roles. 

"El Caballero de los Siete Reinos" es una precuela de G.O.T. y sucede unos 70 años antes de la serie más popular de Martin, pero está bajada a tierra. Acá no hay Caminantes Blancos, no hay dragones, ni CGI carísimo. Hay barro. Hay honor. Hay calor. Hay hambre. Y hay algo que en el universo principal escasea más que la empatía en King's Landing: decencia.

¿Qué es lo que me gustó? Que es muy fiel a los libros, para empezar. Que no estás viendo reyes mover ejércitos, estás viendo a un caballero sin un peso tratando de hacer lo correcto en un mundo que recompensa lo contrario. La drama Targaryen todavía está en pañales...o se toca de costado, al menos. a dupla de Dunk y Egg funciona como en el libro...muy bien. Hay cosas que no funcionan, obvio, como la chica titiritera que se antoja, al menos su casting como cumplimiento de minoría. Guarda...el personaje sí existe en los libros, y es fundamental. La actriz, en lo personal, no me terminó de cerrar.

Si te copó ver cómo se fue pudriendo todo en Westeros, esto es como mirar los cimientos antes de que alguien diga “che, ¿y si nos matamos entre todos por una silla incómoda?”. Es una historia simple, sí. Trillada, tal vez. Es la típica historia del underdog queriéndose hacer un lugar en el mundo pero sin traicionar sus valores. No muy original, pero llevado a cabo hermosamente. 

Le tenía fe y no decepcionó. 

FICHA TÉCNICA:          
PAÍS: U.S.A.
AÑO: 2026
GÉNERO:  drama / acción / épica / aventuras
DURACIÓN: 6 x 40 minutos
GUIÓN: 8 /10  
DIRECCIÓN: 10 / 10
ACTUACIONES: 8 /10  
CGI: 8 / 10
RATED: PG-12

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UNA BATALLA TRAS OTRA

Nominada al Oscar por Mejor Película, Mejor Actor (Leonardo DiCaprio), Mejor Actriz de Reparto (Teyana Taylor), Mejor Actor de Reparto (Benicio del Toro y Sean Penn), Mejor Director (Paul Thomas Anderson),y varias nominaciones más. Y decís...OK...hay que verla! Y cuando la empezás a ver, decís "Qué carajo estoy viendo?"

Bob (Di Caprio) es un revolucionario enamorado de una líder revolucionaria llamada Perfidia (Taylor). Ésta es una revolucionaria obsesiva, adicta a la adrenalina de la lucha y a las armas, egoísta, dominante, y adicta al sexo. Él es amante de la pirotecnia, inmaduro, adicto a las drogas, y bueno...adicto también a Perfidia. Ambos son parte de un grupo llamado French 75, que lucha contra el status quo y el poder, mayoritariamente en manos de los blancos. Luego de una incursión, el Coronel Steven Lockjaw (una especie de Popeye el Marino de los militares, magistralmente interpretado por Penn) se obsesiona con Perfidia. Además de este "triángulo", otro hecho central será la hija de Bob y Perfidia. Desde el inicio vemos que Bob está mucho más involucrado con la crianza de su hija y la idea de dejar el French 75 que Perfidia; ella, sin querer resignar su libertad, un buen día se va. Ahora serán Bob y Willa - su hija - quienes vivan otro tipo de batalla...un día tras otro.

Bajo la dirección de Anderson, estamos ante una de esas historias que no se apuran en explicarse, que prefieren dejarte caer en el medio del caos —político, emocional y hasta existencial— para que vos mismo armes el rompecabezas. Y sí: puede ser desconcertante. Pero también es, de alguna forma, hipnótica. Visualmente, Anderson hace lo suyo: planos largos, silencios incómodos, y una narrativa que avanza más por atmósfera que por exposición. No te lleva de la mano. Te empuja.

DiCaprio compone un protagonista desgastado, paranoico, por momentos patético y por otros peligrosamente lúcido. Es de esos personajes que parecen estar siempre a medio paso de romperse… o de romper todo. La película juega constantemente con esa tensión: lo íntimo contra lo sistémico, lo personal contra lo ideológico. ¿Es una historia sobre resistencia? ¿Sobre culpa? ¿Sobre identidad? Un poco de todo eso. 

No es una película para todo el mundo. Ni siquiera sé si fue para mi, aunque creo adivinar el porqué tiene tantas nominaciones para estos Oscars 2026. Es un film que calza muy bien con cómo está la sociedad estadounidense hoy día: sin medias tintas, extremista. Hay mucho también con el tema de la narrativa y lo visual que la lleva a varias nominaciones. Y por supuesto, el reparto. 

A tu riesgo. Es definitivamente, algo diferente. 

FICHA TÉCNICA:          
PAÍS: USA / Australia
AÑO: 2025
GÉNERO:  drama / thriller / crimen / humor negro
DURACIÓN: 161 minutos
GUIÓN: 6 /10  
DIRECCIÓN: 8 / 10
ACTUACIONES: 8 /10  
RATED: PG-16

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MACHOS ALFA - Temporada 4

Hay series que uno empieza casi por inercia y, sin darse cuenta, termina esperando. "Machos Alfa" es una de esas. Y su cuarta temporada confirma algo que ya se sabía - me animaría a decir, mínimamente dela temporada 3 -: no es solo una comedia cómoda para el algoritmo, sino una serie que se anima a mirar un poco más profundo sin dejar de hacerte reír.

