GOYO

Protagonizada por Nicolás Furtado, conocido por su rol de "Diosito" en "El Marginal", "Goyo" es un slice of life de...precisamente Goyo, un joven adulto con Asperger, que trabaja en un museo, gran conocedor de pintura...y de muchas otras cosas, salvo el amor de pareja.

Goyo es guía en el Museo Nacional de Bellas Artes en Buenos Aires, sigue una vida rutinaria, y vive junto a sus dos hermanos, Saula, una concertista de renombre, y Matute, un chef muy compinche suyo (interpretados por Soledad Villamil y Pablo Rago, quienes coincidieron en "El Secreto de sus Ojos").

Un buen día, la rutina de Goyo es interrumpida al conocer a Eva (Nancy Dupláa - "Relatos Salvajes"), de quien se enamora a primera vista al verla luchar con un paraguas bajo la lluvia, y a quien se encuentra más tarde en su museo, como la nueva guardia de seguridad. 

Eva ya no cree en el amor, producto de un matrimonio violento y venido a menos, y poco más que la única fuerza motora para seguir luchando son sus dos hijos, uno que ronda los 20 y está empezando a hacer su propia vida, y el otro, un joven adolescente muy apegado a su madre. 

Superando todos sus miedos, Goyo invita a Eva a por un café, y ella, superando todos sus prejuicios, acepta. Esto será el comienzo de una nueva forma de ver y entender el amor...para ambos, con los obstáculos mentales y físicos que esto pueda aparejar.

Tanto Furtado como Dupláa cumplen en sus roles, haciéndonos creer en la posibilidad de que esta pareja llegue a buen puerto, a pesar de las diferencias. Marcos Carnevale ("Elsa y Fred", "Anita"), director y escritor de este film, hace un buen trabajo en mecharnos el humor - en general producto de la interacción de Rago y Furtado - con las referencias artísticas de Van Gogh, y los dramas de la cotidianeidad y las miradas críticas del mundo en que vivimos. 

Y si bien el tema del Asperger y el amor ha sido tratado con anterioridad ("Adam", "Mozart & The Whale", "The Big Bang Theory") Carnevale , logra transmitir la idea de que todos somos tenemos nuestras imperfecciones con éxito, evitando que dicho mensaje sea extremadamente evidente y forzado.

FICHA TÉCNICA:          
PAÍS: Argentina
AÑO: 2024
GÉNERO: drama / comedia / romance
DURACIÓN: 106 minutos
GUIÓN: 6 /10  
DIRECCIÓN: 6 /10
ACTUACIONES: 7 /10

RATED: PG-16

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MAMONAS ASSASSINAS: NADA ES IMPOSIBLE

Fan service? Hacer un poco más de plata del que fuera probablemente el mayor éxito musical (en el género rock) de Brasil de los últimos 30 años? Tributo con toque de comedia en honor al espíritu de "los 5 de Guarulhos"? Y...hay un poco de todo. 

Corría el año 1995 y los ex-integrantes del grupo de rock alternativo Utopía veían con tristeza como todos sus esfuerzos por llegar a la fama con su primer y único álbum se desvanecían en un tris. Es allí cuando su productor musical les recomienda ir por la veta cómica, aprovechando las ideas hilarantes de sus miembros y el histrionismo mostrado en el escenario por su vocalista principal, Dinho. Enrico Costa - personaje ficticio que haría las veces del productor real, Rick Bonadio -les aconseja ya de paso que cambian de enfoque en sus letras, hacer lo mismo con el género musical, sin abandonar completamente el rock alternativo, mas también agregando pagode, country, forró, y el heavy metal. Y ya que estaban el nombre. Es allí que surge Mamonas Assassinas. Y el éxito fue inmediato, mas muy fugaz. En sus cortos 8 meses de vida, estos gaúchos conquistaron los corazones - y las emisoras de radio y cadenas de televisión - con su rock irreverente, poco serio, y hasta con crítica social, ya que estos chicos de Guarulhos nunca se olvidaron de sus orígenes.

Desafortunadamente, en un viaje rumbo a su ciudad natal, el avión en que viajaban termina colisionando contra la Serra da Cantareira, devastando, no sólo a varias familias y a sus fans, si no también a un país con la tragedia. Nos dejaron un solo disco de estudio, el homónimo "Mamonas Assassinas", actuaciones memorables, y un sabor de boca muy amargo para todos aquellos que quedamos prendados de esta expresión musical y de alegría que salía de los cánones habituales. 

Obviamente, luego vendrían varios bootleg, grabaciones perdidas, y remasterizaciones, pero ya nada sería lo mismo. 

En lo personal, el film deja gusto a poco. Desde el tono que se le da al mismo, pasando por las actuaciones, e incluso el poco detalle que se da al final sobre la muerte de estos 5 músicos (más los dos pilotos y dos técnicos que viajaban con ellos). Entiendo que el propósito pueda ser celebrar la vida de la banda, sin embargo, considero que habría que habérsele dado algo más de desarrollo a esta desastrosa tragedia. Queda también la sensación de que se necesitaba más "seriedad" en algunos tramos del film, que se notan innecesariamente cómicos, y muchos pasajes que no tienen tanto que ver con la realidad tampoco, desde algunas relaciones amorosas a decorados. Se siente como con pobre producción, y la edición a veces no convence del todo. 

Amo a las Mamonas, y si bien este film no se hizo imposible de digerir, se sintió raro. Lo mejor de todo fue que luego me dieron muchas ganas de escucharlos, cosa que hice esa misma madrugada. 

Se dice que hay una serie en producción. Veremos qué tal.

FICHA TÉCNICA:
PAÍS: Brasil
AÑO: 2023
GÉNERO: biografía / drama / comedia / música
DURACIÓN: 95 minutos
GUIÓN: 5 /10
DIRECCIÓN: 3 /10
ACTUACIONES: 5 /10

RECAUDACIÓN: US$ 11.402

RATED: PG-16

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MAESTRO

Son 7 las nominaciones para estos premios Oscar de la película "Maestro", entre los que se encuentran Mejor Guion Original, Mejor Película, Mejor Actor Principal (Bradley Cooper - "¿Qué Pasó Ayer?") y Mejor Actriz Principal (Carey Mulligan - "El Gran Gatsby").

