ANATOMÍA DE UNA CAÍDA

Ganadora del Oscar a "Mejor Guion Original", y nominada a 4 premios de la Academia más - entre ellos el de "Mejor Película", "Mejor Dirección", y "Mejor Actriz en Rol Protagónico" - "Anatomía de Una Caída" es un film difícil de describir, y no me refiero a su idea base que es bastante sencilla, si no a la definición de si es verdad que es un largometraje tan original como se dice - y por añadidura bueno - o si es el típico ejemplo de esas cosas que sólo gustan a los críticos de cine.

La premisa es simple: Samuel y Sandra viven juntos en un chalet en la montaña, alejados de todos. Un día Samuel aparece tirado muerto en la nieve, aparentemente producto o de un accidente doméstico tras caerse del segundo piso, o de quitarse su propia vida. Samuel es encontrado por Daniel, su hijo de 11 años con problemas en la visión. Éste da aviso a su madre, quien estaba lejos en otra parte de la casa, y ésta horrorizada llama a la policía local. Sin embargo, y para sorpresa de los involucrados, el departamento de criminología llega a la conclusión de que la muerte es sospechosa, y que Samuel podría haber sido asesinado. Todos los dedos apuntan a Sandra, cuya relación con Samuel venía siendo al menos "compleja". Gran parte del film nos llevará al juicio a Sandra, a sus charlas con su amigo/abogado, y a escenas del hogar donde la dinámica con su propio hijo se verá afectada, ya que este, como hijo e individuo que encontró el cuerpo, es obligado a ser testigo en el juicio a su madre, enterándose en el interín de la verdadera (al menos desde el punto de vista del fiscal y de la propia Sandra) relación entre su madre y su padre.

"Anatomía de una Caída" es un film que ni puede definirse como el consabido whodunnit (el "quién lo hizo", un género en sí mismo, al estilo Agatha Christie), ni tampoco una película de "tribunales", y estaría a medio camino entre ambas categorías, ya que más de un tercio del film es el juicio en sí, y a través del film llegás a sospechar del hijo, el amigo/abogado, y hasta del perro. El film dirigido y escrito por Justine Triet utiliza la muerte y el juicio como excusa para tratar la relación madre-hijo cuando ciertas verdades son reveladas, la relación esposa-esposo cuando la pasión y el amor parecen ser cosa del pasado y es sobrevivir el matrimonio, o incluso sobre las dificultades de no dominar un idioma, estar en el extranjero, y sufrir por ello (de hecho el film es hablado en francés, inglés, y hasta un poco de alemán). Y eso sólo en la superficie, ya que si rascamos más a fondo veremos también que "Anatomía.." lidia con la subjetividad de la realidad, cómo nosotros la vamos moldeando, y cómo intentamos que los demás se suscriban a esa realidad. Y cómo necesitamos inherentemente saber todo, y terminamos no sabiendo nada, muy poco, o rellenando "agujeros" con nuestra propia percepción. 

Si...suena muy interesante, y lo es. Peeeeero...no es para un domingo a la noche, ni "pochoclera"...ni siquiera lo suficientemente entretenida. Con un café, a la mañana, y alguien con quien discutirla, juega. Igual, está un pelín sobrevalorada, creo en especial en lo referente a la actuación, ya que a excepción de Sandra Hüller ("Zona de Interés") en su rol de Sandra, el resto es bastante promedio. 

FICHA TÉCNICA:
PAÍS: Francia
AÑO: 2023
GÉNERO: drama
DURACIÓN: 151 minutos
GUIÓN: 7/10
DIRECCIÓN: 7 /10
ACTUACIONES: 6 /10

PRESUPUESTO / RECAUDACIÓN: US$ 6.200.000 / US$ 35.527.088

RATED: PG-12

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LA ZONA DE INTERÉS

"Interessengebeit" es el término en alemán que identifica a "la zona de interés", esos 40 kilómetros cuadrados que rodeaban el campo de concentración de Auschwitz, donde murieron más de 1 millón de personas, principalmente judíos.

"La Zona de Interés", film dirigido y escrito por Jonathan Glazer, es - para muchos - el justo ganador del Oscar 2024 como Mejor Película Extranjera, aunque además, y de forma más que merecida, también ganadora a Mejor Sonido.

Inspirado en el libro homónimo escrito por Martin Amis, el laureado largometraje se centra en la vida de Rudolf Höss (interpretado por Christian Friedel - "El Perfume") y su esposa Hedwig (encarnada por la nominada al Oscar Sandra Hüller - "Anatomía de una Caída"), cuya casa queda al lado del mismo campo de concentración (en esto se difiere con el libro, el cual se basa en 3 personajes diferentes y ficticios, mientras que el film utiliza a los Höss quienes realmente existieron).

A través del largometraje vemos como los Höss llevan una vida rutinaria, paseando por el campo, nadando en el rio o en la piscina que tienen en su jardín, así como Hedwig se encarga de la casa y su huerta, mientras alguno locales atienden otros quehaceres domésticos.Obvio que Rudolf Höss además trabaja. Su tareas como Comandante General de Auschwitz consisten, por ejemplo, en la organización militar, policial, política, penitenciaria, y de seguridad del campo, y entre sus "logros" para los nazis, pueden contarse la implementación y modificación de las cámaras de gas, las cuales permiten acabar con 2000 vidas a la vez. No en vano esto le granjeó la admiración de Himmler, y el reconocimiento de Hitler. Apodado "el animal de Auschwitz", él mismo se aseguró de que que dicho campo dejara de ser de "concentración" y pasara a ser de "exterminio". 

Somos testigos - con horror - de cómo los reclusos de al lado son considerados meros objetos, sus ropas distribuídas entre los Höss y sus asistentes, e incluso como uno de los niños juega con dientes de judíos fallecidos. Éstos están adoctrinados para ignorar lo que acontece al lado, naturalizandolo. No viven "puerta por puerta" con una fábrica, aunque ellos así lo vean. La perversidad de dicha naturalización no pasa desapercibida para el espectador, ni tampoco el terror que se vive tras el muro, representado por gritos, llantos, disparos, el sonido de trenes, o el humo de las cámaras de gas. 

Sin embargo, a los Höss se les planteará un problema con el traslado de Rudolph a un nuevo destino, y la potencial pérdida de su "idílico" hogar. Y allí está ella, Hedwig, si se quiere aún más inhumana que su marido, quien desea mantener su vida cueste lo que cueste.