La base es la misma de siempre: tipos lidiando con un mundo que cambió más rápido de lo que ellos pudieron procesar. Masculinidades en revisión, discursos aprendidos a medias, contradicciones constantes y esa sensación de ir siempre un paso atrás. Pero en esta temporada hay algo distinto: menos urgencia por el chiste inmediato y más espacio para dejar que las situaciones incomoden.

La cuarta temporada no viene a reinventar "Machos Alfa", tampoco lo necesita. Lo que hace es afinar el tono. El humor sigue estando, pero ya no depende tanto del golpe fácil. Muchas veces el chiste aparece después, cuando uno procesa lo que acaba de ver. La serie entiende mejor que nunca que el verdadero conflicto no es el “macho alfa” caricaturesco, sino el tipo que cree haber entendido todo… y se da cuenta de que no. Y ahí es donde pega más fuerte. 

Sin spoilear, esta temporada expone más a sus personajes. Las decisiones pesan, las palabras tienen consecuencias y algunas actitudes dejan de ser simpáticas para volverse incómodas. Y está bien que así sea. Y a ver...yo decía que la serie no reinventa nada, pero esto no quiere decir que no haya cambios. Y que no descanse en el "macho alfa" caricaturesco, no quiere decir que esta temporada esté exenta de situaciones caricaturescas; el ejemplo más claro es que cuando "nuestros machos" se dan cuenta que necesitan "reconstruirse" anotándose en un campamento para recuperar la virilidad. Otra situación - si se quiere, más real - es cuando los 4 amigos deciden buscarse un apartamento para usar como "bulo" y así huir de sus vidas cotidianas por un rato, ya sea para llevarse a alguna mujer, dormir tranquilamente, o jugar a la play.

Si las primeras temporadas funcionaban como un retrato exagerado de ciertas conductas, la cuarta se siente más cercana, más adulta. No porque baje línea, sino porque confía en que el espectador ya entendió el juego. No es una temporada estridente ni polémica. Es más silenciosa, más punzante. Y por eso mismo, más efectiva. Y más corta. 6 episodios se sintieron un poco "poco".

"Machos Alfa" se ha convertido - con el paso de las temporadas - en una serie que se enfocaba en hacer reír de la deconstrucción del hombre a ser reflejo de hombres (y mujeres) que no nos es tan ajeno como nos gustaría creer. 

FICHA TÉCNICA:
PAÍS: España
AÑO: 2022 - 2026
GÉNERO: comedia
DURACIÓN: 30 minutos x 6 episodios
GUIÓN: 8 /10
DIRECCIÓN: 8 /10
ACTUACIONES: 8 /10

RATED: PG-16

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ALL HER FAULT

Hay series que parten de una premisa tan simple que da miedo. "All Her Fault" es una de esas. Conocida también por estos lares como "Su Peor Pesadilla", esta joyita de Prime Video que contó con varias nominaciones a los Critic Choice Awards - y una ganadora, Sarah Snook (conocida por su rol en "Succession"). 

Un gesto cotidiano, una decisión tomada en piloto automático, y de pronto el mundo se quiebra. Lo que parecía un trámite más se convierte en una pesadilla...lo peor que te puedas imaginar. 

La historia juega con un terror muy específico: el de la vida real. No hay monstruos ni conspiraciones grandilocuentes; hay culpa, silencios incómodos y esa sensación asfixiante de que todo pudo evitarse… si tan solo. Y ahí está el mayor acierto de la serie: te obliga a ponerte en el lugar de sus personajes, a pensar qué harías vos, y a descubrir que probablemente harías lo mismo.

Snook interpreta a Marissa Irvine, una madre que llega a una dirección donde supuestamente se encuentra su hijo en una cita de juegos, para desayunarse que la mujer que allí vive no sabe nada de tal cita ni conoce a la persona que supuestamente le dio la dirección de ese lugar. De allí en más comienza una carrera contrarreloj para encontrar al pequeño Milo. Pero no te confundas. Esta serie no es sólo sobre un secuestro. 

Cada episodio refuerza una idea tan incómoda como reconocible: la culpa siempre recae sobre ella. La serie construye su tensión no solo desde el misterio, sino desde una lógica social muy clara: cuando algo sale mal en el ámbito doméstico, emocional o familiar, la primera pregunta implícita es “¿qué hizo ella?”. Y "All Her Fault" no esquiva eso; al contrario, lo pone en primer plano.

La mujer carga con la responsabilidad absoluta: por confiar, por decidir, por no verificar, por actuar “como se espera” que actúe. Sus errores son amplificados, diseccionados, juzgados con lupa. Cada episodio vuelve sobre esa culpa, la revisita desde distintos ángulos y la convierte en motor narrativo. No importa cuánto contexto haya, ni cuántas variables externas entren en juego: el relato siempre encuentra la forma de volver a señalarla a ella.