El film, dirigido y co-escrito por el mismísimo Bradley Cooper, recorre gran parte de la vida de quien fuera un ícono en la música norteamericana, Leonard Bernstein. ¿Quién fue Bernstein y porqué fue famoso? Además de haber compuesto algunas operas famosas, como lo fue "A Quiet Place", varios musicales, y realizar la banda de sonido de un puñado de largometrajes (tal vez el más famoso sea "West Side Story"), Bernstein fue un revolucionario en la forma de conducir orquestas (inspirando a más de un director que vendría luego), y por si fuera poco el primer director norteamericano en habérsele dado la conducción de una filarmónica mayor. 

Pero claro, si la película se tratara de logros meramente, poco atractivo tendría para las masas. 

Una característica ineludible del artista fue su entendimiento y apertura mental con respecto al sexo, algo que hasta el día de hoy puede resultar difícil de concebir. 

El film comienza a color con un Bernstein rememorando cuánto "la extraña" mientras un documental es filmado en su casa; es ineludible pensar que se refiere a su esposa. de allí en más, nos vamos atrás en el tiempo, con un Bernstein haciendo sus primeras armas como director y conviviendo con un músico (David Oppenheimer, interpretado por Matt Bomer), con quien también sostenía un romance, el cual no ocultaba a sus allegados, aunque sí al "resto del mundo". Es en una fiesta donde Bernstein conocería a quien sería su gran amor femenino, Felicia Montealegre (Mulligan), una actriz de origen costarricense, famosa por la serie de televisión "Casa de Muñecas". Congeniando a la perfección, llegaron a casarse y tener 3 hijos, aunque Felicia tuvo mucho tiempo que convivir con la bisexualidad cada vez más abierta de su esposo.

El estilo directriz de Cooper no llega a convencer del todo en este film, y es que como si durante el mismo se intentara ilustrar que estos momentos son los que el mismo Bernstein destaca de su propio vida durante la entrevista que se lleva a cabo al comienzo (y al final) del largometraje: son como segmentos de exprofeso inconexos en su mayoría. Si esa es la idea, no está mal, pero termina por no darle demasiada profundidad a los dos personajes principales, léase Bernstein y Montealegre. Por ejemplo, nunca se llega a dilucidar cuándo es bien que ella se da cuenta de la bisexualidad de su marido (o si siempre lo supo), el motivo por el que a pesar de ello siguió con él, o el porqué de la relación de Leonard con sus hijos. 

Hay un gran trabajo de Cooper en el estudio de Bernstein como director y músico, aunque su interpretación (tal vez por la prótesis nasal), de a ratos llega a ser quasi caricaturesca; con todo, su nominación como Mejor Actor podría llegar a estar justificada (por algunos entendidos). Cooper mismo declaró haber pasado años aprendiendo a dirigir como Bernstein, en especial una escena, que en lo personal se me hizo larga, y cuya música (más allá de disfrutar de lo clásico), jamás me llegó.

Hablando de música, se me hace que la relevancia dada a la misma (o a la composición de sus obras), no llega a justificar que el título del film sea precisamente "Maestro", si bien entiendo el gancho y que a Bernstein se le llamaba así (o simplemente Lenny). 

Creo que lo mejor del film pasa por Mulligan, a quien veo como una firme contendiente para el Oscar como Mejor Actriz Protagónica. 

FICHA TÉCNICA:
PAÍS: USA
AÑO: 2023
GÉNERO: biografía / drama / historia
DURACIÓN: 129 minutos
GUIÓN: 4/10
DIRECCIÓN: 5 /10
ACTUACIONES: 8/10
CGI: 6 / 10

PRESUPUESTO / RECAUDACIÓN: US$ 80.000.000 / US$ 383.532

RATED: PG-12

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LA SOCIEDAD DE LA NIEVE

Siendo probablemente el film del momento, "La Sociedad de la Nieve" nos relata una vez más, pero bajo una nueva perspectiva, lo acontecido a los 45 tripulantes del Fairchild Hiller de la Fuerza Aérea Uruguaya que se estrellara el 13 de Octubre de 1972 en la Cordillera de los Andes. 

Conocida es ya por muchos en la región la "Tragedia de los Andes", pero no para muchas otras personas en otras latitudes, especialmente aquellos que no se cruzaron con las predecesoras de "La Sociedad..." - entiéndase "Alive!" (dirigida y producida por Frank Marshall - 1993 -, protagonizada entre otros por Ethan Hawke, John Malcovich, y Josh Hamilton, y basada en el libro de Piers Paul Read de 1974), o "I Am Alive: Surviving the Andes Plane Crash" (2010), de tinte documental y que tiene como protagonistas a dos de los supervivientes de la tragedia, Nando Parrado y Roberto Canessa. Además de otras cintas que aparecieron en estos 50+ años desde la tragedia, también hubo un sinnumero de libros, además del mencionado de Reads: "Milagro en los Andes" (la mirada de Parrado de lo acontecido, publicado en el 2006), "Tenía que Sobrevivir" (la versión de Canessa, del 2016), "Desde el Silencio" (escrito en el 2019 por Eduardo Strauch, otro superviviente), y "La Sociedad de la Nieve" (2009, escrito por Pablo Vierci) que sirviera de base para el film en cuestión.

Este largometraje, dirigido por el catalán J.A. Bayona ("El Orfanato" y "Lo Imposible" - aquella de la familia americana y el tsunami en el sur de Asia), muestra mucho tino en presentar algunos hechos otrora soslayado por otros directores, y brilla en dar voz a aquellos quienes ya no están, sin escaparle a las partes más crueles de la tragedia. 