Si bien el Holocausto es un tema manido, nunca está de más recordarlo, y esta visión de Glazer resulta por demás interesante. Y parecería que siempre hay algún horror nuevo por descubrir con respecto a este tema, no?  Dos grandes logros del director son hacernos horrorizar sin recurrir a lo visual, si no a tráves de lo sonoro y de la frialdad de los Höss. El otro es mostrarnos en este "slice of life" la realidad de aquellos que rodeaban a los oficiales y todo lo concerniente al campo de concentración más trístemente célebre sin mostrarnos jamás el campo por dentro. 

Hay elementos de humanización (la "niña de las manzanas"), una estética cyberpunk con el uso de cámaras térmicas, y espacio para la reflexión (el flashforward con las limpiadoras del campo hoy día), haciendo gala del horror de lo rutinario como sucedia con los Höss. Es el adormecimiento de los sentidos la única forma de seguir funcionando? Tenemos nosotros algo de los Höss al ignorar ciertas realidades para seguir con nuestra existencia mónotona y no ceder nuestros privilegios, sean estos cuales sean? 

"La Zona de Interés" es una película que invita a la reflección con un final que nos dejará pensando.

FICHA TÉCNICA:
PAÍS: USA / Reino Unido / Polonia
AÑO: 2023
GÉNERO: drama / bélica
DURACIÓN: 105 minutos
GUIÓN: 8/10
DIRECCIÓN: 9 /10
ACTUACIONES: 7/10

RECAUDACIÓN: US$ 43.930.383

RATED: PG-12

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POBRES CRIATURAS

Ganadora de 4 premios Oscar en este 2024 (Maquillaje y Peinado, Diseño de Producción - merecidísimo -, Diseño de Vestuario, y a Mejor Actriz Princiapal -Emma Stone), "Pobres Criaturas" se vuelve un film que escapa a los estándares hollywoodianos y que se vuelve - por muchos momentos - difícil de ver.

Basada en el libro de Alasdair Gray y dirigida por Yorgos Lanthimos ("El Sacrificio de un Ciervo Sagrado" y "La Favorita"), "Poor Things" ("Pobres Criaturas") nos relata la historia de Bella Baxter, una hermosa y joven mujer devuelta a la vida por Godwin Baxter (Willem Dafoe), utilizando el cerebro del niño nonato que Bella, en su vida anterior como Victoria Blessington, cargaba en su vientre en el momento de su muerte. Bella, con la mente de un niño, es criada desde 0 pero en un cuerpo de una mujer adulta. Es así que Bella tiene que aprender a caminar, comer, hablar, y pasar por todas las etapas evolutivas que tendría cualquier infante, y luego cualquier adolescente. 

Para registrar los avances de Bella, Godwin contrata a un brillante estudiante suyo, Max McCandles (Ramy Youssef), quien eventualmente se enamorará de Bella. Ésta, en pleno descubrimiento sexual, a punto de casarse con Max, conoce a Duncan Wedderburn (Mark Ruffalo), quien la persuade de acompañarlo en un viaje de descubrimiento del mundo, y del placer del sexo. Pero, en este viaje Bella descubrirá muchas más cosas que le harán tener una nueva perspectiva del mundo.

Combinando lo audaz, lo bizarro, y lo fantástico, "Pobres Criaturas" se antoja una película no apta para todo público (y no me refiero sólamente a las reiteradas escenas de sexo). Con una estética surrealista que aúna elementos victorianos en una Escocia de mediado del siglo XIX con elementos grotescos y el steampunk, y que utiliza magistralmente una paleta de colores específica dependiendo del dónde Bella se ubique (más oscura y melancólica en su hogar), brillantes colores planos en Lisboa o Grecia, o la reducción de matices en un Paris invernal, la producción de la propia Stone incomoda al espectador desde el minuto 1, y uno tiende a sentirse tentado de dejar de ver a estas "criaturas" a cada giro del film. Sin embargo, lo perturbador de la estética la da a esta film un tono único, que hará que cualquiera que se aventure en la trama no olvide facilmente lo visto.

A través de situaciones insólitas y extravagantes, en tono comedia negra y teatralización exagerada, "Pobres Criaturas" explora temas como la identidad, la compulsión a la repetición (Godwin hace para con Bella y otras criaturas lo mismo que su padre hiciera con él, y esto es justificado por Godwin a cada instante del largometraje), la moralidad (o la falta de), el despertar sexual y a la vida, el destino, el poder del patriarcado, y la búsqueda de la felicidad (si bien temas más complicados de tratar como la prostitución y el estupro también se hacen presentes).

Si sumamos a la particular estética, el guión, los personajes, y los temas tratados, el film en sí puede ser interesante, aunque definitivamente preferido por quizás pocos, ya que sale bastante de lo convencional. Creo que incluso hay algunas escenas no justificadas (un segmento donde Bella tiene sexo con varios hombres), o difíciles de seguir. Además, ver a Stone y a Ruffalo en estos papeles también resulta un tanto shockeante. 

"Pobres Criaturas" se vuelve un film para una audiencia muy particular, y uno que yo no creo vuelva a ver otra vez.

FICHA TÉCNICA:
PAÍS: USA
AÑO: 2023
GÉNERO: comedia / drama
DURACIÓN: 141 minutos
GUIÓN: 5/10
DIRECCIÓN: 7 /10
ACTUACIONES: 7/10

PRESUPUESTO / RECAUDACIÓN: US$ 35.000.000 / US$ 114.900.592

RATED: PG-18

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AMERICAN FICTION

Enojado con el mundo, Thelonious "Monk" Ellison (Jeffrey Wright - "The Batman" / "Westworld") es un escritor y profesor de universidad cuyos libros no han vendido bien últimamente. Si bien altamente reconocido por la calidad y complejidad de sus obras, los publicistas se quejan precisamente por esto último, recomendando que escriba algo "más negro" si es que quiere convertirse en un autor popular y un best seller. 

Contrariado por su falta de éxito, y debido a ciertas actitudes clasistas y/o racistas hacia sus propios alumnos, a Monk se le recomienda tomarse unos meses de licencia, y de paso asistir a un seminario literario en Boston, de donde su familia es oriunda. 

