OPPENHEIMER

Es "Oppenheimer" la justa ganadora a Mejor Película, Mejor Actor en un Rol Protagónico, Mejor Actor de Reparto, y Mejor Director, junto a otros 3 premios Oscar más? Todo depende de la categoría a la que hagamos referencia - por supuesto -, depende también de los otros nominados en cada uno de esas categorías, y depende de quién las vea. Obvias salvedades aparte, parecería que al menos en cuanto a Mejor Director y Actor de Reparto tenemos un concenso, aunque el premio a Mejor Actor principal es un tanto más discutido (los hay quienes iban por Paul Giamatti en "Los que se Quedan" o por "Bradley Cooper en "Maestro"). Y luego claro está el galardón por excelencia, que es el de Mejor Película. Y aquí la cosa puede complicarse un poco más en cuanto a definir ésta o aquella. Por qué creo yo que es - por derecho propio - "Oppenheimer" la merecida vencedora?

Reducir esta megaproducción de 3 horas a decir que es sobre la vida de J. Robert Oppenheimer (interpretado por Cillian Murphy - "Peaky Blinders") y su creación de la bomba atómica puede resultar algo simplista, si bien no deja de ser verdad. Pero hay bastante más que ver y entender.

"Oppenheimer" juega con 3 lineas temporales diversas, así como con alternancias entre escenas en blanco y negro y otras a color. Estas líneas temporales se van alternando: ora nos hallamos en la etapa de Oppenheimer como profesor y su desarrollo de la bomba atomica, ora en una audiencia gubernamental donde se pone en tela de juicio la asociación de Oppenheimer (y allegados) con el Partido Comunista - donde se decidirá si al bueno de Robert se le revoca la licencia Q, y por ende se termina el vínculo entre éste y el gobierno de U.S -, o bien nos trasladamos a 1959 donde Lewis Strauss (Robert Downey Jr.) está sometido a una audiencia de confirmación por la decisión tomada previamente sobre el caso de Oppenheimer. En cuanto al color o el blanco y negro, esto responde a la perspectiva de Oppenheimer o a la de Strauss, algunas más subjetivas y otras más objetivas.

Por lo anteriormente mencionado, ya el juego visual es digno de destacar, así como el manejo de edición y dirección para poder ensamblar todo en una historia coherente y que atrape. Pero aún hay más.

Obvio que la historia en sí es por demás interesante, sobre todo si tenemos en cuenta que estamos hablando del "Padre de la Bomba Atómica", o como reza el subtítulo del film "el Prometeo Moderno". Según el mito, Prometeo le roba el fuego a los dioses para dárselo a los humanos, para luego sufrir las consecuencias de ello, no sólo en carne propia (siendo atadado para siempre a una roca y condenado a ver cómo un águila se come su hígado una y otra vez) si no también condenando a los propios dioses a los que desafió, y siendo la ruina de todo el Olimpo al darle al ser humano un poder y una independencia que los terminan apartando de la fe. Oppenheimer es en definitiva este Prometeo moderno, en cuanto nos otorga ese poder reservado a los dioses, aunque en este caso sea el de la destrucción masiva, y, tal como el personaje del mito griego quien desafiara a Zeus, el propio J. Robert termina condenado por los mismos que le dieron "vida" (léase el gobierno norteamericano).

Por supuesto también tenemos lo obvio: el recordatorio constante de la capacidad atómica - mayormente concentrada en el hemisferio norte - que, en la eventualidad de desatarse un intercambio de ojivas nucleares entre, digamos, U.S.A. y Rusia (cada una con un número estimado de 1500 y más poderosas de las que creara Oppenheimer), el mundo perdería entre 2 y 5 billones de personas, se desataría un "invierno nuclear" que dejaría sin alimento a más del 90% de la población del hemisferio norte, y que dejaría un nube permanente de partículas que podría durar más de 10 años en desaparecer. Y eso son sólo algunas de las posibles consecuencias. El final del film nos hace pensar en lo que podría pasar, más allá de que no se manejen los números que te acabo de mencionar. Y esto lo vuelve todo más real.

Además del hype que hubo acerca de ella - con ese famoso cabeza a cabeza en taquilla con "Barbie" -, hay que considerar la miríada de celebridades que participan en ella (Rami Malek, Matt Damon, Josh Harnett, Emily Blunt, Kenneth Brannagh, y Jason Clarke entre otros), como así también el trabajo en fotografía y sonido. Y si todos estos motivos no alcanzaran como para erigirse como la correcta vencedora en estos Oscars 2024, tal vez basta con pensar que luego de mucho tiempo (tal vez unos 20 años) hay nuevamente una ganadora que es también un blockbuster, un largometraje pensado para ser ganador, con un presupuesto acorde y una recaudación solamente comparable con "El Señor de los Anillos: El Retorno del Rey", si bien lejos de "Titanic", siendo estas 3 las películas ganadoras a Mejor Película en los Oscars con mayores recaudaciones de la historia.

Y entiéndaseme bien: no es que esté mal que un film con un presupuesto insignifcante como "CODA", una producción extranjera como "Parasite", o una bizarreada como "Todo, en Todas Partes, al Mismo Tiempo" sean las ganadoras si lo merecen. Pero era tiempo ya que un film con todos los números para ser el mejor lo fuera, y no lo dejaran afuera (con juego de palabras incluído) precisamente por su considerable producción.

FICHA TÉCNICA:
PAÍS: USA / UK
AÑO: 2023
GÉNERO: drama / biografica
DURACIÓN: 180 minutos
GUIÓN: 7/10
DIRECCIÓN: 10 /10
ACTUACIONES: 9 /10

CGI: 7 /10

PRESUPUESTO / RECAUDACIÓN: US$ 100.000.000 / US$ 972.444.744 

RATED: PG-12

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ANATOMÍA DE UNA CAÍDA

Ganadora del Oscar a "Mejor Guion Original", y nominada a 4 premios de la Academia más - entre ellos el de "Mejor Película", "Mejor Dirección", y "Mejor Actriz en Rol Protagónico" - "Anatomía de Una Caída" es un film difícil de describir, y no me refiero a su idea base que es bastante sencilla, si no a la definición de si es verdad que es un largometraje tan original como se dice - y por añadidura bueno - o si es el típico ejemplo de esas cosas que sólo gustan a los críticos de cine.

La premisa es simple: Samuel y Sandra viven juntos en un chalet en la montaña, alejados de todos. Un día Samuel aparece tirado muerto en la nieve, aparentemente producto o de un accidente doméstico tras caerse del segundo piso, o de quitarse su propia vida. Samuel es encontrado por Daniel, su hijo de 11 años con problemas en la visión. Éste da aviso a su madre, quien estaba lejos en otra parte de la casa, y ésta horrorizada llama a la policía local. Sin embargo, y para sorpresa de los involucrados, el departamento de criminología llega a la conclusión de que la muerte es sospechosa, y que Samuel podría haber sido asesinado. Todos los dedos apuntan a Sandra, cuya relación con Samuel venía siendo al menos "compleja". Gran parte del film nos llevará al juicio a Sandra, a sus charlas con su amigo/abogado, y a escenas del hogar donde la dinámica con su propio hijo se verá afectada, ya que este, como hijo e individuo que encontró el cuerpo, es obligado a ser testigo en el juicio a su madre, enterándose en el interín de la verdadera (al menos desde el punto de vista del fiscal y de la propia Sandra) relación entre su madre y su padre.