Corría el año '72 y el equipo de rugby uruguayo Old Christians se disponía a hacer su segundo viaje a tierras chilenas con la idea de jugar un partido amistoso allí y pasar 4 o 5 días de vacaciones. Las buenas actuaciones del equipo y la experiencia del año anterior en Santiago servían como alicientes para emprender un nuevo viaje hacia allí. Acompañados por algunos parientes y amigos (ya que los muchachos debían de pagar los US$ 1600 que valía el vuelo charter), los jóvenes jugadores (de una media de 22 años) abordaban el bimotor de la Fuerza Aérea uruguaya, sin saber que para muchos sería el último viaje de su vida. Luego de una escala obligada en Mendoza por mal tiempo, el avión reanudaría su trayecto hacia el sur - buscando un pasaje entre las montañas más bajo, el Paso Planchón a 160 kms al sur de Mendoza, punto de control aéreo -. La idea era que una vez hubieran pasado los picos andinos, el viaje reanudase al norte hasta llegar a Santiago. Pero, al aumentar la nubosidad y el viento de cola, los pilotos se vieron obligados a reducir la velocidad de 210 a 180 nudos, y eso termina llevando a un error de cálculo, ya que cuando creián haber pasado la cordillera para enfilar rumbo norte, en realidad no lo habían hecho, por lo tanto terminan tomando hacia el norte por entre las montañas. Esto termina derivando en el impacto del ala derecha contra una montaña, la rotura de la cola, pasajeros despedidos, la rotura del ala izquierda luego, para finalmente hacer que la parte delantera del avión se deslice cual tobogán por la nieve andina, aplastando a varios de sus ocupantes. 

De los 45 que salieron, 29 permacían con vida luego del impacto, pero muchos menos lograrían sobrevivir las penurias vividas en los 72 días que llevó al rescate final.

Mientras uno va viendo este largometraje, no puede menos que horrorizarse, admirarse del espíritu humano, emocionarse, y plantearse que haría uno ante la disyuntiva de consumir carne humana o no, en un caso extremo como éste. Las actuaciones de Enzo Vogrincic (Numa), Agustín Pardella (Nando), y Matías Recalt (Canessa) son dignas de elogio, y el resto del elenco acompaña muy bien, máxime teniendo en cuenta la dieta que muchos de ellos tuvieron que mantener (por ahí leí una entrevista a Simón Hempé quien interpreta a "Coche" Inciarte, quien se alimentaba a 1 lata de sardinas y 1 naranja por día). Desde la música (del gran Michael Giachino - "Los Increíbles", "Ratatouille", "Zootopia") hasta la fotografía, pasando por vestuario, CGI, y maquillaje, "La Sociedad de la Nieve" se vuelve no solo una historia excelentemente narrada - muy fiel a la historia -, si no también un producto de gran calidad, me atrevería a decir, superando las expectativas de propios y extraños. 

Hay perlitas que destacar en determinados diálogos, así como en los cameos del propio Parrado (abriéndole la puerta en el aeropuerto a quienes interpretaban a su mamá y su hermana), como la de Canessa como doctor detrás de Recalt (quien lo interpreta), o la de Carlitos Paez Vilaró interpretando a su propio padre. No obstante, más allá de logros técnicos y actorales, guión y dirección, lo que se logra en conjunto es algo único: es el hacerte poner en la piel de los protagonistas, sentir la desesperación, el desamparo de saberse ya no buscados y dados por muertos, es el ver cómo las personas que querés van muriendo, es saber (para algunos) que a aquellos quienes amas no los vas a ver más, es sentirte nada entre tanta nieve, es confiarte a dios o tu instinto de supervivencia, es el amor entre amigos, como diría Numa, el mantener la cordura y la esperanza a pesar de... Eso está logrado...y mucho más. 

"La Sociedad de la Nieve" es en resúmen, una película que no deberías perderte, una que te dejará pensando y sientiendo muchas cosas, pero que sin dudas no pasará inadvertida. Una lección de vida a la que en definitiva prestar atención.

FICHA TÉCNICA:
PAÍS: España / Chile / Uruguay / USA
AÑO: 2023
GÉNERO: drama / historia / biográfica
DURACIÓN: 144 minutos
GUIÓN: 9/10
DIRECCIÓN: 10/10
ACTUACIONES: 7/10
CGI: 9 / 10

RATED: R

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NADA

 

Indudablemente, la principal motivación de esta miniserie argentina no pasa por ver a Brandoni...ni siquiera por ver a De Niro, si no por la interacción de ambos, y por ver al protagonista de "El Padrino" en un contexto porteño.

De Niro y Brandoni mantienen una muy buena relación (al punto de que el argentino pasó alguna navidad en la casa del americano en alguna ocasión). Fue una carta de puño y letra del mismísimo Luis Brandoni que convenció al bueno de Robert de participar en esta miniserie emitida por Star+, luego de varias negativas.

En "Nada" nos encontramos a Manuel Tamayo Prats (Brandoni), un experto y crítico culinario venido un tanto a menos, que se enfrenta a un drama existencial. La mujer que cuida de él en todo sentido (y hasta le hace de chofer), Celsa (María Rosa Fugazot), un buen día muere, dejándo a Manuel a la deriva y sin saber cómo manejarse. Su vida ha dado un giro de 180° y a su edad (por encima de los 80), todo es un desafío inmenso, máxime teniendo en cuenta que estaba acostumbrado a que Celsa le hiciera todo. Para peor, está en deuda con su editor, con sus amigos, y sus críticas culinarias le están cerrando las puertas de varios restaurantes. Es con la llegada de una nueva "asistente" (la joven paraguaya Antonia, interpretada por la novel Majo Cabrera) que la vida de Tamayo Prats dará un nuevo vuelco.

Hay un muy buen trabajo de Brandoni en su rol de engreído bon vivant en desgracia, que gracias a sus recursos logra salir adelante, aunque alienándose, presentando una buena química con De Niro, que hace principalmente las veces de relator de la historia de Prats. Sería muy aventurado decir que hay una gran actuación de De Niro, y se me ocurre que su intervención podría catalogarse como "simpática" y "honesta", especialmente en la introducción de cada episodio donde explica algunos términos rioplatenses como "la verdad de la milanesa", "remar en dulce de leche", o la diferencia entre "boludo" y "pelotudo".

El tema de la comida es siempre uno que motiva, sobre todo cuando está tan bien presentado como en este show, y, aunque no presenta nada muy novedoso. sirve de marco para que una persona de tercera edad se haga planteos que en condiciones normales no se haría...un poco en la línea de "enseñar a un perro viejo nuevos trucos". En términos de la historia en sí, ésta es simple, tal vez con muchas pretenciones en dicha simpleza. Y el final, llegará sin dudas a ser debatible.