Reticente, Ellison se dirige a su ciudad natal, para re-encontrarse con su hermana y su madre, quien tiene un alzhéimer incipiente. Una vez en el seminario, con tristeza ve que su panel está casi desierto de asistencia, sin embargo, se decepciona más aún cuando ve que la escritora Sintara Golden tiene la sala abarrotada al presentar su libro "We's Live in Da Ghetto", una libro éxito en ventas que se basa en los estereotipos negros. Monk no admite que los escritores afrodescendientes se tengan que limitar a hablar siempre de lo mismo con tal de vender, perpetuando la imagen que los blancos tienen de ellos. 

Ellis se encuentra entre la espada y la pared, ya que si quiere empezar a vender libros tiene que resignar sus principios, y también cambiar su cabeza si quiere volver a enseñar en la universidad. Mientras, un drama familiar inesperado hace que Monk tenga que adaptarse a una nueva realidad y responsabilidades imposibles de imaginar sólo unos días antes.

Frustrado, Ellis termina escribiendo "My Pafology", una novela satírica basada en los clichés esperados de los escritores negros: melodrama familiar, droga, violencia, padres golpeadores, etc. Al enviarlo a su editor, éste con cierta reticencia se lo envía solamente a un par de editoriales, por temor al rechazo, y utilizando un pseudónimo para Monk. Para su sorpresa, recibe una oferta superior a cualquier libro que hubiese escrito antes, y estará en Monk seguir adelante o no, venderse al mercado o permanecer fiel a sus principios, y adoptar una vida familiar que no se esperaba, que pone todo su mundo pies para arriba.

Con un premio Oscar 2024 en su bolsillo por Mejor Guion Adaptado (Cord Jefferson), y varias nominaciones, entre ellas por Mejor Actor en un Rol Principal (Wright) y uno por Mejor Actor de Reparto (Sterling K. Brown), "American Fiction" es una dramedia satírica que explora diversas temáticas, no sólo ahondando en los estereotipos sociales, si no también explorando las dinámicas de una familia disfuncional, el auto-descubrimiento y la apertura sexual, el envejecimiento de nuestros padres, la pérdida, el valor de los principios (o lo efímero de los mismos), y el amor.

Un tema no menor tratado aquí, y que puede pasar desapercibido, es la necesidad de adaptarse a los tiempos que corren, para ser políticamente correcto, ya sea que uno esté o no en acuerdo con los mensajes que se deben dar.

A nivel actoral este film destaca de sobremanera, y el guion en sí se antoja una verdadera joya, con momentos de verdadera reflexión, y mucha risa que está lejos de estar forzada.

"American Fiction" es, en definitiva, un film que no es solo muy disfrutable e introspectivo, si no también uno que puede generar mucho debate una vez finalizado.

FICHA TÉCNICA:
PAÍS: USA
AÑO: 2023
GÉNERO: comedia / drama
DURACIÓN: 117 minutos
GUIÓN: 9/10
DIRECCIÓN: 8 /10
ACTUACIONES: 9/10

RECAUDACIÓN: US$ 22.483.370

RATED: R

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BARBIE

Nominada a 8 premios Oscar (entre ellos a Mejor Película, Mejor Guion Adaptado, Mejor Actriz y Actor de Reparto, y 2 nominaciones a Mejor Canción), la llegada de "Barbie" como candidata a ser una gran ganadora en los "Premios de la Academia" 2024 se ha ido diluyendo con el pasar de otros grandes premios y la (controversial) ausencia de nominaciones para su directora (Greta Gerwig - "Mujercitas" 2019) y su principal actriz (Margot Robbie - "Érase Una Vez en Hollywood", "Aves de Presa" encarnando a la desquiciada Harley Quinn, o "Babylon", entre varios títulos).

Independientemente de los reconocimientos en premios, "Barbie" es un film entretenido, interesante, y con mucho para pensar. 

El mundo de Barbie es una sociedad matriarcal, donde todas las Barbies - pasadas, presentes, y discontinuadas - viven su vida en su rol, mostrando a las chicas que juegan con ellas que pueden ser lo que quieran ser, de aviadora a presidente, de modelo a sirena. Los Ken que viven en Barbieland pasan siempre desapercibidos, y solo existen en función de que las Barbies les presten atención o no. Un buen dia la Barbie Estereotípica (la rubia clásica, interpretada por Robbie) comienza a sentirse rara, por ejemplo, nota que sus pies ya no estan en punta sino que pisa con toda la suela. Guiada por la Barbie Rarita (una muñeca con la que han jugado de forma poco tradicional y que ha sido afectada por ello, y marginada por el resto de las Barbies) le informa que algo extraño debe de estarle pasando a la persona que juega (o jugaba) con ella, por lo que debe dirigirse al Mundo Real, encontrar a esta persona, y solucionar el problema. Reticentemente, Barbie emprende el viaje, sólo para darse cuenta a mitad de camino que el Ken Estereotípico (Ryan Gosling) se ha colado al auto, deseoso de ser notado por Barbie. Es así que ambos llegan a Venice Beach, sólo para descubrir que el Mundo Real no tiene nada que ver con Barbieland, y que por si fuera poco es un mundo regido por hombres y no mujeres.

Mientras Barbie trata de resolver su problema (eludiendo a los ejecutivos de Mattel, casa creadora de la muñeca), Ken intentará volver a Barbieland a instaurar un nuevo orden de las cosas, uno que tenga a los Ken como amos y señores del lugar.Si esto llega a darse, el Mundo Real podría verse afectado, y las consecuencias podrían ser catastróficas.

La idea detrás de la creación de Ruth Handler allá por los '50 era crear una muñeca con look adulto y con las que todas las chicas pudieran identificarse; una Barbie que pudiera ser quien ella eligiera y no estuviera circunscripta a casarse y tener hijos. El empoderamiento femenino en todo su esplendor, o al menos, su comienzo. Gerwig nos lleva en ese viaje de autodescubrimiento (y re-descubrimiento) de la vida en los ojos de la Barbie Estereotípica, y uno de esos descubrimientos es el hecho de que su mensaje de "niña-todo-lo-puedes" es muchas veces malinterpretado, acusándola (a Barbie en este caso, pero en realidad a Mattel) de inspirar una realidad muy poco alcanzable para muchas niñas, estandarizando un ideal de belleza inalcanzable. La perfección que Barbie transmite, y cuán difícil es ser una mujer perfecta es lanzado a la cara del espectador en un monólogo muy bien escrito, si bien demasiado directo, del personaje de Gloria (America Ferrera - "Ugly Betty").