"Anatomía de una Caída" es un film que ni puede definirse como el consabido whodunnit (el "quién lo hizo", un género en sí mismo, al estilo Agatha Christie), ni tampoco una película de "tribunales", y estaría a medio camino entre ambas categorías, ya que más de un tercio del film es el juicio en sí, y a través del film llegás a sospechar del hijo, el amigo/abogado, y hasta del perro. El film dirigido y escrito por Justine Triet utiliza la muerte y el juicio como excusa para tratar la relación madre-hijo cuando ciertas verdades son reveladas, la relación esposa-esposo cuando la pasión y el amor parecen ser cosa del pasado y es sobrevivir el matrimonio, o incluso sobre las dificultades de no dominar un idioma, estar en el extranjero, y sufrir por ello (de hecho el film es hablado en francés, inglés, y hasta un poco de alemán). Y eso sólo en la superficie, ya que si rascamos más a fondo veremos también que "Anatomía.." lidia con la subjetividad de la realidad, cómo nosotros la vamos moldeando, y cómo intentamos que los demás se suscriban a esa realidad. Y cómo necesitamos inherentemente saber todo, y terminamos no sabiendo nada, muy poco, o rellenando "agujeros" con nuestra propia percepción. 

Si...suena muy interesante, y lo es. Peeeeero...no es para un domingo a la noche, ni "pochoclera"...ni siquiera lo suficientemente entretenida. Con un café, a la mañana, y alguien con quien discutirla, juega. Igual, está un pelín sobrevalorada, creo en especial en lo referente a la actuación, ya que a excepción de Sandra Hüller ("Zona de Interés") en su rol de Sandra, el resto es bastante promedio. 

FICHA TÉCNICA:
PAÍS: Francia
AÑO: 2023
GÉNERO: drama
DURACIÓN: 151 minutos
GUIÓN: 7/10
DIRECCIÓN: 7 /10
ACTUACIONES: 6 /10

PRESUPUESTO / RECAUDACIÓN: US$ 6.200.000 / US$ 35.527.088

RATED: PG-12

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POBRES CRIATURAS

Ganadora de 4 premios Oscar en este 2024 (Maquillaje y Peinado, Diseño de Producción - merecidísimo -, Diseño de Vestuario, y a Mejor Actriz Princiapal -Emma Stone), "Pobres Criaturas" se vuelve un film que escapa a los estándares hollywoodianos y que se vuelve - por muchos momentos - difícil de ver.

Basada en el libro de Alasdair Gray y dirigida por Yorgos Lanthimos ("El Sacrificio de un Ciervo Sagrado" y "La Favorita"), "Poor Things" ("Pobres Criaturas") nos relata la historia de Bella Baxter, una hermosa y joven mujer devuelta a la vida por Godwin Baxter (Willem Dafoe), utilizando el cerebro del niño nonato que Bella, en su vida anterior como Victoria Blessington, cargaba en su vientre en el momento de su muerte. Bella, con la mente de un niño, es criada desde 0 pero en un cuerpo de una mujer adulta. Es así que Bella tiene que aprender a caminar, comer, hablar, y pasar por todas las etapas evolutivas que tendría cualquier infante, y luego cualquier adolescente. 

Para registrar los avances de Bella, Godwin contrata a un brillante estudiante suyo, Max McCandles (Ramy Youssef), quien eventualmente se enamorará de Bella. Ésta, en pleno descubrimiento sexual, a punto de casarse con Max, conoce a Duncan Wedderburn (Mark Ruffalo), quien la persuade de acompañarlo en un viaje de descubrimiento del mundo, y del placer del sexo. Pero, en este viaje Bella descubrirá muchas más cosas que le harán tener una nueva perspectiva del mundo.

Combinando lo audaz, lo bizarro, y lo fantástico, "Pobres Criaturas" se antoja una película no apta para todo público (y no me refiero sólamente a las reiteradas escenas de sexo). Con una estética surrealista que aúna elementos victorianos en una Escocia de mediado del siglo XIX con elementos grotescos y el steampunk, y que utiliza magistralmente una paleta de colores específica dependiendo del dónde Bella se ubique (más oscura y melancólica en su hogar), brillantes colores planos en Lisboa o Grecia, o la reducción de matices en un Paris invernal, la producción de la propia Stone incomoda al espectador desde el minuto 1, y uno tiende a sentirse tentado de dejar de ver a estas "criaturas" a cada giro del film. Sin embargo, lo perturbador de la estética la da a esta film un tono único, que hará que cualquiera que se aventure en la trama no olvide facilmente lo visto.

A través de situaciones insólitas y extravagantes, en tono comedia negra y teatralización exagerada, "Pobres Criaturas" explora temas como la identidad, la compulsión a la repetición (Godwin hace para con Bella y otras criaturas lo mismo que su padre hiciera con él, y esto es justificado por Godwin a cada instante del largometraje), la moralidad (o la falta de), el despertar sexual y a la vida, el destino, el poder del patriarcado, y la búsqueda de la felicidad (si bien temas más complicados de tratar como la prostitución y el estupro también se hacen presentes).

Si sumamos a la particular estética, el guión, los personajes, y los temas tratados, el film en sí puede ser interesante, aunque definitivamente preferido por quizás pocos, ya que sale bastante de lo convencional. Creo que incluso hay algunas escenas no justificadas (un segmento donde Bella tiene sexo con varios hombres), o difíciles de seguir. Además, ver a Stone y a Ruffalo en estos papeles también resulta un tanto shockeante. 

"Pobres Criaturas" se vuelve un film para una audiencia muy particular, y uno que yo no creo vuelva a ver otra vez.

FICHA TÉCNICA:
PAÍS: USA
AÑO: 2023
GÉNERO: comedia / drama
DURACIÓN: 141 minutos
GUIÓN: 5/10
DIRECCIÓN: 7 /10
ACTUACIONES: 7/10

PRESUPUESTO / RECAUDACIÓN: US$ 35.000.000 / US$ 114.900.592

RATED: PG-18

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AMERICAN FICTION

Enojado con el mundo, Thelonious "Monk" Ellison (Jeffrey Wright - "The Batman" / "Westworld") es un escritor y profesor de universidad cuyos libros no han vendido bien últimamente. Si bien altamente reconocido por la calidad y complejidad de sus obras, los publicistas se quejan precisamente por esto último, recomendando que escriba algo "más negro" si es que quiere convertirse en un autor popular y un best seller. 

Contrariado por su falta de éxito, y debido a ciertas actitudes clasistas y/o racistas hacia sus propios alumnos, a Monk se le recomienda tomarse unos meses de licencia, y de paso asistir a un seminario literario en Boston, de donde su familia es oriunda. 

Reticente, Ellison se dirige a su ciudad natal, para re-encontrarse con su hermana y su madre, quien tiene un alzhéimer incipiente. Una vez en el seminario, con tristeza ve que su panel está casi desierto de asistencia, sin embargo, se decepciona más aún cuando ve que la escritora Sintara Golden tiene la sala abarrotada al presentar su libro "We's Live in Da Ghetto", una libro éxito en ventas que se basa en los estereotipos negros. Monk no admite que los escritores afrodescendientes se tengan que limitar a hablar siempre de lo mismo con tal de vender, perpetuando la imagen que los blancos tienen de ellos. 