Lo mejor de "Nada" pasa por ver Buenos Aires con otros ojos (los del crítico de comida anclado al pasado, los de De Niro, y los de la paraguaya recién llegada), por la moraleja de que "nunca es tarde para cambiar", y en su duración: solo 5 episodios de media hora.

FICHA TÉCNICA:          
PAÍS: Argentina
AÑO: 2023
GÉNERO:  drama / comedia
DURACIÓN: 30 minutos x 5 episodios (aprox)
GUIÓN: 7 /10  
DIRECCIÓN: 8 /10
ACTUACIONES: 7 / 10
RATED: PG - 18

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THE WHITE LOTUS - Temporada 1

 

Corría el año 2022 y "The White Lotus" arrasaba en los Emmys con Mike White como Mejor Productor, Mejor Escritor, y Mejor Director, Jennifer Coolidge ("Legally Blonde" / "American Pie") como Mejor Actriz de Reparto, y Murray Bartlett ("The Last of Us") como Mejor Actor de Reparto. "The White Lotus" es un lujoso hotel de Hawáii, parte de una cadena internacional de hoteles. En el devenir de la serie se siguen las historias interconectadas de varios huéspedes y miembros del personal del hotel durante una semana, comenzando con la llegada de diferentes personajes al hotel, incluyendo una familia adinerada compuesta por una pareja, Mark y Nicole, y sus hijos adolescentes, Quinn y Olivia. Además, tenemos a Shane (Jake Lacy - "Being the Ricardos") y Rachel (Alexandra Daddario - "San Andreas"), una pareja en su luna de miel, así como a una mujer llamada Tanya (Coolidge), que está de duelo por la muerte de su madre. 

A medida que la semana avanza, se revelan las tensiones y conflictos entre los personajes. Shane se muestra dominante y controlador hacia Rachel, lo que genera tensión en su matrimonio. Tanya intenta encontrar la iluminación espiritual a través de sesiones de masajes y terapia en el hotel, donde termina generando una relación de dependencia con Belinda, una de las encargadas de The White Lotus. Por otro lado, Mark (Steve Zahn - "Frecuencia Mortal") se siente frustrado e insatisfecho en su matrimonio, a la vez que busca reconectar con su hijo y superar un problema de salud que lo tiene al borde del colapso. Nicole (Connie Britton - "Nashville"), mientras tanto, se preocupa por el repentino cambio de actitud de su esposo. Quinn, es "bulleado" por su hermana y su mejor amiga, Paula, quien ha viajado con ellos a petición de Olivia, que llega al punto de hacerlo dormir en la cocina de la habitación. Incluso, la relación de estas amigas - las típicas adolescente que miran por encima del hombro a quien es distinto - empieza a cambiar cuando Paula muestra interés en uno de los trabajadores del hotel. Por su parte, Rachel va descubriendo que su esposo es un verdadero imbécil, y la situación termina de complicarse cuando la madre de éste les cae en el hotel "de visita". 

Tratando de atender a todos y solucionar un sin fin de problemas tenemos a Armond (Bartlett) el gerente general del hotel, quien eventualmente tendrá su propio colapso cayendo en el consumo de drogas y alcohol.

A medida que pasan los días, las tensiones y los secretos se vuelven aún más intensos. Eventualmente, las relaciones entre los personajes llegan a un punto de ebullición, y se produce un evento trágico que afecta a todos los presentes. "The White Lotus" es una mirada satírica a la vida de los ricos y privilegiados, explorando temas como la opresión, la desigualdad y la falta de conexión humana en un mundo que se centra en el lujo y la superficialidad. La temporada 1 ofrece una mirada cruda y provocativa a estos temas a través de personajes complejos y una narrativa envolvente, dejando al espectador con muchas preguntas y reflexiones al final.

En breve, el resúmen de la temporada 2.

FICHA TÉCNICA:          

PAÍS: U.S.A.
AÑO: 2021-2024
GÉNERO:  comedia / drama
DURACIÓN: 60 mins aprox. x 6 
GUIÓN: 9 /10  
DIRECCIÓN: 10 / 10
ACTUACIONES: 9 /10

PRESUPUESTO: US$ 3.000.000 por episodio (aprox)

RATED: PG-18

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PEAKY BLINDERS

 

Ya sé que "Peaky Blinders" se terminó de emitir en Abril del 2022 y que esta reseña llega bastante tarde,ya que probablemente ya hayas terminado de ver sus 6 temporadas. Pero...como yo recién la terminé ayer, acá va mi reseña, sin spoilers (al menos no de las últimas temporadas).

La trama de "Peaky..." gira en torno a los Shelby, una banda criminal con pocos escrúpulos ubicada en Birmingham, teniendo la primer temporada su base en 1919 (un año después de la Primera Guerra Mundial), y la última siendo desarrollada entre los años 1933 y 1934 (5 años antes del comienzo de la Segunda Guerra Mundial). Estos datos son de vital importancia para entender la serie, ya que la familia es afectada profundamente por la Primer Guerra, y las vísperas de la Segunda y el surgimiento del Nacional Socialismo alemán serán claves para la última temporada. 

El contexto histórico, las actuaciones, el drama, la acción, la escenografía, el vestuario, y la musicalización, fueron elementos fundamentales para la captación de adeptos que la serie creada por Steven Knight tuvo alrededor del mundo, transformándola en el transcurso de un par de temporadas en una serie de culto, y a lo largo, en una de las más recomendables en su género.

En un contexto oscuro, con la ciudad industrial de fondo, los Shelby - liderados por Tommy (Cillian Murphy - "Oppenheimer") - se sienten obligados a imponerse ante competidores, la ley, y sus propios demonios, tanto en el mundo de apuestas ilegales, como más adelante en el del alcohol durante la prohibición, y eventualmente con la heroína y el opio. Los Shelby - gitanos de origen - están además integrados por Arthur, le hermano mayor ( Paul Anderson XVIII - "Legend"), Ada (Sophie Rundle - "Gentleman Jack"), la tía Polly (Helen McCrory - "The Queen"), el tío Charlie (Ned Dennehy - "Outlander"), Michael Gray, el hijo de Polly (Finn Cole - "Fast & Furious 9"), y John, el menor de los hermanos (Joe Cole - "Black Mirror"). Además de estos personajes, una miríada más vendrán y se irán, entre familiares, miembros de la banda, o hasta enemigos jurados. También estrellas del cine desfilaron por las diversas temporadas, como ser Anya Taylor-Joy ("The Queen's Gambit"), Sam Neill (Jurassic Park"), Aidan Gillen ("Game of Thrones"), Tom Hardy or Adrien Brody. En lo personal, Alfie Solomons, el personaje interpretado por Hardy, destaca especialmente, volviéndose en un favorito personal. Líder de una pandilla judía, su excentricismo, líneas, y es jugar con un personaje que está mentalmente muy dañado, hace que cada minuto que esté en pantalla se convierta al instante en una joya.