Tomar acción y ser proactivo en tu vida es otra de las moralejas de "Barbie", y esto es logrado al estilo "Matrix" cuando Barbie Rarita le da la opción a Barbie Estereotípica de ir al Mundo Real o no. Ser fiel a uno mismo a pesar de las consecuencias, el hecho de que todos somos especiales a nuestra manera, pedir ayuda cuando uno la necesita dejando el ego de lado, son algunas otras temáticas tocadas en el film, que quizás se antojen menos originales.

Creo que el verdadero logro del film pasa por mostrarnos que tanto un exceso de masculinidad como uno de femeneidad pueden ser negativo para la sociedad toda, y esto es algo que experimentaron las mujeres a lo largo de toda la historia (en términos generales), y es algo que los hombres están experimentando últimamente. La imposición del movimiento woke (con un principio claro de empoderar sectores de la sociedad históricamente marginados), si bien ha obtenido muchos logros, es ahora visto por muchos como algo forzado y hasta socio-económicamente provechoso, generando un montón de detractores, con algunos argumentos bastante válidos. Algo de esto hay aquí reflejado; algo pro-woke, pero sutilmente algo contra el mismo.

Asimismo, es digno de destacar que también son tocados temas como la inseguridad en la adultez (con Ken y su falta de ideas de qué hacer con su vida), así como la puesta en foco de que no hace falta estar casado y tener hijos para ser feliz.

"Barbie" es una muy buena película, y toda esta montaña de mensajes pueden ser difíciles de ver entre tanto rosa y "chistonto". Sí es verdad que hay mucho marketing detrás de todo esto, e incluso Mattel, la empresa de la que se da una mala imagen en el film, puede salir beneficiada con un aumento de ventas de este intento de revalorización de la icónica muñeca. La audiencia objetiva de esta producción está lejos de ser el público más menudo, sino más bien una público adolescente en edad de formación, aunque apela bastante a aquellos que andamos por los 30 y 40. Es también verdad que el sexo masculino no queda para nada bien parado, ya sea porque son inútiles, malvados, o unos bebés llorones y simplones, y es allí donde se produce la gran paradoja de la película, que a mi modo de ver le baja al menos un par de puntos: buscamos revalorizar el rol de la mujer a nivel histórico y actual, y ello lo hacemos a través de la ridiculización, estereotipación, y villanificación del hombre? Ya lo vimos en "Black Widow" y en tantas otras películas, y creo que este no es el camino.

FICHA TÉCNICA:
PAÍS: USA / Reino Unido
AÑO: 2023
GÉNERO: aventura / comedia / fantasía
DURACIÓN: 114 minutos
GUIÓN: 7/10
DIRECCIÓN: 8/10
ACTUACIONES: 7/10
CGI: 9 / 10

PRESUPUESTO / RECAUDACIÓN: US$ 100.000.000 / US$ 1.445.638.421

RATED: R

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LOS ESPÍRITUS DE LA ISLA

 

Que Collin Farrell y Brendan Gleeson hacían buena dupla y no iban a defraudar estaba más que comprobado - bastaba con referirse a aquel film del 2008 - "In Bruges" - donde ambos interpretan a asesinos a sueldo en un comedia negra con ribetes dramáticos que supo hacer furor en el festival "Sundance", y que la valiera a Farrell un Globo de Oro. En esta ocasión llevan esa dinámica a un nuevo nivel, valiéndoles a ambos estar nominados como Mejor Actor y Mejor Actor de Reparto, y otorgándole a "Los Espíritus de la Isla" ("The Banshees of Inisherin") sendas nominaciones como Mejor Actriz de Reparto, Mejor Director, Mejor Guión Original, y Mejor Película.

Martin McDonagh's (mismo director de "In Bruges") nos lleva a una pequeña isla situada en frente a Irlanda, Inisherin (filmada en realidad en las islas de Achill e Inis Mor) y a los años 1922/23 durante la Guerra Civil Irlandesa. Es en un pequeño pueblo de esta pequeña isla donde viven Colm Doherty (Gleeson) y Pádraic Súilleabháin (Farrell), amigos de larga data. Un buen día, Colm decide que ya no quiere ser más amigo de Pádraic, y éste no entiende porqué. Al principio Pádraic intenta hablar con Colm, aunque este se niega, pero luego Colm le termina explicando que lo que él busca es paz para poder pensar y trabajar en su música (Colm toca el violín). Sin entender ni aceptar lo que está sucediendo, Pádraic buscará por todos los medios que su amistad vuelva a ser como antes, aún a pesar del propio Colm. Cuando las respuestas negativas se sucedan, los eventos escalarán a niveles insospechados, afectando de forma directa e indirecta a propios y extraños.

A la vez que McDonagh explora la historia de estos dos amigos, con la depresión de uno de ellos por ver el final cerca y darse cuenta que no ha logrado nada en su vida que lo sobreviva, y la simpleza de otro que se conforma con ser buena gente y pasar el día a día con la poca gente que tiene a su alrededor, también el director / escritor se da el lujo de poner sobre la mesa otros elementos que complementan el cuadro de forma magistral. Por un lado tenemos a la hermana de Pádraic, Siobhán (la talentosísima Kerry Condon - "Three Billboards Outside Ebbing, Missouri"), una rara avis dentro de la comunidad, con una cultura y una avidéz por el conocimiento que escapan a los cánones normales que se manejaban por ese entonces, en ese tipo de lugares, y máxime siendo mujer. Siobhán es alguien a que Inisherin se le vuelve muy chico, y eso es evidente desde el minuto en que la tenemos en pantalla. Por otro lado tenemos a Dominic (Barry Keoghan - "Dunkerke"), un chico con muy pocas luces (muchas menos que las del simplón de Pádraic), que tiene una vida muy compleja, por ser leve. 

Es mediante la vida de estos 4 personajes que descubrimos las miserias de un lugar como Inisherin, donde las instancias para ser feliz parecen realmente muy pocas, y donde la tristeza / belleza del lugar es brillantemente ilustrada tanto por el score como por la fotografía.

La sensación de soledad embarga todo el film, y es allí cuando se entiende la necesidad de Pádraic de no perder a su mejor amigo: él está contento con cómo están las cosas, y los cambios, especialmente los bruscos, en un lugar y tiempo donde poco o nada sucede, pueden hacer estragos.