Ellis se encuentra entre la espada y la pared, ya que si quiere empezar a vender libros tiene que resignar sus principios, y también cambiar su cabeza si quiere volver a enseñar en la universidad. Mientras, un drama familiar inesperado hace que Monk tenga que adaptarse a una nueva realidad y responsabilidades imposibles de imaginar sólo unos días antes.

Frustrado, Ellis termina escribiendo "My Pafology", una novela satírica basada en los clichés esperados de los escritores negros: melodrama familiar, droga, violencia, padres golpeadores, etc. Al enviarlo a su editor, éste con cierta reticencia se lo envía solamente a un par de editoriales, por temor al rechazo, y utilizando un pseudónimo para Monk. Para su sorpresa, recibe una oferta superior a cualquier libro que hubiese escrito antes, y estará en Monk seguir adelante o no, venderse al mercado o permanecer fiel a sus principios, y adoptar una vida familiar que no se esperaba, que pone todo su mundo pies para arriba.

Con un premio Oscar 2024 en su bolsillo por Mejor Guion Adaptado (Cord Jefferson), y varias nominaciones, entre ellas por Mejor Actor en un Rol Principal (Wright) y uno por Mejor Actor de Reparto (Sterling K. Brown), "American Fiction" es una dramedia satírica que explora diversas temáticas, no sólo ahondando en los estereotipos sociales, si no también explorando las dinámicas de una familia disfuncional, el auto-descubrimiento y la apertura sexual, el envejecimiento de nuestros padres, la pérdida, el valor de los principios (o lo efímero de los mismos), y el amor.

Un tema no menor tratado aquí, y que puede pasar desapercibido, es la necesidad de adaptarse a los tiempos que corren, para ser políticamente correcto, ya sea que uno esté o no en acuerdo con los mensajes que se deben dar.

A nivel actoral este film destaca de sobremanera, y el guion en sí se antoja una verdadera joya, con momentos de verdadera reflexión, y mucha risa que está lejos de estar forzada.

"American Fiction" es, en definitiva, un film que no es solo muy disfrutable e introspectivo, si no también uno que puede generar mucho debate una vez finalizado.

FICHA TÉCNICA:
PAÍS: USA
AÑO: 2023
GÉNERO: comedia / drama
DURACIÓN: 117 minutos
GUIÓN: 9/10
DIRECCIÓN: 8 /10
ACTUACIONES: 9/10

RECAUDACIÓN: US$ 22.483.370

RATED: R

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MAESTRO

Son 7 las nominaciones para estos premios Oscar de la película "Maestro", entre los que se encuentran Mejor Guion Original, Mejor Película, Mejor Actor Principal (Bradley Cooper - "¿Qué Pasó Ayer?") y Mejor Actriz Principal (Carey Mulligan - "El Gran Gatsby").

El film, dirigido y co-escrito por el mismísimo Bradley Cooper, recorre gran parte de la vida de quien fuera un ícono en la música norteamericana, Leonard Bernstein. ¿Quién fue Bernstein y porqué fue famoso? Además de haber compuesto algunas operas famosas, como lo fue "A Quiet Place", varios musicales, y realizar la banda de sonido de un puñado de largometrajes (tal vez el más famoso sea "West Side Story"), Bernstein fue un revolucionario en la forma de conducir orquestas (inspirando a más de un director que vendría luego), y por si fuera poco el primer director norteamericano en habérsele dado la conducción de una filarmónica mayor. 

Pero claro, si la película se tratara de logros meramente, poco atractivo tendría para las masas. 

Una característica ineludible del artista fue su entendimiento y apertura mental con respecto al sexo, algo que hasta el día de hoy puede resultar difícil de concebir. 

El film comienza a color con un Bernstein rememorando cuánto "la extraña" mientras un documental es filmado en su casa; es ineludible pensar que se refiere a su esposa. de allí en más, nos vamos atrás en el tiempo, con un Bernstein haciendo sus primeras armas como director y conviviendo con un músico (David Oppenheimer, interpretado por Matt Bomer), con quien también sostenía un romance, el cual no ocultaba a sus allegados, aunque sí al "resto del mundo". Es en una fiesta donde Bernstein conocería a quien sería su gran amor femenino, Felicia Montealegre (Mulligan), una actriz de origen costarricense, famosa por la serie de televisión "Casa de Muñecas". Congeniando a la perfección, llegaron a casarse y tener 3 hijos, aunque Felicia tuvo mucho tiempo que convivir con la bisexualidad cada vez más abierta de su esposo.

El estilo directriz de Cooper no llega a convencer del todo en este film, y es que como si durante el mismo se intentara ilustrar que estos momentos son los que el mismo Bernstein destaca de su propio vida durante la entrevista que se lleva a cabo al comienzo (y al final) del largometraje: son como segmentos de exprofeso inconexos en su mayoría. Si esa es la idea, no está mal, pero termina por no darle demasiada profundidad a los dos personajes principales, léase Bernstein y Montealegre. Por ejemplo, nunca se llega a dilucidar cuándo es bien que ella se da cuenta de la bisexualidad de su marido (o si siempre lo supo), el motivo por el que a pesar de ello siguió con él, o el porqué de la relación de Leonard con sus hijos. 

Hay un gran trabajo de Cooper en el estudio de Bernstein como director y músico, aunque su interpretación (tal vez por la prótesis nasal), de a ratos llega a ser quasi caricaturesca; con todo, su nominación como Mejor Actor podría llegar a estar justificada (por algunos entendidos). Cooper mismo declaró haber pasado años aprendiendo a dirigir como Bernstein, en especial una escena, que en lo personal se me hizo larga, y cuya música (más allá de disfrutar de lo clásico), jamás me llegó.

Hablando de música, se me hace que la relevancia dada a la misma (o a la composición de sus obras), no llega a justificar que el título del film sea precisamente "Maestro", si bien entiendo el gancho y que a Bernstein se le llamaba así (o simplemente Lenny). 

Creo que lo mejor del film pasa por Mulligan, a quien veo como una firme contendiente para el Oscar como Mejor Actriz Protagónica. 

FICHA TÉCNICA:
PAÍS: USA
AÑO: 2023
GÉNERO: biografía / drama / historia
DURACIÓN: 129 minutos
GUIÓN: 4/10
DIRECCIÓN: 5 /10
ACTUACIONES: 8/10
CGI: 6 / 10

PRESUPUESTO / RECAUDACIÓN: US$ 80.000.000 / US$ 383.532

RATED: PG-12

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INDIANA JONES Y EL DIAL DEL DESTINO

Todos...y me refiero a TODOS los fans de Indiana Jones, preferimos pensar esta serie de películas como una trilogia, no? Y es que claramente, tanto "Raiders of the Lost Ark", "Indiana Jones and the Temple of Doom", y mi favorita personal, "Indiana Jones and the Last Crusade" son por mucho, muy superiores a sus dos secuelas. Y uno se termina preguntando qué necesidad había. Ya sé. Me van a contestar cosas como "fan service", apelar a nuevas generaciones con un personaje clásico, darle un cierre a Jones, en fin...creo que todo se reduce bastante al verde billete, y ver si le pueden seguir sacando jugo a una franquicia que es evidente pertenece a otro tiempo.