Uno de los mayores logros de los escritores y directores de la serie fue el desarrollo de los personajes, donde ninguno de ellos - al menos los principales - eran unidimensionales. Tommy es un lider natural, y si bien su liderazgo se pone en tela de juicio al principio, ya para la segunda temporada todos reconocen que es a quien hay que seguir. Enfocado, calculador, despiadado, pero también generoso con los suyos, Tommy es el típico tipo que te puede sacar de la situación más comprometida, usando el cerebro o los puños. Su hermano Arthur sufre con su fe, sus adicciones, y su falta de amor, y canaliza todo a través del consumo excesivo de casi cualquier sustancia y las peleas. Es el típico matón, que ama a su familia más que a nada en el mundo. El personaje de Polly quizás sea el más polifacético, y el que más muta a lo largo de las temporadas. Con una vida dura a sus espaldas, las pérdidas la marcan, pero es el amor lo que la salva; sabe ser despiadada cuando hay que serlo, pero es muy inteligente y siempre sabe qué es lo que está bien o lo que está mal. Son estos los 3 pilares que erigirán el imperio de los Peaky Blinders, con la ayuda de muchos otros como Ada, Johnny Dogs, el tio Charlie, y aquellos que lucharon en Francia junto a los Shelby.

Con un guión frenético y cambiante, cada episodio se disfruta casi más que el anterior. Habrá lugar para el amor, la política, la corrupción, las luchas de poder, mucha violencia, y por sobre todo las pérdidas, en un contexto histórico donde si alguien no perdió a un ser amado por la "Gran Guerra", lo perdió por la hambruna subsiguiente, las guerras de pandilla, los atentados de un incipiente IRA, o por la crisis del '29. "Peaky Blinders" se vuelve una obligación, y es entendible como en la sociedad que vivimos hoy se volvió la serie de culto que es hoy día. 

 

FICHA TÉCNICA:          

PAÍS: Reino Unido
AÑO: 2013-2022
GÉNERO:  crimen / drama / thriller
DURACIÓN: 55 mins aprox. x 6 (6 temporadas)
GUIÓN: 10 /10  
DIRECCIÓN: 9 / 10
ACTUACIONES: 10 /10

CGI: 9 / 10

PRESUPUESTO: US$ 3.000.000 por episodio (aprox)

RATED: PG-16

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AMOR Y MUERTE

"Love and Death" está basada en la vida de Candy Montgomery (Elizabeth Olsen - "Wandavision"), en el amorío que ésta sostuvo con Allan Gore (Jesse Plemons - "El Poder del Perro"), y en las inesperadas consecuencias del mismo.

Miembro de una comunidad metodista, Candy era el modelo a seguir por las mujeres de la localidad de Collin: trabajadora, buena madre, cocinera, siempre alegre, y una de las mejores voces del coro de la iglesia local. Aburrida de su vida aparentemente perfecta y sin mayores contratiempos, Candy piensa que sería una buena idea tener un affair con Allan, el marido de una de sus mejores amigas, Betty Gore (Lily Rabe - "Fractured"). Betty, otro activo miembro de la comunidad, conocida por su mal caracter y su depresión, acaba de ser mamá y no está pudiendo manejar su crisis post-parto, lo cual la aleja cada vez más de su marido. Cuando Candy (cuyo matrimonio tampoco está en el mejor lugar) le propone a Allan esto de "ser amantes", él no sabe bien cómo reaccionar, aunque la idea se le vuelve cada vez más apetecible. Luego de pensarlo, deciden hacerlo, y con mucha planificación por adelantado, comienzan el amorío en un hotel de ruta. Pero, la relación de Candy y Allan no va sólo por el sexo, sino que también hay mucho de contención con sus respectivas vidas matrimoniales, y aunque se vuelven muy cercanos, hay una cosa que tienen clara: nunca dejarían a sus respectivas parejas, en especial Allan, quien acaba de enterarse que Betty está embarazada nuevamente. 

Ante la inminencia de un nuevo hijo, es Allan quien decide terminar con la relación, y, si bien a regañadientes, Candy termina aceptándolo. No es sino unos meses después, cuando Betty comienza a sospechar, que el destino obrará de forma extraña, y lo que había comenzado solo como una aventura, terminará siendo una tragedia.

"Love & Death" está basada en el libro de Jim Atkinson y Joe Briggs "Evidence of Love: A True Story of Passion and Death in the Suburbs", el cual a su vez estuvo basado en el caso real, el cual fuera sensación por lo complejo (y brutal) del asesinato, el cual involucró dramas infantiles, hipnotismo, auto-defensa, religión, y el consabido amorío. "Love & Death" es la tercera adaptación del caso (y el libro), y qizás lo que más llama la atención es que una de ellas es del año pasado; la miniserie en cuestión fue lanzada por Hulu, se llama simplemente "Candy", y está protagonizada por Jessica Biel - "El Ilusionista"). Parece ser que hay escenas y hasta líneas idénticas, algo que por el momento no puedo confirmar ya que no ví la de Biel (ni la veré, a esta altura), y eso rechina a mucha gente, que prefiere la del 2022 a esta de HBO Max, creada por David E. Kelly (creador de "Ally McBeal"). A diferencia de la creada por Nick Antosca para Hulu, acá se nos presenta una Candy más moderna, y Kelly busca que en todo momento empaticemos con Candy y no tanto con Betty.

Enfocándonos pura y exclusivamente en "Love & Death", Elizabeth Olsen se roba el show, y así como lo hizo en "Wandavision", por más de que tenga buenos actores alrededor (Plemons lo es, así como también su co-estrella en el show de Disney+, Paul Bettany) el rango de expresiones que maneja la hace destacar por sobre el resto. 