Y de trasfondo, una guerra en la otra orilla, pero tan lejana que a nuestros personajes no podría importarles menos. Después de todo, ni saben qué se está disputando.

El existencialismo humano en su máxima expresión, con una dirección y unas actuaciones para aplaudir de pie. Sin dudas, un film que vale la pena ver.

FICHA TÉCNICA:          

PAÍS:  Reino Unido / U.S.A. / Irlanda
AÑO: 2022
GÉNERO:  comedia / drama
DURACIÓN: 114 minutos
GUIÓN: 8 /10  
DIRECCIÓN: 9 / 10
ACTUACIONES: 9 /10

GANANCIAS: US$ 49.001.733

RATED: PG-16

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SIN NOVEDAD EN EL FRENTE

"Sin Novedad en el Frente" (en su título original "Im Westen nichts Neues") es una producción alemana (con colaboración americana y británica) que se centra en la vida de Paul Bäumer y sus amigos, quienes se alistan voluntariamente en el ejército alemán durante la Primera Guerra Mundial.

Con comienzo en Julio del 2014, la también llamada en su momento "Gran Guerra", fue un conflicto militar que enfrento a dos bandos cuyos integrantes llegaron a cambiar de posición con el correr de la misma. Peleada principalmente en Europa pero también en partes de Africa, Medio Oriente, China, y en algunas islas del Pacífico, este conflicto armado enfrentó a la Triple Alianza (Imperio Alemán, Imperio Austro-Húngaro, e Imperio Otomano) contra los Aliados (Francia, Imperio Británico, Imperio Ruso). Hubo cambios de bando (Italia, por ejemplo, que comienza formando parte del bando alemán para luego pasarse a la "Entente" - los Aliados - ), naciones que comenzaron la guerra y luego abandonaron (Rusia y su salida en 1917 por la guerra civil que enfrentaba), y participantes que se sumaron una vez comenzada la Guerra (Estados Unidos, Bélgica, Canadá, Japón, Grecia, Australia, Nueva Zelanda, Montenegro, Rumania para los Aliados, Bulgaria, Sudáfrica, Finlandia, Polonia, Lituania, Georgia, Azerbaiyán para la Triple Alianza). Hubo otros partícipes a menor escala, y todo esto demuestra que verdaderamente el asesinato del archiduque Francisco Fernando de Austria en Sarajevo y la posterior declaración de guerra del Imperio Austro-Húngaro a Serbia condujo a un conflicto de escala global. 

Es en los estertóres de la Guerra y en el frente alemán / francés que se basa el libro de Erich Maria Remarque y por ende el film de Edward Berger del que tratan estas líneas. Tanto libro como film describen los horrores de la Guerra vistos desde el punto de vista de un joven soldado alemán de 19 años (Paul Bäumer - interpretado por Felix Kammerer), quien a priori tiene una idea un tanto romántica de la misma (acicateado por los discursos de profesores y políticos), para llegar al frente de batalla y darse cuenta que es el último lugar donde le gustaría estar. Paul y sus amigos son enviados a las trincheras en último intento desesperado del emperador alemán Guillermo II de dar vuelta una guerra que ya estaba sentenciada. 

"Sin Novedad en el Frente" nos habla de los horrores de la guerra, las pérdidas, el sentido de pertenencia, la juventud desperdiciada, la incertidumbre del futuro ya sea ganes la guerra o la pierdas, y lo efímero del ser humano, siendo solo un engranaje en las maquinaciones y deseos de otros en jerarquías más altas. El paralelismo trazado por director y editores entre cómo se vive la guerra desde el "escritorio" a las trincheras es magnifico, tanto en mostrarnos las privaciones de quienes verdaderamente dejan cuerpo y alma en el conflicto como en reflejar lo fácil que es tomar una decisión cuando no es uno quien verdaderamente la sufre, ya sea por conveniencia o por capricho.

Esta es la segunda remake de la obra de Remarque, siendo la versión original de 1930 y la primer remake de 1979. Sin haber visto la versión de Lewis Milestone, y teniendo un muy vago recuerdo de la de Delbert Mann, me arriesgaría a decir que es difícil que cualquiera de esas versiones haya reflejado la violencia y la desesperación de la lucha de trincheras tan bien como esta nueva versión.

"Sin Novedad..." tiene muchos méritos y creo está justificadamente nominada como "Mejor Película", "Mejor Película Extranjera", "Mejor Guión Adaptado", y "Mejor Sonido", teniendo además otras 5 nominaciones a los premios Oscar 2023. Altamente recomendable.

FICHA TÉCNICA:          

PAÍS: Alemania, U.S.A., Reino Unido 
AÑO: 2022
GÉNERO:  drama / bélica 
DURACIÓN: 148 minutos
GUIÓN: 9 /10  
DIRECCIÓN: 10 / 10
ACTUACIONES: 7 /10

C.G.I.: 9/10  

RATED: PG-16

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TODO, EN TODAS PARTES, AL MISMO TIEMPO

 

Evelyn Wang (Michelle Yeoh - "El Tigre y El Dragón") vive su vida al palo: una lavandería que no da con los números, un padre discapacitado que parece tener grandes expectativas de su hija, un matrimonio que se cae a pedazos, y una hija gay con quien la comunicación es cualquier cosa menos efectiva y afectiva. Al borde del colapso, Evelyn debe de hacer de todo, lidiar con su stress, y por si fuera poco, ahora con una entrevista con una auditora de la IRS (la dirección impositiva americana), de la que depende de que su negocio siga abierto, mientras prepara una fiesta de Año Nuevo Chino para darle más visibilidad a un negocio que hace agua.

Es en ese contexto que lo impensado ocurre. Waymond - su marido (Ke Huy Quan - aquel niñito de "Indiana Jones y el Templo de la Perdición"), deja de ser de pronto el pusilánime bienhumorado que es para transformarse en un Waymond de un universo paralelo quien le indica a Evelyn que su versión de este universo es quien está destinada a salvar todo el multiverso del colapso, y que debe de prepararse para enfrentar a Jobu Tupaki, una entidad que ha ya aniquilado varios universos y viene ahora por este. 

Sin saber qué hacer, Evelyn se sumergirá en su propio ser de otros universos, de donde intentará tomar sus habilidades para combatir este mal, antes de que sea demasiado tarde.

