Tal vez los términos "comedia" y "alemana" no sean palabras que uno tienda a asociar, sin embargo en "Solo una Noche de Juegos" esta combinación se da de manera bastante amena.
Conocida originalmente como "Spieleabend", el film de Marco Petry nos presenta a Jan (Dennis Mojen - "La Fábrica de Sueños") y a Pia (Janina Uhse - "Fiebre del Ladrillo"), dos jóvenes que se conocen en un parque mientras paseaban a sus respectivos perros, y que terminan flechados inmediatamente. Luego de un mes de noviazgo que los ha recluido y alejado del resto de sus allegados, Pia decide invitar a Jan a una noche de juegos de mesa con sus amigos, para de paso poder presentar a su nuevo novio en sociedad. Es así que se juntan en la casa de Karo y Oliver, una pareja de mucho dinero, que le da "asilo" al hermano de Karo, Kurt. En esa jornada de juegos también estará Sheila, quien no puede asimilar su reciente separación.
Los amigos de Pia son muy distintos a los de Jan: gente con dinero, otras realidades, y algunos asuntillos "abajo de la alfombra". La noche arranca mal con el regalo que Jan le lleva a la anfitriona, pero luego se torna aun peor cuando Mathias - el ex de Pia - aparece, sin aparente invitación, para sumarse a la noche de juegos, en un evidente intento de recuperar a su antigua novia.
Es así que esa simple "noche de juegos" se tornará una serie de descubrimientos y malos entendidos que cambiará la relación de los amigos.
De forma exagerada, se nos quiere mostrar que no somos lo que decimos ser, ni siquiera con nuestros amigos, y que los planes pueden salir decididamente muy mal. Hay, algunos mensajes más que de develarse podrían llegar a spoilear la película.
Con actuaciones decentes, y con un guion aceptable que a veces cae en el cliché de ideas, "Sólo una Noche de Juegos" se hace llevadera, aunque no será memorable...no es que los creadores tuvieran esa intención ni mucho menos.
El hecho de que el film tenga un paso demasiado acelerado, desde el momento que Jan y Pía se conocen hasta la noche de juegos en sí, y la falta de desarrollo de los personajes (o la unidimensionalidad de los mismo, lo que conlleva a una falta de empatía del espectador con cualquiera de las situaciones), hacen que esta producción de Netflix termine haciendo agua por varios lados.
Fan service? Hacer un poco más de plata del que fuera probablemente el mayor éxito musical (en el género rock) de Brasil de los últimos 30 años? Tributo con toque de comedia en honor al espíritu de "los 5 de Guarulhos"? Y...hay un poco de todo.
Corría el año 1995 y los ex-integrantes del grupo de rock alternativo Utopía veían con tristeza como todos sus esfuerzos por llegar a la fama con su primer y único álbum se desvanecían en un tris. Es allí cuando su productor musical les recomienda ir por la veta cómica, aprovechando las ideas hilarantes de sus miembros y el histrionismo mostrado en el escenario por su vocalista principal, Dinho. Enrico Costa - personaje ficticio que haría las veces del productor real, Rick Bonadio -les aconseja ya de paso que cambian de enfoque en sus letras, hacer lo mismo con el género musical, sin abandonar completamente el rock alternativo, mas también agregando pagode, country, forró, y el heavy metal. Y ya que estaban el nombre. Es allí que surge Mamonas Assassinas. Y el éxito fue inmediato, mas muy fugaz. En sus cortos 8 meses de vida, estos gaúchos conquistaron los corazones - y las emisoras de radio y cadenas de televisión - con su rock irreverente, poco serio, y hasta con crítica social, ya que estos chicos de Guarulhos nunca se olvidaron de sus orígenes.
Desafortunadamente, en un viaje rumbo a su ciudad natal, el avión en que viajaban termina colisionando contra la Serra da Cantareira, devastando, no sólo a varias familias y a sus fans, si no también a un país con la tragedia. Nos dejaron un solo disco de estudio, el homónimo "Mamonas Assassinas", actuaciones memorables, y un sabor de boca muy amargo para todos aquellos que quedamos prendados de esta expresión musical y de alegría que salía de los cánones habituales.
Obviamente, luego vendrían varios bootleg, grabaciones perdidas, y remasterizaciones, pero ya nada sería lo mismo.
En lo personal, el film deja gusto a poco. Desde el tono que se le da al mismo, pasando por las actuaciones, e incluso el poco detalle que se da al final sobre la muerte de estos 5 músicos (más los dos pilotos y dos técnicos que viajaban con ellos). Entiendo que el propósito pueda ser celebrar la vida de la banda, sin embargo, considero que habría que habérsele dado algo más de desarrollo a esta desastrosa tragedia. Queda también la sensación de que se necesitaba más "seriedad" en algunos tramos del film, que se notan innecesariamente cómicos, y muchos pasajes que no tienen tanto que ver con la realidad tampoco, desde algunas relaciones amorosas a decorados. Se siente como con pobre producción, y la edición a veces no convence del todo.