De desarrollo lento, el show termina atrapando, aunque se hace fundamental que nadie te cuente cómo termina el caso (ni que vos te hagas trampas al solitario chequeando Wikipedia).

FICHA TÉCNICA:          

PAÍS: U.S.A.
AÑO: 2023
GÉNERO:  biografía / crimen / drama
DURACIÓN: 7 x 55 minutos (aprox)
GUIÓN: 6 /10  
DIRECCIÓN: 7 / 10
ACTUACIONES: 8 /10

RATED: PG-18

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DESDE ADENTRO

 

Jefferson Grieff (Stanley Tucci - "Spotlight") es un prisionero condenado a muerte por el asesinato de su esposa. A la espera del día de su ejecución se dedica a ayudar a quien él estime tenga un caso que cumpla con su criterio.

Janice Fife (Dolly Wells - "El Diario de Bridget Jones), es una maestra de matemáticas que da clases privadas al hijo de un pastor (interpretado por David Tennat - "Dr. Who"), pastor que está ocultando información sobre su sacristán, un problemático joven adicto a la pornografía y con una madre abusiva.

Beth Davenport (Lydia West) es una periodista que se especializa en crímenes, y quien, por cosas del destino, conoce a Janice. Cuando ésta desaparece, Beth no tendrá mejor idea que acercarse al señor Grieff y tratar de convencerlo de que tome el caso. 

Steven Moffat es conocido por ser el escritor de varios episodios de la serie "Sherlock o "The Time Traveler's Wife". Queriendo no repetir en demasía lo ya hecho con el personaje interpretado por Benedict Cumberbatch, pero no pasarse a hacer algo muy "Dr. Who", es que se le ocurrió la idea de un recluso sentenciado a muerte que resuelve casos usando su ingenio casi único desde su celda. Si bien la premisa de la resolución de crímenes por medio de alguien que ve lo que los demás no no es algo nuevo, sí lo es cómo se van dando las circunstancias, basado en la premisa - repetida en más de una ocasión por Jefferson Grieff - "Todos somos asesinos. Solo hay que encontrar a la persona adecuada y estar en un mal día."

Brillando en las actuaciones (Tucci y Tennant se lucen), y con algunos giros muy interesantes, "Inside Man" (como se la llamó en su idioma original) peca de que las situaciones escalen rápidamente, tornándose en demasiadas oportunidades inverosimil; cómo es que ocultar una memoria USB puede llegar a terminar de la forma dramática en que termina, y cuán rápido se da, es la primer "bandera roja" si estás buscando algo muy realista. Si aceptamos (y abrazamos) la idea de que no está basado en algo que sucedió de verdad y que argumentalmente se desbarranca muy al comienzo, entonces esta miniserie de 4 episodios te va a encantar. Lo mejor, desde mi punto de vista, está en el último episodio, con un final digno de "The Mist". Podría haber sido casi perfecta, no obstante...

FICHA TÉCNICA:          

PAÍS: Reino Unido
AÑO: 2022
GÉNERO:  crimen / drama / misterio
DURACIÓN: 4 x 60 minutos
GUIÓN: 6 /10  
DIRECCIÓN: 8 / 10
ACTUACIONES: 8 /10

C.G.I.: 6/10  

RATED: PG-18

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LAS NADADORAS

 

Basada en la historia real de las Mardini, "Las Nadadoras" ("The Swimmers") es uno de los más recientes lanzamientos del servicio de streaming Netflix.

La "Primavera Árabe" fue una serie de manifestaciones populares ocurridas entre 2010 y 2012 en el Líbano, Kuwait, Sudán, Jordania, Siria, Egipto, Irak, Marruecos, Palestina, Bahrein, Túnez, Libia, y Yemen en pos de más democracia y derechos sociales, igualdad laboral y género. Si bien en Túnez y Egipto esta revuelta dio paso a un régimen democrático, no fue así en el resto de los países mencionados, aunque sí dio pie a la llamada "Segunda Primavera". En Siria en particular, las protestas fueron contra el presidente Bashar al-Asad; la represión a quienes protestaban generó un alzamiento en armas por parte de parte de la población, derivando en la formación del Ejército Libre de Siria y una posterior guerra civil. Para el 2012 la guerra se acercaba a Damasco, capital de Siria y lugar donde la familia Mardini reside. 

Con un padre ex-nadador nacional y ahora entrenador del equipo local, Sara y Yusra Mardini (interpretadas por Manal y Nathalie Issa respectivamente) entrenan para el dia de mañana poder competir en los Juegos Olímpicos de Rio 2016. Con chances casi inexistentes, no por sus condiciones si no por la coyuntura en la que viven, Sara y Yusra terminarán tomando la decisión de (con el consentimiento de su familia) huir de Siria para poder entrenar en Alemania y así tener chances reales de llegar a los Juegos. El camino será arduo ya que deberán pasar la frontera Siria sin ser detectadas, llegar a Turquía, para luego de ahí cruzar a Grecia y atravesar gran parte de Europa hasta llegar a Berlín. 

Basada en la real experiencia de Yusra y Sara, y con intervención activa de la primera, "Las Nadadoras" es una historia conmovedora, que nos pone de frente a una realidad que muchos desconocemos, y que si bien no es completamente ajena a lo que pasa en latinoamérica, sí lo es el contexto y el motivo por el que esta migración sucede. Pero además del viaje físico de estas refugiadas sirias, la directora (y co-guionista) Sally El Hosaini nos lleva a un viaje de vida, a la maduración - tal vez temprana - de estas muchachas, donde la desesperanza, la desesperación, y la tristeza, se encuentran con el deseo de cumplir una meta y la fuerza de voluntad, por uno mismo, por la familia, y hasta por su tierra natal. 

Un film inspirador, que es incluso interpretado en algunos roles secundarios por refugiados reales.

FICHA TÉCNICA:          

PAÍS: Reino Unido / U.S.A.
AÑO: 2022
GÉNERO:  biográfica / drama / deportes
DURACIÓN: 134 minutos
GUIÓN: 7 /10  
DIRECCIÓN: 8 / 10
ACTUACIONES: 8 /10

C.G.I.: 6/10  

RATED: PG-16

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THE CROWN - Temporada 5

 

Con Diana y el HMY Britannia como centro de esta quinta temporada, "The Crown" deja de tener el enganche del que otrora gozara. O al menos esa es mi sensación. Como es obvio, si no leíste (ni viste) las reseñas anteriores, te dejo por acá la primera, la segunda, la tercera, y la cuarta, no vaya a ser cosa de que te enteres de algo que no podrías chequear en Wikipedia.