Mezclá "The Drunken Master" de Jackie Chan, "Alicia en el País de las Maravillas", "Matrix", "Doctor Strange y el Multiverso de la Locura" y por ahí podés hacerte una idea de lo que es este film dirigido y escrito por Dan Kwan y Daniel Scheinert ("Swiss Army Man"). Caótica, psicodélica, delirante, graciosa, y sentida, son algunos de los adjetivos que me viene a la mente para describir "Everything, Everywhere, All at Once" ("Todo, en todas partes, al mismo tiempo") título que, más allá de definir muy bien de qué va el film, te cuenta también que está dividido en 3 actos, siendo el primero el más enrevesado, y el último apenas un suspiro. 

Muchos se preguntarán porqué está nominada a 11 premios Oscar para este 2023. Más allá de la licuadora de ideas que resulta en algo muy original y fresco, tiene muchos condimentos que la hacen un film ideal para ganar el más codiciado galardón (léase "Mejor Largometraje"). El film mezcla ciencia ficción con artes marciales, animé, drama, comedia, y surrealismo, tomando un approach muy diferente al ya gastado multiverso, y lo hace de buena forma. Contiene las dosis de humor y drama necesarias, así como una infinidad de subplots que llegan en su vasta mayoría a buen puerto: la falta de comunicación y entendimiento intergeneracional, las altas expectativas puestas en los hijos (y tratar de realizarse a través de ellos, tal cual lo haría un padre frustrado futbolísta impulsando la carrera de su hijo), el tedio y la desesperanza de la monotonía, el desencanto de ver que ya pasaste la curva de tu vida y que no lograste nada (o muy poco), el no poder ver qué es lo que realmente importa (muy "El Principito"), la importancia de la familia, la propuesta de ser un poco más buenos en la vida (de la mano del personaje de Quan) y en la miríada de "What if...?" propuestos por los directores la gran pregunta manifiesta de exprofeso, con un tono nihilista evidente: "¿Es que nada de lo que hagamos realmente importa?" El espectador no puede menos que sentirse reflejado en al menos alguna de las interrogantes planteadas.

Son temas nuevos a tratar? Por supuesto que no. Pero la convergencia de los mismos y la forma en que se llevan a cabo creo que sí lo es. 

Muchos plantean el hecho del "disparate". Era necesario incuir elementos de "The Matrix" o "La Casa de las Dagas Voladoras" para contar los dilemas ante los que la protagonista se enfrenta? No, es verdad. Pero si no los hubieran incluído no sería la pieza única que "Everywhere..." es.  

Si a todo esto le sumamos que la actuación de Yeoh es sublime (nominada a "Mejor Actriz Principal"), y que es brillantemente secundada por Jamie Lee Curtis y Stephanie Hsu (ambas nominadas como "Mejor Actriz de Reparto") y Quan (también nominado a "Mejor Actor de Reparto"), más una dirección que parece ir por todos lados pero tiene bien en claro el destino, y un aún mejor trabajo en edición (entre dirección, guion, y edición acumulamos 3 nominaciones más, de forma más que justificada), creo que estamos ante el gran candidato de esta edición 2023 de los premios de "la Academia". 

Es verdad que la empoderación femenina está omnipresente una vez más, acompasándose a lo que la industria del cine demanda hoy día, ,pero bueh...con todo no es algo que rompa los ojos ni que se enfatice con insistencia o esté traída a "forceps". 

"Everything..." se hace de esas películas que amas o que te parecen tan delirantes que a los 20 minutos dejaste de ver. De qué lado estás vos? 

FICHA TÉCNICA:          

PAÍS: U.S.A.
AÑO: 2022
GÉNERO:  drama / fantasía / comedia / artes marciales
DURACIÓN: 139 minutos
GUIÓN: 9 /10  
DIRECCIÓN: 10 / 10
ACTUACIONES: 8 /10

C.G.I.: 6/10  

PRESUPUESTO / GANANCIAS: US$ 25.000.000 / US$ 107.383.291

RATED: PG-12

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EL PODER DEL PERRO

 

Era, tal vez, la más firme candidata al Oscar como Mejor Película para esta nonagésimo cuarta entrega de los premios más famosos del cine, edición que se recordará por el bofetazo de Will Smith a Chris Rock y toda la polémica que se sucedió luego. "El Poder del Perro" se vuelve un film que deambula por carriles poco convencionales y se aleja del cine mainstream en lo que a fórmulas se refiere.

Jane Campion, aquí directora y escritora del film - y que obtuviera su estatuilla dorada por Mejor Guion Original, y quien ya anteriormente se llevara un Oscar en el mismo rubro por el film "El Piano" (1993), nos presenta un largometraje que no es para todos los gustos, de tránsito lento, con personajes muy bien trabajados.

Estamos en el año 1925, y los hermanos Phil y George Burbank (Benedict Cumberbatch - "Dr. Strange", y Jesse Plemons - "The Irishman") regentean un rancho en Montana, rancho que pertenece a sus padres, quienes se han ido a vivir a la ciudad. De personalidades completamente opuestas, cada uno tiene sus funciones bien definidas. Mientras Phil es severo, duro, y un líder nato, y quien se encarga de las faenas; George, quien se ocupa de las finanzas. por su parte, es alguien de carácter más correcto, que observa las formas, y que parece sapo de otro pozo viviendo en el rancho.

De camino a vender un lote de ganado en pie, es que el convoy de los Burbank para en Red Mill, un pequeño grupo de casas con un hotel / restaurant que es trabajado por Rose (Kirsten Dunst) y su hijo, Peter. Éste tiene una forma de ser que no condice con las que los rancheros comulgan, y es presa del escarnio por parte de Phil y sus empleados. El único que muestra empatía para con la viuda y su hijo es George, quien finalmente se terminará casando con ella, y llevándosela al rancho, junto con su hijo. Es allí donde las vidas de todos darán un giro, donde madre e hijo tendrán que aclimatarse a su nuevo hogar, y donde quienes habitan allí hace tiempo tendrán que adaptarse a la presencia de los recién llegados.

Contando con una gran fotografía, una música exquisita de la mano de Jonny Greenwood (que llega a poner los pelos de punta), muy buen vestuario, y personajes potentes (algo en lo que la gran mayoría parece concordar), para muchos, "El Poder del Perro" está sobrevalorada, es lenta, y no transmite un mensaje claro. Si bien estoy totalmente de acuerdo con lo segundo, difiero en los otros dos aspectos. 