Amo a las Mamonas, y si bien este film no se hizo imposible de digerir, se sintió raro. Lo mejor de todo fue que luego me dieron muchas ganas de escucharlos, cosa que hice esa misma madrugada.
Se dice que hay una serie en producción. Veremos qué tal.
FICHA TÉCNICA: PAÍS: Brasil AÑO: 2023 GÉNERO: biografía / drama / comedia / música DURACIÓN: 95 minutos GUIÓN: 5 /10 DIRECCIÓN: 3 /10 ACTUACIONES: 5 /10
Primero y principal, no es tan mala como piensan. De acuerdo que no es lo mejor, pero está a años luz de ser lo peor, especialmente considerando lo pésimo que ha sacado Marvel últimamente - entiéndase "The Marvels" y "Black Panther 2 - Wakanda Forever", films que ya reseñé pero que si no leíste podés hacer click por acá y por acá -. Y sí...la primera de las del "Rey de la Atlántida" es mejor.
En esta ocasión, Black Manta intentará deshacerse de Aquaman de una buena vez y así vengar la muerte de su padre...otra vez. Esta vez, sin embargo, contará con la "ayuda" del Tridente Negro, un arma mágica ancestral otrora en posesión de Kordax - el monarca del reino submarino de Necrus -. Al blandir el Tridente Negro, Black Manta se volverá más poderoso, pero ésto a costa de su propia alma, ya que el espíritu de Kordax irá lentamente poseyéndolo.
Ante tamaña amenaza, estando su propia progenie en peligro, Aquaman buscará una alianza impensada con su propio hermano, Orm, a quien él mismo ha aprisionado. Los medio-hermanos deberán dejar de lado las diferencias si es que quieren salvar su mundo y su familia.
Aunque me pese decirlo, el género superheróico parece estar en declive luego de su prime la pasada década; me animaría decir desde "Ironman" (2008) hasta "Avengers: Endgame" (2019). Por suerte, dos por tres, entre estos aparentes "últimos coletazos" de este - para muchos - moribundo género, tenemos algún film que realmente vale la pena, por ejemplo "Spiderman: No Way Home" del 2021. "Aquaman & The Lost Kingdom" no estaría entre esas excepciones.
Dirigida por James Wan ("Insidious" y "Fast & Furious 7"), y escrita por el mismo Wan, el guión es donde el film parece flaquear más. Con muchos acertados one-liners (esos chistes o respuestas ingeniosas de una sola linea), y una mezcla entre "Indiana Jones", "Piratas del Caribe", "Jurassic Park", "Thor: Un Mundo Oscuro", y varias ideas "prestadas" más, la parte humorística del film parece estar cubierta, sobre todo por cómo Momoa lleva el personaje de Aquaman, y luego por la química que el propio Momoa y Patrick Wilson ("El Expediente Warren"), quien interpreta a su hermano Orm, parecen tener.
Ahora bien, que el humor sea acertado la mayoría de las veces, no quiere decir que el guión sea bueno. Los hay peores, pero se cae tanto en clichés que pasa sin pena ni gloria. Hay varias puntas con las que se lidia: el liderazgo, la familia, el dejar el pasado atrás, las responsabilidades, sin embargo, la propia acción del film, o las escenas (a veces forzadas) de humor, ocasionan que estos temas se pierdan un tanto. Hay aciertos en el CGI (el 70% de la veces), así como en las referencias a los comics, pero el film termina pagando las consecuencias de ser el último de un universo cuyo final estaba anunciado un par de años antes, y las consecuencias de los cortes (sobre todo en escenas que incluyan a Amber Heard - escándalo mediante -, y según contó el propio Dolph Lundgren, escenas que a él mismo le recortaron).
En definitiva, una película que pretende hacerte pasar un buen momento, que no se toma a sí misma tan en serio, y que parece ser un cierre apropiado para un universo DC en declive. Resta ver qué sucede de ahora en más con el reboot de DC a manos de James Gunn.
Ganadora del Oscar a "Mejor Guion Original", y nominada a 4 premios de la Academia más - entre ellos el de "Mejor Película", "Mejor Dirección", y "Mejor Actriz en Rol Protagónico" - "Anatomía de Una Caída" es un film difícil de describir, y no me refiero a su idea base que es bastante sencilla, si no a la definición de si es verdad que es un largometraje tan original como se dice - y por añadidura bueno - o si es el típico ejemplo de esas cosas que sólo gustan a los críticos de cine.