Corre el año 1944 e Indiana Jones (Harrison Ford) se encuentra en una situación para nada extraña: territorio nazi, un artefacto que puede afectar el curso de la historia, y no hay nadie mejor que él para recuperar dicha pieza (en este caso la Lanza de Longino - la que traspasara al propio Jesús -) y dejarla donde debe estar, en un museo (preferentemente americano). Atrapado, Jones descubre que su "compañero en crimen", Basil Shaw, ha descubierto que los alemanes están en posesión de otro artilugio aún más poderoso del que buscaban, el Mecanismo de Anticetera, un dispositivo del siglo II A.C., algo así como una computadora analógica capáz de calcular las posiciones de varios astros, aunque según el mito, si uno junta las dos mitades,separadas en su momento por el propio Arquímedes, el mismísimo artefacto es capáz de transportar a su poseedor atrás en el tiempo. Pero...hay un motivo por el cual el físico e ingeniero siracusano separó ambas partes. 

25 años después, y con el asunto hace años zanjado, Indi se ve obligado a entrar nuevamente en acción cuando su sobrina, Helena, llega buscando la pieza en cuestión.

Si bien James Mangold ("Tierra de Policías", "Logan", "Inocencia Interrumpida") intenta evocar el clásico Indiana Jones, con éxito parcial - sobre todo en la primer escena, donde el CGI utilizado para rejuvenecer a Ford es muy efectivo -, el argumento es de a ratos flojos, los personajes - salvo el de Mads Mikkelsen - sin trasfondo, o incluso innecesarios (la agente de la CIA), y lo que es peor, quien se supone debe de ser la heredera de Indiana Jones es un personaje que no es del agrado de casi nadie; ni por cómo está escrito, ni por cómo está interpretado. Y obvio que con los tiempos que corren el heredero tenía que ser una chica. Más allá del woke forzado de gran parte de las producciones hollywoodenses de hoy día, el personaje de Helena es engreído, arrogante, y egoísta, contrastando con el personaje de Ford. Tal vez con otra actríz con otro carisma y/o simpatía, el personaje podría haber rendido un poco más, pero lo hecho por Phoebe Waller-Bridge (quien alcanzó la fama con la serie "Fleabag") simplemente no gusta. 

Mangold apela a la memoria emotiva de quienes vimos a "Indi" en su prime muchas veces: a través de referencias a otras entregas de la saga, los cameos o roles muy secundarios de antiguos amigos de Jones, e incluso le metieron un Short Round (aquel niño que acompañara a Indy en "Raiders" interpretado por el ganador del Oscar Ke Huy Quan) al personaje de Helena, que no funciona como lo hiciera aquel. Incluso el personaje de Antonio Banderas tiene el sabor a muy poco, siendo evidente la intención de sumar nombres taquilleros con tal de vender un poco más. 

Además, el film tiene muchos pasajes "serios" y hasta diría deprimentes, haciendo que este film, al contrario de los 3 primeros, carezca del grado de diversión que la franquicia merece. Si... de a ratos es bastante el bajón.

Ligeramente mejor que "Indiana Jones y el Reino de la Calavera de Cristal", pero sin hacerle justicia a lo que un personaje como Indiana Jones merece. Se puede ver, siempre y cuando uno tenga amnesia y no se acuerde de las dirigidas por Spielberg.

FICHA TÉCNICA:
PAÍS: USA
AÑO: 2023
GÉNERO: aventura / comedia / fantasía 
DURACIÓN: 154 minutos
GUIÓN: 4/10
DIRECCIÓN: 5 /10
ACTUACIONES: 6/10
CGI: 8 / 10

PRESUPUESTO / RECAUDACIÓN: US$ 294.700.000 / US$ 383.963.072

RATED: PG-13

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THE MARVELS

 

"The Marvels" es el más reciente lanzamiento de la plataforma Disney+ y del MCU (sin contar la serie "Echo" a reseñarse en breve). Y además, es el más reciente fracaso de "La Casa de las Ideas" - que parece haberse quedado con pocas -; y me animaría a decir el más estrepitoso.

Carol Danvers (Brie Larson - "The Room") es la Capitana Marvel, y luego de haberse enfrentado a los Kree, derrotar a la Inteligencia Suprema, recuperar su identidad, y haber sido pieza clave en la derrota del Titán Thanos junto a los Vengadores, se encuentra en el espacio en misión de patrullaje de diversas zonas, en colaboración con la nueva agencia que dirige Nick Fury (Samuel L. Jackson), S.W.O.R.D. (Sentient World Observation Ressponse Department), agencia que se ocupa del monitoreo de la actividad extraterrestre que pueda afectar la Tierra. Una serie de wormholes (agujeros que permiten viajar de un lugar a otro de la galaxia) generados cada vez con más frecuencia, comienzan a desastibilizar la realidad como la conocemos. Estos agujeros están siendo creados por una revolucionaria kree en posesión de una "Banda Cuántica", un brazalete que le confiere un poder único. Dicha guerrera kree pretende devolver a su pueblo la gloria de antaño, y para ello buscará hacerse con la otra banda cuántica, ahora en manos de Kamala Khan, una adolescente de Jersey también conocida por su alter ego de "Ms. Marvel". Por algún extraño motivo, los poderes de la Capitana Marvel, Ms. Marvel, y Mónica Rambeau (una nueva chica Marvel), empiezan a intercambiarse, provocando confusión en las 3 heroínas. Ellas deberán dilucidar como utilizar sus poderes (los viejos y los nuevos) a la vez, mientras echan por tierra las aspiraciones imperialistas de la lider kree, y evitan que los agujeros destruyan el universo.

Nia DaCosta, una joven directora sin ninguna experiencia previa en el mundo comic o superheroico en cine o televisión, fue la encargada de, no sólo dirigir, sino co-escribir este film. Y los resultados están a la vista. Alabada por su trabajo en "Little Woods", no sé si tanto por "Candyman" (que es lo más conocido que ha hecho), DaCosta es la principal responsable de este desastre fílmico (y de taquilla) del MCU. Obviamente, no es la única. 

Ya la "Capitana Marvel" original albergaba ciertas dudas, en especial por la representación de Larson como Carol Danvers. No obstante, ese fue un film aceptable, con un taquilla que sobrepasó las expectativas de varios (más de 1.100 millones de dólares recaudados, con un presupuesto de unos 150 millones). En esta secuela, si bien Larson se ve más suelta, de a ratos parece como hasta desinteresada, y sigue sin generar en pantalla la más mínima empatía. Y ella fue mi único motivo de ver esta secuela. Si...ya sé, no me juzguen. 

En lo actoral, ni la pretendida frescura de Iman Vellani en su rol de Kamala Khan, ni el talento innegable de Jackson (con pésimas líneas en este film), logran salvar una nave que se va a pique (metafórica y literalmente). 

En lo argumental, honestamente no sé cuanto peso tuvieron las otras dos co-escritoras de "The Marvels" - Megan McDonnell, con un buen trabajo en "WandaVision", y Elissa Karasik, quien guionisara varios episodios de "Loki" -, pero es fácil de lo peor que se ha escrito para el MCU.