En contraste, la figura masculina aparece sistemáticamente exenta. El hombre puede estar ausente, desentendido, emocionalmente distante o directamente equivocado, pero rara vez es interpelado con la misma dureza. Su falta es circunstancial; la de ella, estructural. Él “no sabía”, “no estaba”, “no era su turno”. Ella debería haber previsto, anticipado, intuido. Ojo. No todos los hombres son así, y eso también queda claro en la serie.

Lo interesante —y perturbador— es que la serie no subraya esto de manera explícita. No hay discursos ni bajadas de línea. Está todo en el subtexto, en cómo reaccionan los demás personajes, en las preguntas que se hacen, en las miradas de reproche. Incluso el espectador cae en la trampa: también juzga primero a ella. También se pregunta qué hizo mal.

Ahí es donde "All Her Fault" se vuelve más filosa de lo que parece. Porque no solo cuenta una historia de culpa, sino que expone un mecanismo cultural: la maternidad, el cuidado y la responsabilidad emocional siguen siendo terrenos donde el margen de error femenino es mínimo, casi inexistente. En ese sentido, la serie funciona casi como un espejo incómodo. No acusa, no denuncia abiertamente, pero deja claro que la culpa no se reparte de forma equitativa. Y cuando termina el episodio, la pregunta no es solo qué pasó, sino por qué —una vez más— la culpa fue toda de ella (sea quien sea ella).

Narrativamente, "All Her Fault" se mueve con ritmo contenido pero constante. No necesita golpes bajos ni giros absurdos; prefiere construir tensión desde lo emocional, desde lo que no se dice, desde las miradas y las decisiones mal calculadas. Cada episodio agrega una capa más a la culpa y al desconcierto, y cuando querés acordar ya estás atrapado, haciendo teorías y dudando de todos.

Las actuaciones acompañan muy bien ese tono, sobre todo las de Dakota Fanning, Jake Lacy, y Michael Peña. Nadie sobreactúa, nadie busca lucirse de más. Todo está al servicio de una atmósfera incómoda, realista, casi cotidiana, que hace que el golpe sea más fuerte cuando llega.

¿Es una serie perfecta? No. Por momentos estira un poco ciertas situaciones y algunos conflictos podrían resolverse con una conversación honesta. Pero justamente ahí está su verdad: la gente no siempre habla cuando debería, y la culpa suele ser una pésima consejera.

FICHA TÉCNICA:          
PAÍS: USA / Australia
AÑO: 2025
GÉNERO:  drama / thriller
DURACIÓN: 8 x 60 minutos
GUIÓN: 9 /10  
DIRECCIÓN: 8 / 10
ACTUACIONES: 8 /10  
RATED: PG-17

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STRANGER THINGS Temporada 5 Final

Hay series que se terminan, y uno termina diciendo "Era hora!". Otras, que por más que se hayan vuelto repetitivas (y que perfectamente se hubiesen podido terminar 2 o 3 temporadas antes), una vez que no están, las extrañas. En lo personal, esto me sucedió con el "Arrowverse" (todos esas series del DCEU - "Arrow", "The Flash", "Supergirl", "DC Legends of Tomorrow", y alguna más) al cual le dediqué entre 400 y 500 horas de mi vida (Si! Calculale unos 588+ episodios). 

Y... hay series que cierran una etapa de la vida: "Friends", "The Big BangTheory", "Game of Thrones", y por supuesto... "Strangers Things". Si...obvio que tal vez en tu lista estén "The Sopranos","Vikings", "Breaking Bad", "Peaky Blinders" o alguna otra, pero bueno, se entiende a lo que voy, no?

La quinta y última temporada encara su recta final con una misión clara: atar todos los hilos, dar respuestas largamente postergadas y permitir que sus personajes —y nosotros con ellos— puedan, al fin, soltar. No es una temporada pensada para impactar con giros constantes, aunque sí para dejar un impacto duradero (y también algún mensajito de agenda social perfectamente evitable, o al menos, encarable desde otro lado). Esta temporada también está pensada para concluir, para mirar hacia atrás y resignificar todo lo vivido desde aquel primer episodio en Hawkins.

Como siempre, obvio que si no viste las temporadas anteriores, por acá te dejo esas reseñas(si...ya sé...la 2 nunca fue escrita..):

Temporada 1

Temporada 3

Temporada 4

Para esta quinta entrega el mundo ya no puede fingir normalidad. Lo ocurrido anteriormente dejó marcas visibles, físicas y emocionales, y la amenaza ya no es algo que se esconde en las sombras: es una consecuencia. La temporada se apoya fuerte en la ciencia ficción, explorando ideas como la materia exótica, los agujeros de gusano y una reinterpretación clave del Upside Down, que deja en claro que nunca fue exactamente lo que los protagonistas —ni el espectador— creían.

Este enfoque le da a la temporada un tono distinto. Hay menos terror inmediato y más construcción teórica, más explicación, más épica. La sensación constante es la de estar frente a un rompecabezas que finalmente empieza a mostrar la imagen completa; una imagen que, seamos honestos, es difícil de entender. Esa elección narrativa desemboca en un cierre controversial, con un tono más “rosa” de lo esperado para una serie que supo ser oscura y opresiva en sus comienzos.