Creo que el hecho de que este film sea un slow burn le quita la atracción que para muchos un largometraje deba tener, y hace que de hecho, pueda volverse monótono y hasta tedioso. Por otro lado no creo que esté sobrevalorada, ya que es un film que puede leerse desde muchas líneas y tiene muchas aristas, hecho que me lleva al tercer punto: el mensaje. Éste va desde la homosexualidad al poder del patriarcado, del amor filial a lidiar con un mundo que no acepta cómo uno es, de supervivencia en un medio hostil y de la capacidad de adaptación. Es definitivamente una película muy interesante, aunque debo admitir que es de esas que no sé si vería de nuevo. 

"El Poder del Perro" termina perdiendo en su carrera a manos de "CODA", un film integracionista pero mucho más mainstream y previsible, aunque esa reseña es para dentro de unos días.

FICHA TÉCNICA:          
PAÍS: USA / Reino Unido / Canadá / Australia / Nueva Zelanda
AÑO: 2021
GÉNERO:  drama / western
DURACIÓN: 144 minutos
GUIÓN: 10 /10  
DIRECCIÓN: 7 / 10

ACTUACIONES: 9 / 10

GANANCIAS: US$ 260.596

RATED: PG-16

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KING RICHARD

 

Ganadora a Mejor Película Dramática en los últimos Globo de Oro, y nominada a 3 premios Oscar como Mejor Película, Mejor Actor, y Mejor Actriz de Reparto, "King Richard" nos cuenta la historia de Richard Williams y su plan de convertir a dos de sus hijas en futuras campeonas de tenis.

Richard (Will Smith) tuvo una meta fija desde que se casara con Oracene: convertir a sus hijas Venus y Serena en las mejores tenistas de la historia. Para ello trazó un plan minucioso, y gracias a mucho esfuerzo por parte de toda la familia, Venus y Serena se convirtieron en lo que hoy conocemos. 

De extracción muy humilde, la familia oriunda de Compton, California, vivía según la égida de unos padres cariñosos, pero estrictos. En la familia Williams se trabajaba, entrenaba, y se estudiaba, a pesar de las condiciones y la coyuntura del momento.

La tenacidad, resolución, y visión de Richard, con el apoyo incondicional de su esposa, fueron forjando, contra todos los pronósticos, lo que sería el futuro de dos de las tenistas más grandes de la historia, y las únicas hermanas en conseguir ganar todos los Grand Slams.

Si bien "King Richard" está basada en una historia real, podríamos decir que ésta está un tanto edulcorada, máxime teniendo en cuenta que las hermanas Williams, quienes siempre han reconocido que su éxito no hubiese sido posible sin su padre, están como productoras ejecutivas, teniendo un "qué decir" en varias tomas de decisión. Y cuando hago mención a lo "edulcorado" del film, me refiero a que, si bien por un lado se nos muestra la naturaleza a veces contradictoria del mismo Richard, a la hora de sacar los "trapos sucios", como el hecho de los otros hijos extra-matrimoniales de Richard, el film dirigido por Reinaldo Marcus Green parece quedarse en el debe.

Entendible que Will Smith esté nominado, como también Aunjanue Ellis, no tanto así el film como Mejor Película, lo cual sólo se justifica por la imagen políticamente correcta que "la Academia" quiere transmitir.

Hablando de "transmitir", el film da lugar a algunas ideas erróneas en cuanto a los logros de las hermanas. Venus se convirtió en la primer gran ganadora de un Grand Slam de origen afrodescendiente, y fue sin dudas en su momento más popular y querida que lo que fuera luego Serena, que es la segunda tenista más ganadora en cuanto a Grand Slams con 23, por detrás de Margaret Court con 24. La pregunta del millón para muchos es cuál de las dos hermanas termina siendo mejor, y la respuesta es inequívoca: Serena. No sólo estuvo más tiempo en el número 1 del ranking de la WTA y ganó más torneos (73 contra 49), si no que además de tener más Grand Slam ganados que su hermana (23 a 7), considerando los partidos entre sí, también tiene saldo a favor (18 a 12).

También es importante aclarar que ninguna de las dos fue la mejor tenista de la historia en cuanto a torneos en general (Serena se encuentra cuarta detrás de Martina Navratilova, Chris Evert, y Steffi Graf - Venus sexta), ni tampoco las más jóvenes, título que recae en Martina Hingis, quien en 1997 ganó el Abierto de Australia con 15 años.

Vale la pena? Yo creo que sí. Es material para ganar un Oscar a Mejor Película? No. Pero...con los compromisos sociales / políticos de Hollywood, cualquier cosa puede pasar.

FICHA TÉCNICA:          
PAÍS: USA
AÑO: 2021
GÉNERO:  drama / deportes /biográfica
DURACIÓN: 144 minutos
GUIÓN: 5 /10  
DIRECCIÓN: 6 / 10

ACTUACIONES: 8 / 10

C.G.I.: 7 / 10

PRESUPUESTO / GANANCIAS: US$ 50.000.000 / US$ 37.736.065

RATED: PG-12

MA RAINEY'S BLACK BOTTOM

 

Actuaciones sublimes de Chadwick Boseman y Viola Davis hacen que se vuelva casi que obligatorio ver "Ma Rainey's Black Bottom", conocida por estos lares como "La Madre del Blues".

Basada en la obra de August Wilson - a quienes muchos consideran el Shakespeare americano, y que fuese creador por ejemplo de "Fences" y ganador de 2 premios Pullitzer -, "Ma Rainey's..." nos cuenta lo acontecido en una sesión de grabación en los años '20, donde una grupo de músicos espera la llegada de "La Madre del Blues" Al demorarse ésta, una sucesión de historias comienzan a compartirse entre los mismos músicos encerrados en un claustrofóbico cuarto, historias que ilustraran historias pasadas poco afortunadas. Entre estos experientes músicos de sesión se encuentra Levee (Boseman), un engreído trompetistas con ínfulas de estrella, quien pretende abrirse en su carrera solista, algo que ni siquiera se molesta en ocultar. No sólo eso, si no que además le echa el ojo a Dussie Mae, la "chica" de Ma Rainey. Al llegar la propia Mae, ésta se niega a dar el brazo a torcer ante los pedidos de los productores del disco (ambos blancos), con lo cual una serie de altercados y contratiempos empiezan a producirse. La colisión de egos de la cantante y el trompetista generarán aun más tensión en la sala de grabación de la que ya había...una sesión que parece de nunca acabar. 