El CGI cumple bien en términos generales, pero también es cierto que gran parte de los US$ 270 millones se fueron en efectos. 

Muchos piensan que hay una "fatiga de los superhéroes" por parte del público, y si bien hay algo de razón, no es ni cerca el principal motivo porque este largometraje falla, como demuestran éxitos de crítica (y taquilla) como "Guardianes de la Galaxia 3", film que no tiene ni un año. Acá hay mucho más.

- la necesidad de embutirnos hasta el cansancio el "girl power", de forma hasta por demás grotesca

- la inclusión de minorías de manera forzada; una superheroína blanca, otra negra, y una india (y de paso captamos un mercado de más de mil millones de personas)

- villanos que pasan sin pena ni gloria (juro que ya durante el film uno se olvida del nombre de la lider kree - la mala de turno -; así de memorable)

- en ningún momento queda la sensación de que nuestras 3 heroínas estén en verdadero peligro

- la necesidad de destacar este film incluyendo escenas bizarras, con muy mal tino (escenas de baile y gatos)

- la falta de claridad sobre el audiencia objetivo: es para menores de 13, para adolescentes, tal vez para jóvenes adultos?

- incongruencias durante el propio film (que no voy a spoilear, pero a veces los poderes no son suficientes, y otras para reactivar una estrella?)

Creo que hay dos cosas que casi todo el mundo que vio "The Marvels" está de acuerdo: es la peor entrega del MCU hasta la fecha (y había que esforzarse para superar "Guardianes 2" y "Wakanda Forever"), y hay que dar gracias que también es la más corta. 

Esperemos que futuros lanzamientos puedan levantar esto - entiéndase "Kraven el Cazador" o "Madame Web" (0 fe en "Venom 3") -, y todas las fichas puestas en "Deadpool 3".

FICHA TÉCNICA:
PAÍS: USA
AÑO: 2023
GÉNERO: aventura / comedia / fantasía / superhéroes
DURACIÓN: 105 minutos
GUIÓN: 1/10
DIRECCIÓN: 1/10
ACTUACIONES: 3/10
CGI: 8 / 10

PRESUPUESTO / RECAUDACIÓN: US$ 270.000.000 / US$ 206.089.499

RATED: PG

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LA LUZ QUE NO PUEDES VER

 

Corre el año 1940 y los Nazis acaban de ocupar Paris. Marie-Laure (Aria Mia Loberti), una niña ciega de unos 12 años, vive con su padre (interpretado por Mark Ruffalo, "The Hulk") cerca del Museo de Historia Natural, donde éste trabaja. Forzados por la invasión alemana, se marchan a la ciudadela amurallada de Saint-Malo, en la costa norte de Francia. Con ellos viaja una joya única en el mundo, una que el padre de Marie desea evitar a toda costa de que las huestes de Hitler se hagan con ella. En Saint-Malo se refugiarán en la casa de Etienne, un tío de Marie (Hugh Laurie - "Dr. House"), quien es radio aficcionado y parte del cuerpo revolucionario francés, aunque tanto Marie como Daniel (Ruffalo) ignoran esto.

Luego de un tiempo, y con la SS pisándole los talones y con Saint-Malo también invadido por los alemanes, Daniel decide irse para así distraer la atención del ejército alemán (en busca de la joya), prometiendo volver. Marie permanece con sus tios mientras se dedica a ayudarlos, tanto en informar sobre los movimientos enemigos, como haciéndose cargo de la radio de Etienne, a través de la cual envía mensajes encriptados mientras lee "20.000 Leguas de Viaje Submarino" a quien escuche, con la esperanza de ser una luz de esperanza para aquellos quienes se encuentren solos, como lo fue para ella en su juventud un profesor que escuchaba también por radio.

Por otro lado, Werner Pfenning (Louis Hofmann - "Dark"), un muchacho alemán huérfano, es incorporado a las fuerzas juveniles nazi, ya que muestra un talento innato para construir y operar una radio, facilidad que le viene de chico, e inspiración proveniente del mismo profesor al que Marie escuchaba por radio. Destacado en Saint-Malo con el fin de dar captura a la resistencia al interceptar mensajes entre ellos. Werner está peleando una guerra que no quiere pelear, tratando de sobrevivir de la mejor forma posible a una inminente derrota alemana, ya que se rumorea que el ejército americano está al llegar a las costas francesas de un momento a otro. La luz de esperanza para Werner es la dulce voz que escucha en una frecuencia específica; una voz que lee uno de los libros más famosos de Julio Verne.

Marie y Werner no sólo deberán de sobrevivir a la guerra, si no también a oficiales alemanes, ya sea obsesionados con morir cumpliendo el deber, o con encontrar una famosa joya que se dice maldita.

Adaptada de la novela "All the Light We Cannot See" de Anthony Doerr (2014), esta miniserie de 4 episodios es interesante,bastante bien actuada, y posee una gran fotografía. Como suele suceder, hay diferencias entre el libro y el film, sobre todo en el final, aunque creo que tanto director (Shawn Levy - "Stranger Things", "Una Noche en el Museo"), como quien adaptó la novela (Steven Knight - "Peaky Blinders") hicieron un buen trabajo. El ritmo de la miniserie es en general bueno - un primer episodio un tanto lento, en realidad -, y hay algunos personajes que podrían tener más trasfondo.

Sí es cierto que puede no llegar a ser una serie impactante, y que tal vez las incorporaciones de Ruffalo y Laurie se deban más a incluir nombres de peso con convocatoria que a otra cosa (en lo personal creo que Ruffalo está muy bien en su rol, con la justa medida de paternidad y dulzura en relación con su hija no vidente), pero que quizás el personaje de Laurie podría haber recaído en algún otro actor.

Con las salvedades mencionadas, es justo destacar tanto a Hofmann como a Loberti, quien es en realidad no vidente, y que además está interpretando aquí su primer rol en cine o televisión (de hecho acudió a la audición sin experiencia previa en audiciones), y también a Lars Eidinger en su rol de Reinhold von Rumpel, el oficial nazi obsesionado con la joya, que bien podría encajar en una de "Indiana Jones".

Me hubiese gustado además que la serie hubiese sido hablada en alemán y francés, y no en inglés, lo cual quita realismo a algo que pretende tenerlo. Con todo, vale la pena darle una oportunidad, y luego leer el libro...después de todo, el final sería distinto.

FICHA TÉCNICA:          
PAÍS: USA
AÑO: 2023
GÉNERO: historia/ bélica / drama
DURACIÓN: 55 minutos x 4 episodios
GUIÓN: 7 /10  
DIRECCIÓN: 6 / 10
ACTUACIONES: 7 / 10
C.G.I.: 7 / 10
RATED: PG-16

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LA SOCIEDAD DE LA NIEVE

Siendo probablemente el film del momento, "La Sociedad de la Nieve" nos relata una vez más, pero bajo una nueva perspectiva, lo acontecido a los 45 tripulantes del Fairchild Hiller de la Fuerza Aérea Uruguaya que se estrellara el 13 de Octubre de 1972 en la Cordillera de los Andes. 