Yendo a los personajes, huelga arrancar por Eleven (Once para nosotros). Creo que en muchos momentos de esta temporada el centro se aleja de ella, con los aciertos o errores que esto pueda tener. Eleven enfrenta las consecuencias emocionales de todo lo vivido y su viaje es menos físico y más identitario. Es una conclusión coherente para un personaje que siempre cargó con el peso de ser “la solución”. Ahora, hablando del físico, los cambios físicos - y alguna cirugía de por medio - parecen haberle quitado expresividad. También su rol ha cambiado un poco, ya se pasó de un "no obliguemos a El a enfrentarse con Vecna" a "dale su recarga alimenticia y que vuelva a la lucha". Parece también que hubiese cierto retroceso en la relación entre ella y Hopper.

Mike asume un rol más maduro, lejos del chico impulsivo de las primeras temporadas. Esta vez su conflicto pasa por liderar sin controlar, por aceptar que crecer también implica dejar ir. Su desarrollo conecta directamente con el eje emocional de la temporada.

Dustin, de cierta forma, siempre fue el corazón del grupo, aquel que se mandaba las macanas, pero también el que más expresaba. El corazón del grupo sigue intacto. Su arco está atravesado por la pérdida y por la necesidad de honrar lo que ya no está, sin perder la capacidad de asombro que siempre lo caracterizó, y sin él, el grupo hubiese sido incapaz de idear un plan en casi ninguna temporada.

Probablemente uno de los personajes con mayor crecimiento silencioso es Lucas, quien enfrenta decisiones difíciles y demuestra que la valentía no siempre es frontal. Su recorrido habla de responsabilidad emocional y de hacerse cargo, incluso cuando duele. Su amor por Max es el más honesto y "jugado" de los que se ven. Carta clave para ese personaje. Sin entrar en detalles, su presencia en la temporada es fundamental desde lo simbólico. Max representa el trauma, la fragilidad y la lucha interna. Su arco no es de acción, sino de sanación.

Will vuelve a ocupar un lugar central, no desde el misterio sino desde la sensibilidad. Es el personaje que mejor encarna el fin de la infancia, la nostalgia y la dificultad de cerrar ciclos. Su desarrollo es sutil, pero profundamente emotivo. Hay una escena muy debatida - y que acompaña el episodio con peor rating de las 5 temporadas! - y es cuando Will declara su homosexualidad (algo que se venía manifestando, mínimamente, desde la tercer temporada). Y la verdad sea dicha, se podría haber encarado de mil maneras distintas, y ésta no fue la mejor. Lució más como una declaración comunitaria que como una confesión, si bien la actuación de Noah Schnapp aquí es sublime. 

En cuanto a los otros personajes, bueno, Steve deja de buscar su redención. Ya hizo las paces consigo mismo, y ahora sólo queda que las haga con Jonathan. Su arco es una despedida elegante de uno de los favoritos del público. Nancy aquí está convertida en una pequeña "Rambo", y este giro si que "puajj". Lo más interesante es una conversación "in extremis" que tiene con Jonathan y su futuro como pareja.

Con muchos minutos de pantalla - demasiados para un personaje secundario - Robin sigue encarnando la frescura y empatía, pero con mayor profundidad emocional. Va a ayudar en su camino a Will, y tendrá parte vital en un relato final (oopss...spoiler?)

Finalmente nos encontramos con los adultos: Joyce y Hopper. Sus arcos hablan de segundas oportunidades, de reconstrucción y de aprender a vivir después del trauma. 

Claro, no nos podemos quedar con esto. Hay que destacar la participación de Brett Gelman ("Metal Lords") como Murray y la de Jamie Campbell Bower ("Cazadores de Sombras") como Vecna / Henry. Lo de Linda Hamilton ("Terminator")..bueh...muy, muy debatible.

Mencionar que, obviamente, las referencias ochenteras siguen presentes, pero ya no son el motor. La música, funciona sólo de a ratos,y tiene una menor preponderancia que antes. Es 1987 viejo...tenés temazos de rock como "Living on a Prayer" de Bon Jovi, "Wild Side" de Mötley Crüe, o "Welcome to the Jungle" de los Guns...cualquiera de ellos cuajaría divinamente. No querés rock? Tenés "Bad" de Michael Jackson, "With or Without You" / "I Still Haven't Found" de U2, Whitney Houston con "I Wanna Dance with Somebody" o incluso Madonna con "Open your Heart". Pero no...nada.

Por otrolado,el trabajo del cast es sólido y comprometido, y la sensación que deja el final es inevitable: vacío. Porque "Stranger Things" no solo cuenta una historia, sino que acompañó a una generación durante años. Vimos crecer a los personajes, pero también a los actores, y eso se siente.

La temporada 5 no busca asustar como antes. Busca cerrar. Y lo hace abrazando sus temas fundamentales: el coming of age, la amistad eterna, el legado, la superación de traumas, y la resiliencia.

Todo termina. "Stranger Things" incluída. Fue un gran viaje. Y seguir adelante también es parte de la historia.