Es evidente que es una obra de teatro llevada al cine, no solo en el setting sino en el tipo de diálogos (casi monólogos) de parte de varios de los personajes (como lo fuese en su momento la propia "Fences"  - por la que Viola ganara el Oscar a Mejor Actriz, y por la que Denzel Washington estuviese nominado).  El desarrollo de los personajes es muy bien logrado (no sólo el de Levee y Ma) y uno puede entender qué es lo que realmente los motiva a estar donde están y ser quiénes son.

Los temas tocados entre diálogos, amenazas, y risas, son muy bien expuestos: el adaptarse al mundo del hombre blanco sin perder la identidad (o el saber sacarle provecho a este), el sufrimiento de generaciones de afrodescendientes, o el poder destacarse en un mundo que parece no ser el de ellos.

En el debe quede seguramente la dirección y la adaptación del guion, ya que el film se sostiene casi en exclusividad en lo escrito por Wilson en su momento y en las magnificas actuaciones. 

Boseman, visiblemente afectado por la enfermedad que lo aquejaba al momento de éste - su último film -, era sin dudas EL candidato al Oscar como Mejor Actor por este film, aunque cabe reconocer que Hopkins hizo una gran labor con "The Father", película que reseñaremos próximamente.

FICHA TÉCNICA:          
PAÍS: USA
AÑO: 2020
GÉNERO:  drama / historia / música
DURACIÓN: 94 minutos
GUIÓN: 7 /10  
DIRECCIÓN: 6 / 10
ACTUACIONES: 10 /10  

PRESUPUESTO: US$ 22.500.000
RATED: PG-16

DOLOR Y GLORIA

Antes de reseñarte el más reciente film de Almodóvar, film del que ya debés de haber escuchado por Febrero, en las proximidades de los Oscar, debo aclarar que no es mi tipo de cine y que puedo tener una visión muy sesgada de esta clase de producciones.
Habiendo aclarado ésto te cuento que Salvador Mallo (Antonio Banderas) es un director de cine cuyas glorias son pasadas y que se encuentra viviendo en un mundo de dolor, tanto físico como mental (de ahí el nombre de la película). Salvador está abandonado a su suerte, y queriéndolo o no, se las ingenia para alejar a todos de su vida. Somo testigos también de su visión de su infancia, una sumida en la pobreza y con una madre que se desvivía por él, aunque lejos de ser perfecta como veremos ya avanzado el largometraje.
Una de sus producciones es reflotada y vuelve a ganar la apreciación de la crítica luego de 30 años, lo que lleva a que Salvador se encuentre con parte de su pasado que creía enterrada. Dicho reencuentro lo sume en una nueva ola de adicción y el resurgimiento de amores y odios, todo esto rodeado por un dolor físico, en parte real y en parte imaginario. Sobrevivirlo será un desafío al que Salvador quizás no esté a la altura.
Con una actuación memorable de Banderas y una dirección como las de antaño de Almodóvar, éste film, basado en gran parte en la vida del director pero sin ser una autobiografía, se vuelve una obra ineludible para los seguidores del Malagueño y del Manchego. De a ratos letárgica y sombría, tiene momentos de luz en los retazos de la infancia del personaje de Mallo y en las interacciones de Salvador con su madre.
A nivel personal, vista por partes, una película que me había costado digerir me termina gustando por el cierre.

FICHA TÉCNICA:          
PAÍS: España
AÑO: 2019
GÉNERO:  drama
DURACIÓN: 113  minutos
GUIÓN: 6 /10  
DIRECCIÓN: 8 /10 
ACTUACIONES: 8 / 10
GANANCIAS: US$ 37.137.074

RATED: PG-16

JOJO RABBIT

"Jojo Rabbit" es de esas películas de las que no sabés qué esperar y terminás felicitándote por haberla visto. 
Christine Leunens escribió la novela pero Taika Waititi ("Thor: Ragnarok") se encargó de adaptarla, dirigirla, y hasta actuarla (en el papel de Hitler), y es por ello que las 6 nominaciones a los Oscars 2020 (entre ellos a Mejor Película)  tengan mucho que ver con este descendiente de maoríes, judíos, y británicos.
Yendo de lo bizarro a la comedia, y de la sátira al drama, "Jojo Rabbit" es la historia de un niño alemán de 10 años apodado Jojo, obsesionado con ser parte de las juventudes hitlerianas y eventualmente volverse la mano derecha de Adolf Hitler. Jojo vive sólo con su madre, Rosie (Scarlett Johansson, nominada a los Oscar por este rol), y pasa gran parte del tiempo con su amigo imaginario: el propio Hitler - uno muy particular y con la visión que el niño tiene del líder nazi -.
Jojo es envíado a un campamento juvenil donde resulta herido y por ello confinado a trabajar como agente del correo alemán. Al pasar más tiempo en casa y con su madre ausente, Jojo descubre que ésta esconde a una niña judía en el ático de su casa. Debatiéndose entre si debe delatarla o no, Jojo deberá enfrentarse a su adoctrinamiento nacionalista y darse cuenta de la realidad, antes de que sea demasiado tarde.
En un mundo donde lo original cotiza en bolsa (especialmente en éste del cine), y donde llevar a buen puerto ese producto original es aun más complejo, hay que decir que el trabajo de Waititi en "Jojo Rabbit" es excepcional. Desde la ternura y la amistad bien entendida de personajes como el mismo Jojo y  Yorki, hasta la crueldad de las ejecuciones públicas, pasando por el bullying, el efecto propagandista en mentes jóvenes, una relación muy íntima de madre e hijo, y el amor juvenil, este largometraje se vuelve ineludible. Pasar de la risa al llanto, o al llanto con risa es una transición de segundos en este film que podríamos definir perfectamente como una obra maestra.

FICHA TÉCNICA:          
PAÍS: USA / Nueva Zelanda / República Checa
AÑO: 2019  
GÉNERO:  drama / bélica / comedia
DURACIÓN: 108  minutos
GUIÓN: 10 /10  
DIRECCIÓN: 10 /10 
ACTUACIONES: 8 / 10
C.G.I.:  8 / 10

GANANCIAS: US$ 74.280.950 
RATED: PG-12