Con Imelda Staunton (conocida por su participación en Harry Potter) como la Reina Isabel (supuestamente la última en tomar el rol en esta serie), esta quinta entrega nos muestra el que quizás sea el peor momento de la familia real (aunque creo que la cara más nefasta de la realeza todavía está por venir); con Diana y Carlos viviendo vidas paralelas, la Reina en su mundo protocolar y más preocupada por el mantenimiento del buque real, y el Duque de Edimburgo (ahora interpretado por Jonathan Pryce - "Los Dos Papas" / "Game of Thrones") redescubriendo sus raíces rusas, el clima está dado para que lo que caracterice esta temporada sea la falta de verdadera comunicación entre sus principales protagonistas. 

Staunton está magnifica en su rol, y tiene un toque más humano que las anteriores encarnaciones de la Reina, hecho que se hace evidente en su afecto para con el buque real Britannia, su preocupación ante el evidente distanciamiento amoroso de Felipe (y la incipiente amistad de éste con una mujer de intereses similares a los suyos - y bastante más joven que la reina), mas no así para con sus hijos, con los que sigue manteniendo una distancia formal, aunque su relación con Carlos se enfríe cada vez más. 

El centro este vez sin embargo no es la Reina, sino Diana (brillantemente interpretada por Elizabeth Debicki - "Tenet"). Como la favorita del pueblo, Lady Di se gana el clamor popular cuando es vox populi que Carlos está cada vez menos interesado en ella y cada vez más interesado en Camilla. Cuando una conversación telefónica entre Carlos y Camilla se hace pública, el escarnio se apoderará de la Casa Real, y Carlos será cofrontado por el pueblo y por su propia familia. Con el único deseo del divorcio, Carlos hará lo posible para recuperar su imagen pública, su libertad, y hacer oficial su amor por Camilla. Por su parte, Diana tratará de alejarse cada vez más de una familia que una vez fue la suya propia, pero que la ha atrapado y utilizado a su antojo, quizás también encontrando el amor.

No faltará el episodio dedicado a la familia Al Fayed, otro a los Romanov y la (no) intervención del Rey de Inglaterra, y uno a la entrevista de la BBC a Diana, que pusiera punto final a su relación con la realeza. 

Si bien "The Crown" mantiene el grado de detalle en cuanto a vestuario, maquillaje, escenografía, no es así en cuanto a los hechos históricos, que parecen ser cada vez más distantes de la realidad. Obvio, es una ficción, pero podría tomarse alguna otra dirección con, por ejemplo, la relación de Diana y Carlos, el eje de esta quinta edición. Hay algo en el Carlos de Dominic West ("Tomb Raider") que es por un lado magnético, pero por otro parece tener poco que ver con el Carlos presentado antes, y con el que todos conocemos (o creemos conocer). Además, se antoja toda la historia de Al Fayed y su relación con la Corona, más como un relleno para mostrarnos de dónde viene Dodi (último amor de Lady Di), o para indicarnos que ni con todo el oro del mundo uno puede comprar un lugar en la realeza (como intenta hacer el padre de Dodi). 

"The Crown" termina siendo - de cierta forma - una historia de un grupo selecto de gente, con deberes y obligaciones, por demás imperfecta, que trata de lidiar con sus miserias como haría cualquier mortal (aunque todos sabemos que no es tan así). Se puede empatizar con los "sufrimientos" de la monarquía británica? Tal vez en algún caso, como el de la hermana de la Reina. Creo que en ninguno más, ni siquiera en el caso de Diana. 

FICHA TÉCNICA:          
PAÍS: USA / Reino Unido
AÑO: 2016 - 2022
GÉNERO: drama histórico
DURACIÓN: 52 minutos X 10 episodios (aprox)
GUIÓN: 8 /10  
DIRECCIÓN: 7 / 10
ACTUACIONES: 9 / 10
PRESUPUESTO: US$ 156.000.000
RATED: PG-13

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ARGENTINA, 1985

 

Sin lugar a dudas, "Argentina, 1985" era una película necesaria, pero también muy difícil de llevar a cabo, no sólo por el aspecto técnico de la misma, si no más bien por lo duro de la cuestión a tratar, los sentimientos involucrados, y la sensibilidad de toda una sociedad, para con un tema que, por más que pasen los años, sigue a flor de piel en el pueblo argentino.

Dirigida por Santiago Mitre ("El Estudiante", "La Cordillera"), y con las actuaciones estelares de Ricardo Darín, Peter Lanzani, y Alejandra Fletcher, "Argentina, 1985" nos narra la lucha de dos fiscales y su equipo por llevar a juicio a los responsables del golpe de estado, las torturas, y las desapariciones sucedidas entre 1976 y 1983.

Para el fiscal Julio César Strassera (Darín) la tarea encomendada de lograr una sentencia para los responsables del golpe era algo que, en principio, hubiese preferido evitar. Sabedor de que sí se aprobaba el juicio civil (según el decreto 158/83 del gobierno democrático de Raúl Alfonsín) sería él el responsable de lograr una condena para 9 de los responsables del llamado "Proceso de Reorganización Nacional", Strassera se avoca en lograr una sentencia ejemplarizante para pesos pesados como Videla, Agosti, Massera, Viola, y Galtieri, entre otros. 

Con la ayuda inestimable del fiscal adjunto Luis Moreno Ocampo (Lanzani), y un equipo realmente joven, construyeron su caso en base al informe de la CoNaDP llamado "Nunca Más", frase que quedaría grabada en el colectivo argentino, transformándose en un recordatorio constante, y que lograra traspasar fronteras, identificándose a veces incluso con causas no relacionadas a los desaparecidos bajo una dictadura. El impacto de lo logrado por Strassera y Moreno Ocampo fue de tal magnitud que tuvo incidencia en otras dictaduras (o períodos post-dictaduras) en otros países de América Latina, ya que muchos golpes de Estado fueron respaldados por el gobierno de Estados Unidos, bajo la égida de Henry Kissinger. Llamado "Plan Cóndor", este régimen que involucró gobiernos militares de Uruguay, Chile, Brasil, Paraguay, Bolivia, y la misma Argentina, fue una coordinación conjunta de seguimiento, vigilancia, interrogación, tortura, y desaparición, de todo aquel que se considerara sospechoso de tener ideas contrarias a las instauradas por estos Gobiernos de Facto. 