FICHA TÉCNICA:          
PAÍS: USA
AÑO: 2016 - 2025
GÉNERO:  drama / horror / ciencia ficción / misterio
DURACIÓN: desde 75 a 130 minutos dependiendo del episodio
GUIÓN: 6 /10  
DIRECCIÓN: 8 / 10
ACTUACIONES: 9 /10  
CGI: 9 / 10
RATED: PG-16

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FRANKENSTEIN

Adaptaciones del famoso personaje creado por Mary Shelley en 1818 (hace más de 200 años!) han habido cientos, literalmente. Ahora, si Benicio del Toro se anima a encararse con una "vaca sagrada" de la literatura como esta, hay que prestarle atención.  Su "Frankenstein" es una ópera gótica con aura de tristeza, una película que no busca gritar terror sino respirar desolación, como si cada plano fuera un suspiro atrapado entre montañas nevadas y laboratorios que huelen a óxido y fracaso humano.

La historia se cuenta cercana al material original de la Shelley: menos “terror hollywoodense” y más preguntas dolorosas sobre crear, abandonar y ser responsable, con una narrativa que alterna la voz del creador (Viktor Frankenstein) y la criatura —dos versiones de un mismo pecado que se persiguen como si cada uno fuera el fantasma del otro. Ese juego de espejos es, quizá, lo mejor de la película. Sin embargo, no es lo único a destacar. Las actuaciones, por ejemplo, son algo sublime.

Por un lado tenemos a Viktor Frankenstein (interpretado por un Oscar Isaac - "Ex-Machina" - al que cuesta acostumbrarse al principio, pero que luego vemos como hace el papel suyo). Un hombre que arranca como científico idealista —un romántico obsesionado con “burlar a la muerte” y darle sentido al dolor— y termina derrapando en arrogancia, culpa y repulsión. Isaac construye a Viktor con un temblor interno constante: parece estar un paso antes del derrumbe emocional, y verlo odiar lo que creó es una daga que Del Toro clava con elegancia. Eso sí, a mi gusto, la repugnancia por su propia creación llega demasiado pronto. Ahí falta un poco de desarrollo.

Por otro lado, Jacob Elordi ("Euphoria") como "la criatura". Más cerca de un ángel caído que un monstruo clásico, Elordi arrastra el cuerpo como si le pesara el mundo, con una voz que parece aprender a existir mientras habla. Su criatura no asusta; duele. Es torpe, frágil, noble cuando puede, feroz cuando lo arrinconan. En sus manos, la condena de Shelley respira de nuevo. Ambos están fantásticos, y su química —hecha de distancia, de rechazo, de necesidad— sostiene la película.

Pero las actuaciones no son lo único a destacar: el diseño, la fotografía, el maquillaje, y el vestuario se llevan también sendos aplausos. Con un cuidado artesanal por el "look" de los personajes, los vestuarios ya cuentan de por sí una historia. Acá, además el maquillaje de la propia bestia (de entre 10 y 11 horas diarias, con 42 piezas prostéticas) es digno de nominación al Oscar. Por su parte la fotografía, con las panorámicas del ártico, la fortaleza donde se "crea" al monstruo, e incluso en las calles sucias de una ciudad atestada, es una obra de arte; rojos, azules, y blancos jugando su juego.

No todo es perfecto. El CGI parece quedar en el debe por muchos momentos, pero en la sabiduría de Del Toro, éste fue muy limitado (lástima lo de los lobos), ya que prefirió hacerlo todo " a la vieja usanza", con dobles, cables, y todo eso del buen cine de antes.

Por otro lado, el personaje de Lisa (Mia Goth - "MaXXXine") parece poco desarrollado, aunque podría darnos lugar a una secuela (no, no pienso spoilearte el porqué). Mérito sí para Del Toro, quien le da más proactividad a este personaje con respecto al libro. Hablando de ello, si bien en la obra original de Shelley, el hermano de Viktor cumple una función, hay un elemento clave que los diferencia. Por otro lado, el personaje interpretado por  Christoph Waltz ("Bastardos Sin Gloria") no existe en el libro. Si bien es una adición interesante, no sé si hubiese sido tan necesario o un mero capricho del director. 

Dicho todo esto,este "Frankenstein" sí vale la pena. Ya sea seas un fanático del personaje o quieras descubrir un lado nuevo del mismo (o simplemente disfrutar de un buen drama de terror).

FICHA TÉCNICA:          
PAÍS: USA 
AÑO: 2025
GÉNERO:  drama / horror / steampunk / fantasía oscura / terror monstruoso 
DURACIÓN: 149 minutos
GUIÓN: 7 /10  
DIRECCIÓN: 9 / 10
ACTUACIONES: 9 /10

CGI: 6 / 10

PRESUPUESTO / GANANCIAS: US$ 120.000.000 / US$ 144.496

RATED: PG-16

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LAS CUATRO ESTACIONES

"Las Cuatro Estaciones" es una de esas series que tengo en borradores desde hace meses y que nunca reseñé (pero como prometí, iremos poniéndonos al día). Con un reparto genial, es una serie que a priori parece liviana, casi inofensiva, pero que avanza con una precisión emocional bastante más afilada de lo que uno podría esperar. No busca impactar ni forzar conflictos: su apuesta es observar, escuchar y dejar que el paso del tiempo haga el trabajo pesado.