Conocida es ya por muchos en la región la "Tragedia de los Andes", pero no para muchas otras personas en otras latitudes, especialmente aquellos que no se cruzaron con las predecesoras de "La Sociedad..." - entiéndase "Alive!" (dirigida y producida por Frank Marshall - 1993 -, protagonizada entre otros por Ethan Hawke, John Malcovich, y Josh Hamilton, y basada en el libro de Piers Paul Read de 1974), o "I Am Alive: Surviving the Andes Plane Crash" (2010), de tinte documental y que tiene como protagonistas a dos de los supervivientes de la tragedia, Nando Parrado y Roberto Canessa. Además de otras cintas que aparecieron en estos 50+ años desde la tragedia, también hubo un sinnumero de libros, además del mencionado de Reads: "Milagro en los Andes" (la mirada de Parrado de lo acontecido, publicado en el 2006), "Tenía que Sobrevivir" (la versión de Canessa, del 2016), "Desde el Silencio" (escrito en el 2019 por Eduardo Strauch, otro superviviente), y "La Sociedad de la Nieve" (2009, escrito por Pablo Vierci) que sirviera de base para el film en cuestión.

Este largometraje, dirigido por el catalán J.A. Bayona ("El Orfanato" y "Lo Imposible" - aquella de la familia americana y el tsunami en el sur de Asia), muestra mucho tino en presentar algunos hechos otrora soslayado por otros directores, y brilla en dar voz a aquellos quienes ya no están, sin escaparle a las partes más crueles de la tragedia. 

Corría el año '72 y el equipo de rugby uruguayo Old Christians se disponía a hacer su segundo viaje a tierras chilenas con la idea de jugar un partido amistoso allí y pasar 4 o 5 días de vacaciones. Las buenas actuaciones del equipo y la experiencia del año anterior en Santiago servían como alicientes para emprender un nuevo viaje hacia allí. Acompañados por algunos parientes y amigos (ya que los muchachos debían de pagar los US$ 1600 que valía el vuelo charter), los jóvenes jugadores (de una media de 22 años) abordaban el bimotor de la Fuerza Aérea uruguaya, sin saber que para muchos sería el último viaje de su vida. Luego de una escala obligada en Mendoza por mal tiempo, el avión reanudaría su trayecto hacia el sur - buscando un pasaje entre las montañas más bajo, el Paso Planchón a 160 kms al sur de Mendoza, punto de control aéreo -. La idea era que una vez hubieran pasado los picos andinos, el viaje reanudase al norte hasta llegar a Santiago. Pero, al aumentar la nubosidad y el viento de cola, los pilotos se vieron obligados a reducir la velocidad de 210 a 180 nudos, y eso termina llevando a un error de cálculo, ya que cuando creián haber pasado la cordillera para enfilar rumbo norte, en realidad no lo habían hecho, por lo tanto terminan tomando hacia el norte por entre las montañas. Esto termina derivando en el impacto del ala derecha contra una montaña, la rotura de la cola, pasajeros despedidos, la rotura del ala izquierda luego, para finalmente hacer que la parte delantera del avión se deslice cual tobogán por la nieve andina, aplastando a varios de sus ocupantes. 

De los 45 que salieron, 29 permacían con vida luego del impacto, pero muchos menos lograrían sobrevivir las penurias vividas en los 72 días que llevó al rescate final.

Mientras uno va viendo este largometraje, no puede menos que horrorizarse, admirarse del espíritu humano, emocionarse, y plantearse que haría uno ante la disyuntiva de consumir carne humana o no, en un caso extremo como éste. Las actuaciones de Enzo Vogrincic (Numa), Agustín Pardella (Nando), y Matías Recalt (Canessa) son dignas de elogio, y el resto del elenco acompaña muy bien, máxime teniendo en cuenta la dieta que muchos de ellos tuvieron que mantener (por ahí leí una entrevista a Simón Hempé quien interpreta a "Coche" Inciarte, quien se alimentaba a 1 lata de sardinas y 1 naranja por día). Desde la música (del gran Michael Giachino - "Los Increíbles", "Ratatouille", "Zootopia") hasta la fotografía, pasando por vestuario, CGI, y maquillaje, "La Sociedad de la Nieve" se vuelve no solo una historia excelentemente narrada - muy fiel a la historia -, si no también un producto de gran calidad, me atrevería a decir, superando las expectativas de propios y extraños. 

Hay perlitas que destacar en determinados diálogos, así como en los cameos del propio Parrado (abriéndole la puerta en el aeropuerto a quienes interpretaban a su mamá y su hermana), como la de Canessa como doctor detrás de Recalt (quien lo interpreta), o la de Carlitos Paez Vilaró interpretando a su propio padre. No obstante, más allá de logros técnicos y actorales, guión y dirección, lo que se logra en conjunto es algo único: es el hacerte poner en la piel de los protagonistas, sentir la desesperación, el desamparo de saberse ya no buscados y dados por muertos, es el ver cómo las personas que querés van muriendo, es saber (para algunos) que a aquellos quienes amas no los vas a ver más, es sentirte nada entre tanta nieve, es confiarte a dios o tu instinto de supervivencia, es el amor entre amigos, como diría Numa, el mantener la cordura y la esperanza a pesar de... Eso está logrado...y mucho más. 

"La Sociedad de la Nieve" es en resúmen, una película que no deberías perderte, una que te dejará pensando y sientiendo muchas cosas, pero que sin dudas no pasará inadvertida. Una lección de vida a la que en definitiva prestar atención.

FICHA TÉCNICA:
PAÍS: España / Chile / Uruguay / USA
AÑO: 2023
GÉNERO: drama / historia / biográfica
DURACIÓN: 144 minutos
GUIÓN: 9/10
DIRECCIÓN: 10/10
ACTUACIONES: 7/10
CGI: 9 / 10

RATED: R

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LOKI - Temporada 2

 

En la línea de las semillas planteadas en la primer temporada (resumida acá), esta segunda (y final?) temporada de "Loki" recoje el manto donde se dejara en la primera, y la amenaza latente de "Aquel Que Permanece", conocido también por Kang El Conquistador (nombre con que se diera a conocer en "Ant-Man & The Wasp"), interpretado por el controversial Jonathan Majors (abro paréntesis).

El verdadero propósito de "Loki" como serie es brindarle un propósito (juego de palabras a drede) al villano de cambiar, propósito que en la primer temporada parecía ser (entre otros) haber encontrado el amor en la figura de Sylvie (Sophia Di Martino - "Yesterday"). Aquí, sin embargo, las apuestas crecen, y Loki pasará a tener un rol crucial en el multiverso Marvel - de lo que fue y lo que será -, dado por la posiblidad de los viajes en el tiempo, y dándole a Marvel la oportunidad de matar dos pájaros de un tiro: darle a Loki el final que merece, y eliminar de la ecuación el personaje de Majors, no por el personaje en sí, si no por el actor.

Majors, que se ha visto envuelto en escándalos de acoso y agresión, aunque finalmente fue solo sentenciado por los presentados por su ex-novia, Grace Jabbari (acoso y agresión física). Esto llevó a que Disney cancelara la presentación de su primer producción cinematográfica ("Magazine Dreams"), y que el MCU lo eliminara de la nueva película de Los Vengadores ("Los Vengadores: La Dinastía Kang"), incluso llevando a la empresa a cambiar el subtítulo del film. Debido a todo esto, podría afirmarse que el actor de "Creed III" vería en "Loki 2" su última participación en el MCU (cierro paréntesis).