Argentina, gracias a la sentencia de parte de los acusados, logra algo inaudito desde los "Juicios de Nüremberg", y logró dar algo de paz a acusados e involucrados directa o indirectamente en las desapariciones y torturas, haciendo público a nivel internacional los horrores vividos por el pueblo argentino. 

Desde el punto de vista estrictament cinematográfico, "Argentina, 1985" es un film sobre un juicio, como los ha habido a diestra y siniestra. Si hilamos más fino en la índole del juicio, uno que pueda llegar a conmocionar a la sociedad toda, podemos recordar "Vencedores o Vencidos" de 1961, "Acción Civil" de 1998 (aquella con John Travolta), o más hacia acá, "El Juicio a los 7 de Chicago". Hay más, y cada una tiene sus bemoles, similitudes, y diferencias. Personalmente, creo que como latino, y al haber vivido (si bien de niño) una dictadura, esta producción de Santiago Mitre me llega más de cerca. También es cierto que no sufrí lo de tener algún familiar desaparecido, por ello lo veo con cierta distancia y objetividad, aquella que para algunos - entendiblemente - es imposible. 

Mitre cae en algunos lugares comunes de este tipo de producciones (la presión a la que están sometidos los fiscales, la vida familiar del protagonista, retazos de cómo la sociedad siente el tema, y los tejes y manejes de un juzgado), de cierta forma "internacionalizando" el film. Sin embargo, hay un muy buen trabajo en lograr la empatía del espectador, de contar una historia entendible para aquel que esté por fuera de la temática, sin llegar a aburrir, y hasta de introducir humor en cuenta gotas donde no se creería posible. 

No hace falta ni mencionar el impecable trabajo de Darín como Strassera, y el impacto que logra tener Lanzani como el fiscal adjunto. 

Durante el film uno no puede menos que horrorizarse, indignarse, y sentirse impotente. Eso ya habla por sí mismo de que el cometido de Mitre se logró. 

FICHA TÉCNICA:          

PAÍS: Argentina / USA / Reino Unido
AÑO: 2022
GÉNERO:  drama / biografíca / histórica / crimen
DURACIÓN: 140 minutos
GUIÓN: 7 /10  
DIRECCIÓN: 9 / 10
ACTUACIONES: 8 /10  

RECAUDACIÓN: US$ 693.554
RATED: PG-12

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THE UNDOING

 

Nominada a 2 premios SAGA, dos Emmy, y 4 Golden Globe "The Undoing" (traducido algo así como "La Ruina") nos cuenta la historia de un matrimonio, el de Grace (Nicole Kidman) y Jonathan (Hugh Grant) que de buenas a primeras se ven involucrados en el asesinato de la mamá de un compañero de colegio de su hijo, Henry.

Grace es una terapeuta exitosa, y se dedica entre otras cosas a la terapia de parejas. Grace se mueve en el círculo de privilegio de la ciudad de Nueva York, así como también lo hace su marido, quien es un médico pediatra muy reconocido. Henry asiste a una escuela privada llamada Reardon, y sus padres están activamente involucrados en las actividades extra-curriculares del colegio, como ser actos de beneficiencia, y las becas escolares. El hijo de Elena (Matilda De Angelis - "Leonardo") es uno de los beneficiarios de la beca, y su madre trata de estar más involucrada en las actividades del colegio, pero es evidentemente un sapo de otro pozo. Es cuando Elena es encontrada muerta, y Jonathan desaparece que la vida de Grace dará un vuelco. La policía está tras los pasos de Jonathan, quien parece ser el principal sospechoso, aunque la investigación irá revelando que incluso la propia Grace está bajo la lupa.

"The Undoing" se desarrolla en 6 episodios y ninguno parece ser innecesario. Cada uno revela una faceta nueva de alguno de los involucrados, y la intriga va "in crescendo" hasta el punto de que el espectador irá elucubrando hipótesis hasta el mismo final de la miniserie, donde casi ninguno de los alguna vez sospechosos deja de serlo hasta cerca del cierre. Luego estará en uno ver si el final es el que se esperaba, ya que, por lo que a mi respecta - mientras lo miraba con mi señora - elaborábamos teorías que a fin de cuenta resultaron, en su gran mayoría, bastante descabelladas, mucho más de lo que el final es.

Si bien hay algunas preguntas que nunca tendrán respuestas - o algún agujero en el guión - el que una miniserie esté tan bien desarrollada y te tenga adivinando quién hizo qué, ya tiene mucho más mérito que la gran mayoría de series o películas que pretenden lo mismo y están a un abismo de conseguirlo.

La serie destaca por la actuación de Grant, y si bien la figura de Kidman es dominante, la constante sucesión de cirugías faciales parecen haberle coartado el número de expresiones que su cara puede manejar, al punto que termina actuando mayormente con los ojos. Los actores secundarios también cumplen en lo actoral, sobre todo Donald Sutherland (como el padre millonario de Grace), Noah Jupe ("A Quiet Place") como Henry, Ismael Cruz (uno de los elfos de la nueva serie "The Power of Rings") en el papel del viudo, y Noma Dumezweni ("Negocios Ocultos") como la abogada sin escrúpulos. El que por ahí se siente como un poco desperdiciado en su rol es Edgar Ramírez ("Jungle Cruise", "Manos de Piedra"), quien definitvamente podría haber tenido más minutos en pantalla.

Esta nueva creación de David E. Kelley ("Ally McBeal", "The Practice", "Big Little Lies") se hace muy disfrutable, atrapante, y por ende, recomendable.

FICHA TÉCNICA:          
PAÍS: USA
AÑO:  2020
GÉNERO:  crimen / drama / misterio / suspenso
DURACIÓN: 52 minutos x 6 episodios
GUIÓN: 8 /10  
DIRECCIÓN: 9 / 10
ACTUACIONES: 9 /10  
RATED: PG-16

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