Basada en la película del '81, escrita, dirigida, y actuada por Alan Alda (M.A.S.H.) - quien acá (44 años después) tiene un pequeño rol como Don, el padre de Anne - la historia nos lleva por las relaciones, la maduración, y los cambios de 3 parejas de amigos bien distintas, que se juntan todos los años para vacacionar (siempre en distintas estaciones del año - algo en lo que ahondaré luego). Estas parejas son las de Kate (Tina Fey - "Saturday Night Live") y Jack (Will Forte - "MacGruber"), la de Anne (Kerri Kenney - "Reno 911!") y Nick (Steve Carrell - "The Office"), y la de Danny (Colman Domingo - "Lincoln") y Claude (Marco Calvani - "Los Borgia"). A medida que se dan las "juntadas" los problemas van surgiendo, siendo uno de los principales detonantes cuando una de estas se separa, y uno de los amigos comienza a llevar a su pareja, una chica mucho más joven que el resto. 

Steve Carell lidera el elenco desde un lugar contenido, lejos de la comedia explosiva que lo hizo famoso. Su actuación se apoya mucho en los gestos mínimos, las dudas y las contradicciones internas. Es un personaje que no se explica todo el tiempo, y eso lo vuelve más interesante. Carell entiende perfecto cuándo retirarse un paso y dejar que la escena respire.

Tina Fey es una de las grandes fortalezas de la serie. Se mueve con naturalidad entre el humor seco y la incomodidad emocional, aportando ironía sin romper el tono realista. Su personaje tiene capas, timing y una inteligencia emocional que evita cualquier caricatura. No roba escenas: las construye.

Colman Domingo eleva cada aparición. Tiene presencia, calidez y una humanidad que le da peso a las conversaciones más simples. Su actuación transmite experiencia de vida, incluso cuando el guion no subraya nada. Es de esos actores que mejoran una escena solo con estar ahí.

Will Forte juega un rol clave desde un registro más bajo y menos excéntrico de lo habitual - si bien con un sinnúmero de TOCs llamativos -. Acá no está para la risa fácil: su trabajo es sutil, incómodo por momentos, y muy efectivo para mostrar fragilidades masculinas sin necesidad de discursos. Es una actuación que crece con el correr de los episodios.

Marco Calvani, definitivamente el menos conocido del grupo, aporta una energía distinta, más emocionalmente expuesta. Su personaje funciona como catalizador de tensiones y preguntas que la serie quiere plantear. Calvani logra que esa apertura no resulte impostada, sino genuina y necesaria, si bien su personaje puede ser de a ratos un tanto estereotipado. 

Si te acordás, antes dejé un poco "colgado" el tema del nombre. Efectivamente inspirado en la música de Vivaldi, las 4 Estaciones hace además - como la música del compositor - referencia a los cambios en la vida, las relaciones, las revelaciones, el crecimiento, y la caída. La serie en sí está dividida en 4 arcos - uno por estación - comenzando por la primavera, con lo que esta conlleva: reinicio, renovación, y nacimiento (en este caso de conflictos o revelaciones). La serie termina en el invierno, con un giro inesperado, siendo tiempo de nuevas esperanzas para la primavera que se aproxima.

En lo técnico, la serie es sobria: fotografía naturalista, música bien medida y un ritmo deliberadamente pausado. No hay urgencia narrativa porque la historia no va de eventos, sino de vínculos, rutinas y pequeñas fracturas que se acumulan con el tiempo.

"Las Cuatro Estaciones" - con una temporada a estrenar en el 2026 - resulta una serie adulta, bien actuada y sin trucos. No te apura, no te explica de más, pero si entrás en su frecuencia, te deja pensando bastante después del último episodio.

FICHA TÉCNICA:          
PAÍS: USA 
AÑO: 2025
GÉNERO:  comedia / comedia romántica / drama
DURACIÓN: 30 minutos x 8 episodios
GUIÓN: 7 /10  
DIRECCIÓN: 9 / 10
ACTUACIONES: 8 /10

RATED: PG-16

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SUPERMAN

Puff...qué ganas que tenía de que me gustara!! Porque sí...hay películas que uno espera con fe, con ganas, con ese “capaz que esta vez sí la cuelgan del ángulo”. Encima con James Gunn detrás del volante. Sí...tenía toda la fe. Pero no, una vez más, salí decepcionado. 

Arranquemos por lo positivo, que lo tiene. Rachel Brosnahan ("La Maravillosa Sra. Maisel") es, de lejos, el personaje más acabado y más sólido de todo el elenco. Su Lois Lane es inteligente, filosa, presente, con energía y convicción. Cada vez que aparece, la película respira mejor. No es solo buena: es la columna vertebral emocional del film. Estéticamente es Lois Lane. Y su personaje está muy bien escrito. OK...yo tengo un "crush" con Brosnahan, pero juro que no miento en los conceptos (y les aseguro que es mera coincidencia que sean dos películas juntas las reseñadas con ella como actriz secundaria). 

Hablando de secundarios, éstos también sorprenden para bien: Lex Luthor (Nicholas Hoult - "Memorias de un Zombie Adolescente"), Eve Tessmacher (Sara Sampaio - "At Midnight") , Nathan Fillion ("Firefly") como Green Lantern y Mr. Terrific ("Edi Gathegi - "The Blacklist") aportan color, presencia y un tono muy de “comic vivo” que se agradece. Cada uno está armado con personalidad y funciona.