Volviendo a "Loki 2", es una serie que - en mi opinión - dista de ser lo buena y cohesiva que era la primera, y la variedad de directores que se hicieron cargo (Kate Herron, Aaron Moorhead, Eric Martin, etc), aumentó el embrollo cósmico al que quedamos expuestos, algo que ni la incorporación del ganador del Oscar Ke Huy Quan ("Todo En Todas Partes Al Mismo Tiempo") - como un escape humorístico y el tipo que sabe toda la parte técnica de cómo funcionan los viajes y la ATV (recurso manido si los hay) -, ni el buen desarrollo de la historia de Victor Timely (interpretado por Majors), ni las actuaciones de Owen Wilson,Tom Hiddleston, y la propia Di Martino, pudieron salvar. Es confusa, hay personajes que se pierden por el camino, se olvidaron de perseguir a las variantes de Loki (leitmotiv de la primer temporada), y podríamos aplicar acá lo visto en "Doctor Strange 2": "el multiverso de la locura". Lo mejor (sin dudas), y lo más memorable, pasa por el final, sin dudas. Mientras algunos personajes secundarios se van deshilachando (hasta la propia Sylvie, contenta con trabajar por el mínimo en McDonald's - la torta de plata que deben de haber puesto los de "los arcos dorados"! - ), el propio Loki tiene momentos de introspección, honestidad para consigo mismo, e iluminación, que hacen de su viaje espiritual uno que deja al espectador amando al personaje. Y aún más interesante es el paradojico final entre lo que él le declara a Sylvie que verdaderamente pretende (episodio 6 si mal no recuerdo), y lo que finalmente termina pasando. Esa parte es simplemente brillante. 

Sin el episodio final la serie hubiese quedado en lo mediocre; por suerte, contrariamente a lo que muchas veces vemos en varias otras producciones, donde el final es lo más flojo, acá es lo que termina salvando el producto. 

Una nota al MCU (y a quien le quepa el sayo): aflojen con la diversidad de directores para un mismo producto. Es como si a cuadro de futbol le cambiaras el DT cada 4 partidos; es complejo lograr los resultados esperados de esa forma, y más si los DTs juegan a cosas distintas.

FICHA TÉCNICA:
PAÍS: USA
AÑO: 2021-2023
GÉNERO: superhéroes / aventura / ciencia ficción
DURACIÓN: 6 episodios de 50 minutos cada uno aprox.
GUIÓN: 6/10
DIRECCIÓN: 4/10
ACTUACIONES: 8/10
CGI: 9 / 10
PRESUPUESTO: US$ 120.000.000 (aprox)

RATED: PG-12

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EL ENCARGADO Temporada 2

 

Y cuando uno piensa que segundas temporadas no son buenas (para excepciones cada vez tenemos más, por suerte), llega la segunda entrea de la serie creada por Mariano Cohn y Gastón Duprat.

Después de una triunfante primera temporada para Eliseo (uhhh...sin ánimos de spoilear, chequeate acá la reseña de la primera temporada), éste se ve enfrentado a una nueva amenaza, una que lo obligará a hacer equipo con su archienemigo de la primera, Zambrano. Como ya sabemos, Eliseo (Guillermo Francella) tiene controlado a todos en el edificio, no sólo por las cámaras de seguridad instaladas en pasillos, ascensores, y salas comunes, sino también por poseer llaves maestras de todos los apartamentos, y su habilidad única para la manipulación de los inquilinos. Sin embargo, la llegada de la activista Lucila Morris (María Abadí - "Los Ricos No Piden Permiso") lo llevará a adoptar medidas extremas. Morris - aparentemente intachable - buscará hacerse con el control del consorcio, y para ello empezará a hacer cuentas y revisar la contabilidad, cosa que sacará a la luz los "negocios laterales", tanto de Zambrano ("El Puma" Goity) como del propio Eliseo. Guiado por el principio de "todos tenemos un muerto en el placard", Eliseo no cejará en su intento de desacreditar a Lucila.

Cohn y Duprat se las ingenian para buscarle la vuelta a una situación que ya parecía laudada, haciendo que descubramos nuevas capas (y tal vez verdades) de Eliseo, desde su relación con su familia, la verdad sobre "Clarita", y qué es lo que verdaderamente motiva al "encargado". Incursionando en el quiebre de "la cuarta pared" - cosa que se hiciera de moda con "House of Cards", aunque ya existiera desde Shakespeare - y nuevos niveles de "maquiavelidad" para el propio Eliseo, "El Encargado 2" se mantiene a la altura de su predecesora, como mínimo.

Como siempre, el personaje interpretado maistralmente por Francella será uno que odiaremos amar, y (sin spoiler), haciendo que la tercer temporada (ya en producción) sea promisoria.

FICHA TÉCNICA:          

PAÍS: Argentina
AÑO: 2022-2023
GÉNERO:  comedia / drama / suspenso
DURACIÓN: 7 x 30 minutos
GUIÓN: 9 /10  
DIRECCIÓN: 8 / 10
ACTUACIONES: 8 /10

RATED: PG-16

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DEJAR EL MUNDO ATRÁS

 

Quién no quizo alguna vez dejar todo, irse al medio del campo, y que nadie lo volviera a molestar por un buen tiempo??? Quién no se hartó alguna vez del mundo que lo rodea??? Irse unos días al medio de la nada no suena nada mal, no?

Esa es precisamente la idea que tienen los Sandford. Amanda Sandford (Julia Roberts) está hastiada de su vida y de quienes la rodean (salvo su familia, claro está). Es por ello que un buen día despierta a Clay, su marido (Ethan Hawke), para decirle que las maletas ya están armadas y que ese mismo día se van a una casa en el medio del campo a pasar unos días. Clay y Amanda, junto a sus dos hijos, Rose (Farrah Mackenzie - "Utopia") y Archie (Charlie Evans - "Todo va a ir bien"), llegan a esta casa de ensueño a descansar de la rutina y del resto de los humanos. Sin embargo, ni bien llega la noche, dos extraños que dicen ser los dueños de la casa golpean a su puerta insistiendo en pasar la noche allí. Los Sanders nunca imaginarían la amenaza que están por vivir; aislados, sin comunicación con el mundo exterior, y con estos dos sospechosos recién llegados, se enfrentarán a una situación extrema que ni en sus peores pesadillas podrían haberse imaginado.

Basada en la novela homónima de Rumaan Alam, dirigida y adaptada a la pantalla por Sam Esmail (Mr. Robot), y producida por Michelle y Barack Obama, este film de tono apocalíptico nos deja entrever ciertos planteos que están a la orden del dia: renegar de cosas que podés terminar necesitando, el prejuicio y la discriminación, lo verdaderamente importante, el egoísmo inherente a los humanos (aunque también el altruismo), y como encontrar solaz en cosas aparentemente banales como una serie de TV (quien no tiene series de "comfort" como pueden ser "Friends", "The Big Bang Theory" o "Gilmore Girls"? Series que nos hacen sentir menos "bajón", y pensar que todo se va a resolver de buena manera, y cuyos episodios ya nos sabemos de memoria y podemos actuar). 