La película se ve espectacular. El uso del color es excelente: brillante sin quemar, vibrante sin volverse kitsch. Tiene esa estética de “página de cómic con presupuesto” que Gunn venía prometiendo. En lo visual, cumple y hasta encanta.
Pero en todo lo demás… bueno, ahí ya entramos en terreno complicado.

David Corenswet ("La Dama del Lago") luce como Superman. Punto. Eso nadie se lo saca. Tiene la mandíbula, la altura, la imagen de portada. Pero lo visual no sostiene un personaje por sí solo. Corenswet no captura la presencia ni el carisma de su predecesor, de Henry Cavill, un Superman más intenso, cuyos silencios y presencia llenaban la escena. Corenswet es tan "meh" que duele. No va ni siquiera por sus dotes como actor, ya que supo destacar, por ejemplo, en series como "Hollywood". es simplemente que no tiene peso, no tiene carisma, no es Superman. Y este error es todito de Gunn.

Otro fallo es que Clark Kent y Lois Lane ya están como pareja, lo que le quita al "build-up" de la historia muchísimo. Parte del encanto histórico de Superman es ver esa dinámica de miradas, torpezas, dudas, ese triángulo de dos personas entre Clark/Superman/Lois que siempre funciona porque es emocionalmente rico. Acá no hay nada de eso. Y para peor, ni siquiera Superman carga un conflicto de identidad. Sí hay una historia con Luthor que arrastra desde Smallville, pero no alcanza. Un Superman sin conflicto interno entre si ser "super" o no, no suma. Insisto: no es Superman.

Y bueh...luego está el detalle del perro. Acá me da que esta idea es más para atraer al público más menudo, aunque también puede ser un mero capricho de Gunn. Resta. Resta bastante. 

Gunn suele clavar chistes con timing quirúrgico. Acá no:
El humor es infantil, muy liviano, y casi nunca pega. Algunas escenas quieren ser desenfadadas pero terminan en un tono que parece dirigido a un público demasiado infantil para el tipo de historia que Superman necesita.

"Superman"  de Gunn es una película que promete más de lo que entrega. Tiene momentos bellos, personajes secundarios fantásticos y una Lois Lane para enmarcar. Pero su Superman —el corazón de todo— nunca termina de latir con fuerza propia.

Salís del cine con la sensación de que la estética estaba, el color estaba, la intención estaba…
Pero la esencia, esa mezcla de mito, humanidad, conflicto y carisma que define al héroe más grande de todos, no llegó ni a medio camino.

Le termino subiendo un punto en la valoración final por el aspecto visual, pero no pasa de mediocre.

FICHA TÉCNICA:          
PAÍS: USA 
AÑO: 2025
GÉNERO:  acción / ciencia ficción / superhéroes
DURACIÓN: 129 minutos
GUIÓN: 4 /10  
DIRECCIÓN: 4 / 10
ACTUACIONES: 6 /10

CGI: 9 / 10

PRESUPUESTO / GANANCIAS: US$ 225.000.000 / US$ 616.684.465

RATED: PG-12

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MARCIAL MACIEL: EL LOBO DE DIOS

Hay documentales que te informan. Otros que te sorprenden. Y están los que te dejan con una sensación de impotencia e indignación difícil de describir. Se me viene a la mente "Jimmy Saville: Una Historia Británica de Terror" (click acá para la reseña) o "Sé Dócil: Oración y Obediencia" (click acá por la reseña). "Marcial Maciel: El Lobo de Dios" entra perfectamente en esa infame lista.

El trabajo expone con crudeza la figura de un sacerdote que, lejos de ser el líder espiritual que aparentaba, llevaba una triple vida hecha a base de abusos, manipulación y poder. Lo más duro no es solo enterarse de los crímenes que cometió, sino sentir la impotencia de ver cómo durante décadas contó con la complicidad, o al menos el silencio conveniente, de las más altas esferas del Vaticano. Nadie puede mirar para otro lado después de esto: las redes de protección que tuvo Maciel están tan bien documentadas que te revuelven por dentro.

La docuserie no ahorra golpes bajos —ni debería—. Las declaraciones de las víctimas, muchas ya en la tercera edad, son demoledoras. Escuchar a hombres mayores narrar abusos sufridos de niños, describiendo el peso que cargaron durante toda su vida, es algo que duele y que indigna en partes iguales. Y me deja pensando en cuánto se puede perdonar, cuánto se puede reparar, y qué pasa cuando el monstruo que arruinó tantas vidas tuvo siempre quien lo cubriera. La serie no se queda en la figura monstruosa de Maciel, sino en las cicatrices que dejó en generaciones enteras.

Resulta imposible no indignarse al ver cómo este hombre tenía “en el bolsillo” a empresarios, políticos y cardenales. Cómo manejaba dinero, influencias y favores, mientras por detrás acumulaba historias de dolor y vidas rotas. Su capacidad para sostener su fachada de santo mientras en paralelo alimentaba sus perversiones es casi irreal. Y justamente por eso el título le calza perfecto: un lobo con piel de cordero, al que le abrieron la puerta del rebaño.

La vida de Marcial Maciel es de esas que decís "acá la realidad supera cualquier fantasía posible". El fundador de los Legionarios de Cristo no sólo amasó una fortuna a costa de sus seguidores (miles en todo el mundo), si no que vivió la gran vida, volando en jets privados, comprando propiedades en un sinfín de países, y codeándose con figuras, eclesiásticas, y de las otras.  

El sabor amargo al ser testigos (de segunda mano) de lo hecho por Maciel y la impunidad con la que se manejó durante años, sumado a la anuencia de mucha gente que podría haber hecho algo al respecto, queda en uno aun después de los créditos. Doloroso y real, aunque cueste creerlo.

FICHA TÉCNICA:          
PAÍS: México
AÑO: 2025
GÉNERO: documental / drama / religión
DURACIÓN: 60 minutos aprox x 4 episodios
GUIÓN: 8 /10  
DIRECCIÓN: 8 / 10
RATED: PG-18

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THUNDERBOLTS

Marvel se animó a hacer su propio "Suicide Squad", y el resultado es "Thunderbolts", un grupo de villanos y antihéroes juntados a la fuerza para una misión imposible. La fórmula no es nueva, y es imposible no comparar con la versión de DC. El problema es que, mientras el film de James Gunn se apoyaba en el caos, la irreverencia y una dinámica grupal con cierta chispa, este film de Jake Schreier ("Star Wars: Skeleton Crew") parece perderse en la mezcla.

Yelena Belova (Florence Pugh - "Viuda Negra", "Mujercitas", "Malevolent") es enviada a un centro de operaciones para eliminar un "objetivo", y allí se encuentra con no 1, ni  2, si no 3 enemigos con los que lidiar. A todos ellos los hemos visto en films o series anteriores: John Walker (Wyatt Russell - "The Falcon and the Winter Soldier"), Ava Starr (Hannah John-Kamen - "Antman & the Wasp"), y Taskmaster (Olga Kurylenko - "James Bond: Quantum of Solace"). En realidad, son todos agentes encubiertos a las órdenes de Valentina Allegra de Fontaine ( Julia Louis-Dreyfus - "The New Adventures of the Old Christine"), y ella, magistralmente, los junta sin ellos saberlo, para que entre ellos mismos se eliminen...y si no, arder en un incinerador. Junto a ellos aparecerá un extraño personaje: Bob, quien parece estar bastante fuera de lugar. El hecho es que, bueno, la mayoría se salva de esta "aniquilación mutua" y deciden trabajar juntos, cosa que no se les da muy bien. Su misión es bastante simple: averiguar porqué de Fontaine quería eliminarlos, y entregarla a la justicia. 

Hay varios aspectos que parecen no cumplir con el cometido, con aciertos y errores. Por un lado: la dirección. Se busca una especia de caos controlado, alternando planos cerrados con otros más al estilo "gran escala"(si bien no se llega a la magnanimidad de "Avengers"), con aciertos en algunas secuencias en espacios cerrados, y algunos desaciertos, como por ejemplo, en generar una historia épica, batallas memorables, o incluso, con ciertas falencias en el CGI.

El guion falla en encontrar el balance entre el caos de este nuevo grupo, con un humor con poco tino, y el enemigo planteado parece no condecir con lo que pueden abarcar estos Thunderbolts (lo mismo ocurrió con el Suicide Squad de Gunn al enfrentar a Starro). Y el final...mi Dios...más cliché no podría haberse pensado. También es justo reconocer aciertos, como que muchos de estos antihéroes muestran flaquezas, ya sea el fallar como padre y esposo, la depresión, el no encontrarle el sentido a tu vida, el abuso de las drogas, y la soledad. Desde el punto de vista humano, el guion si ha ganado con respecto a otras entregas del MCU.

Parece haber también cierta falta de química entre algunos de los actores, y. donde "Suicide Squad" encontraba humor y energía en los roces entre personajes, "Thunderbolts" se siente como un conjunto de piezas sueltas que nunca terminan de encajar. El cast es fuerte en nombres, y la gran mayoría cumple bien en sus roles. Y sí...van a haber algunas sobre actuaciones, como la de Red Guardian (David Harbour - "Stranger Things"), pero bueno, es parte de.

No sé...hay mucha gente contenta con el resultado final, porque se dice que sale un poco de los cánones de lo que presentaba el MCU, por los temas que trata de fondo, y porque se la nota más sincera...más "humana". Hay muchos elementos en el guion que en lo personal, me parece, carecen de sentido. Personajes que están ahí para rodear a Yelena - la verdadera protagonista de esta historia - , cuyas motivaciones están todavía por descubrirse... No sé..no es un film pésimo, pero está definitivamente sobrevalorado. 

FICHA TÉCNICA:          
PAÍS: USA / Canadá / Australia
AÑO: 2025
GÉNERO:  superhéroes / drama / ciencia ficción / acción / fantasía
DURACIÓN: 127 minutos
GUIÓN: 4 /10  
DIRECCIÓN: 5 / 10
ACTUACIONES: 7 /10

CGI: 7 / 10

PRESUPUESTO / GANANCIAS: US$ 180.000.000 / US$ 382.436.917

RATED: PG-12

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