"Leave the World Behind" atrapa, no solo por el nivel y calibre de los actores (a Hawke y a Roberts debemos sumarle los talentos del doble ganador del Oscar Mahershala Ali - por "Green Book" y "Moonlight" -, Kevin Bacon, y Myha 'la, de "Black Mirror"), si no por la trama en sí. Además, pequeños detalles - a veces imperceptibles como el cambio de las pinturas - o algunos más notorios como el uso de determinados planos o "zooms", llaman la atención, de a ratos retrotrayéndonos a los '70. Probablemente, los bajos puntajes en páginas como Rotten Tomatoes o IMDb se deban al cierre del film. Podría esta nueva producción de Netflix haber terminado de otra forma? Sí, sin dudas. Podría dar lugar a una secuela? También, aunque no necesariamente. Creo - sin haber leído el libro - que el foco del director (al menos) es el viaje evolutivo de algunos de los personajes, la aceptación de determinadas verdades que uno rehuye a creer de uno mismo o de la vida, y re-evaluar la seguridad que el ciudadano promedio norteamericano cree tener. 

Sin dudas, la película te va a atrapar (las dos horas y pico se te pasan volando)! Tal vez te suceda - como al 90% de las personas - que te decepciona el final, pero si lo mirás desde la perspectiva que te contaba en el párrafo anterior, tal vez veas que el fin en sí está muy bien.

FICHA TÉCNICA:          

PAÍS: Estados Unidos
AÑO: 2023

GÉNERO: dram / misterio / suspenso
DURACIÓN: 138 minutos
GUIÓN: 8 /10  
DIRECCIÓN: 7 / 10
ACTUACIONES: 8 /10

CGI: 7 / 10

RATED: PG-12

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BLUE BEETLE

 

La vasta mayoría de los comentarios la van a matar, aunque si querés ver algo de acción superheroica con los de mediana edad, puede rendir muy bien. "Blue Beetle" es uno de esos personajes secundarios (o terciarios) de DC Comics, al que quizás se buscó darle un giro entre Venom, Ironman, y Shazam, y que funciona para determinadas audiencias, y para otras no, y que hubiese sido una película muy interesante...de haberse filmado 15 años atrás.

Jaime Reyes (Xolo Maridueña - "Cobra Kai") acaba de graduarse y regresa a su pueblo natal - Palmera City - a reencontrarse con su familia, para enterarse de que su padre se ha quedado sin trabajo y están por perder el hogar de toda su vida. Su hermana le consigue un trabajo temporal en la mansión de la millonaria tecnológica Victoria Kord (Susan Sarandon), pero son despedidos al poco tiempo, ya que Jaime interfiere en una discusión entre Victoria y su sobrina, Jenny Kord (Bruna Marquezine). Esto le granjea una incipiente amistad con la muchacha, quien le promete ayudarlo a conseguir otro trabajo. Cuando Jenny descubre que su tía está usando un ancestral escarabajo alienígena para desarrollar armas (algo que su padre - el fundador de la Empresa Kord - nunca hubiese permitido), Jenny decide robárselo, y no tiene mejor idea que dárselo a Jaime en una caja de hamburguesa, bajo promesa de no ver lo que hay dentro hasta que ella lo vaya a buscar. Como es de esperar, Jaime - bajo el influjo de su curiosa familia - abre la caja, solo para ser "poseído" por el escarabajo, adquiriendo unos poderes que van más allá de la tecnología que poseemos hoy día. Mientras Jaime trata de deshacerse de su "inquilino", tanto él como Jenny deberán huir de la furiosa tía que quiere recuperarlo a toda costa.

La crítica más acérrima le indilga la falta de originalidad en su guión, lo cual es cierto. La abundancia de clichés y de procedimientos formulaicos es omnipresente: se sabe desde que Jaime y Jenny se conocen que se van a enamorar, el contraste entre el latino bueno y pobre, y la americana blanca rica (una mala y otra buena) también se antoja manido, el tio loco que es un experto en computadoras tampoco es nuevo, ni lo es el drama y la pérdida familiar. 

En cuanto este último punto, es evidente que el americano tiene la percepción de la familia latina numerosa, que viven todos juntos, y hacen todo juntos, y eso se ilustra en el film. El poder del amor familiar es constantemente resaltado (en demasía), incluso haciendo que la chica blanca lo resalta dede la "envidia sana". Y también es evidente que esta cinta está hecha atendiendo a la minoría (mayoritaria) que significa el mercado hispano ($$$).

Hay también un abuso de los punchlines y estereotipos (latinos, caucásicos, el bien y el mal) que sólo puede tener como intención apuntar a un público joven con poco "rodaje cinematográfico" y "lectura entre líneas"...como que viene todo muy "masticado" para que sea facil de entender y que el punto quede claro.

Luego está el tema de las actuaciones, que en general son mediocres (uno se pregunta qué hace Sarandon acá, pero también entiendo que debe de haber recibido un dinerillo muy interesante por formar parte de esto). No obstante, Maridueña se hace querible como personaje principal (lago que no sucede con la heredera de Wakanda, por ejemplo), y eso ya suma un montón. 

Y por último está el tema del CGI, que en lo personal, no lo veo tan mala como muchos sostienen.

Pero..."Blue Beetle" tiene cosas muy buenas, más allá de que por momentos te recordará a Iron Man hablando con J.A.R.V.I.S. en su traje (o las armas que desplega), o el hecho de que intenta deshacerse de su "visitante" (como lo hiciera Eddie Brock con el simbionte Venom), o incluso que toda la familia se transforma en héroes (al estilo Shazam!). Es un film que fluye - más allá de su predicibilidad -, el personaje de Jaime Reyes es uno con el que mucha gente se puede identificar, hay amor en varias de sus formas y buenos valores, las escenas de acción están bien logradas, cuenta con un par de buenos temas en la banda de sonido (Mötley Crüe aparece por allí, lo cual ya de por sí le sube un puntito al film) y da trasfondo a una potencial película de los Teen Titans o incluso a una secuela (basados en lo visto en la primer escena post-crédito).Y...a fuerza de ser honesto, me entretuvo.

Blue Beetle fue un personaje creado en 1939 por Charles Wojtkoski, llamado Dan Garret, y es su segunda versión (la de Ted Kord) la que lograra el impacto con la adquisición de DC Comics. Es esta tercera versión - la de Reyes - la que sin embargo calza mejor para la época de inclusión en la que vivimos (no viene mal entre tantos héroes caucásicos tener un latino), y creo que es un acierto por parte de Angel Manuel Soto (director del film) no desconocer la importancia del predecesor de Reyes, algo de manifiesto en el film.

FICHA TÉCNICA:          

PAÍS: Estados Unidos / México
AÑO: 2023

GÉNERO: ciencia ficción / superhéroes / aventuras
DURACIÓN: 127 minutos
GUIÓN: 3 /10  
DIRECCIÓN: 6 / 10
ACTUACIONES: 5 /10

CGI: 7 / 10

PRESUPUESTO / GANANCIAS:  US$ 104.000.000 / US$ 129.288.072

RATED: PG-12

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