La premisa es simple: Samuel y Sandra viven juntos en un chalet en la montaña, alejados de todos. Un día Samuel aparece tirado muerto en la nieve, aparentemente producto o de un accidente doméstico tras caerse del segundo piso, o de quitarse su propia vida. Samuel es encontrado por Daniel, su hijo de 11 años con problemas en la visión. Éste da aviso a su madre, quien estaba lejos en otra parte de la casa, y ésta horrorizada llama a la policía local. Sin embargo, y para sorpresa de los involucrados, el departamento de criminología llega a la conclusión de que la muerte es sospechosa, y que Samuel podría haber sido asesinado. Todos los dedos apuntan a Sandra, cuya relación con Samuel venía siendo al menos "compleja". Gran parte del film nos llevará al juicio a Sandra, a sus charlas con su amigo/abogado, y a escenas del hogar donde la dinámica con su propio hijo se verá afectada, ya que este, como hijo e individuo que encontró el cuerpo, es obligado a ser testigo en el juicio a su madre, enterándose en el interín de la verdadera (al menos desde el punto de vista del fiscal y de la propia Sandra) relación entre su madre y su padre.
"Anatomía de una Caída" es un film que ni puede definirse como el consabido whodunnit (el "quién lo hizo", un género en sí mismo, al estilo Agatha Christie), ni tampoco una película de "tribunales", y estaría a medio camino entre ambas categorías, ya que más de un tercio del film es el juicio en sí, y a través del film llegás a sospechar del hijo, el amigo/abogado, y hasta del perro. El film dirigido y escrito por Justine Triet utiliza la muerte y el juicio como excusa para tratar la relación madre-hijo cuando ciertas verdades son reveladas, la relación esposa-esposo cuando la pasión y el amor parecen ser cosa del pasado y es sobrevivir el matrimonio, o incluso sobre las dificultades de no dominar un idioma, estar en el extranjero, y sufrir por ello (de hecho el film es hablado en francés, inglés, y hasta un poco de alemán). Y eso sólo en la superficie, ya que si rascamos más a fondo veremos también que "Anatomía.." lidia con la subjetividad de la realidad, cómo nosotros la vamos moldeando, y cómo intentamos que los demás se suscriban a esa realidad. Y cómo necesitamos inherentemente saber todo, y terminamos no sabiendo nada, muy poco, o rellenando "agujeros" con nuestra propia percepción.
Si...suena muy interesante, y lo es. Peeeeero...no es para un domingo a la noche, ni "pochoclera"...ni siquiera lo suficientemente entretenida. Con un café, a la mañana, y alguien con quien discutirla, juega. Igual, está un pelín sobrevalorada, creo en especial en lo referente a la actuación, ya que a excepción de Sandra Hüller ("Zona de Interés") en su rol de Sandra, el resto es bastante promedio.
FICHA TÉCNICA: PAÍS: Francia AÑO: 2023 GÉNERO: drama DURACIÓN: 151 minutos GUIÓN: 7/10 DIRECCIÓN: 7 /10 ACTUACIONES: 6 /10
"Interessengebeit" es el término en alemán que identifica a "la zona de interés", esos 40 kilómetros cuadrados que rodeaban el campo de concentración de Auschwitz, donde murieron más de 1 millón de personas, principalmente judíos.
"La Zona de Interés", film dirigido y escrito por Jonathan Glazer, es - para muchos - el justo ganador del Oscar 2024 como Mejor Película Extranjera, aunque además, y de forma más que merecida, también ganadora a Mejor Sonido.
Inspirado en el libro homónimo escrito por Martin Amis, el laureado largometraje se centra en la vida de Rudolf Höss (interpretado por Christian Friedel - "El Perfume") y su esposa Hedwig (encarnada por la nominada al Oscar Sandra Hüller - "Anatomía de una Caída"), cuya casa queda al lado del mismo campo de concentración (en esto se difiere con el libro, el cual se basa en 3 personajes diferentes y ficticios, mientras que el film utiliza a los Höss quienes realmente existieron).
A través del largometraje vemos como los Höss llevan una vida rutinaria, paseando por el campo, nadando en el rio o en la piscina que tienen en su jardín, así como Hedwig se encarga de la casa y su huerta, mientras alguno locales atienden otros quehaceres domésticos.Obvio que Rudolf Höss además trabaja. Su tareas como Comandante General de Auschwitz consisten, por ejemplo, en la organización militar, policial, política, penitenciaria, y de seguridad del campo, y entre sus "logros" para los nazis, pueden contarse la implementación y modificación de las cámaras de gas, las cuales permiten acabar con 2000 vidas a la vez. No en vano esto le granjeó la admiración de Himmler, y el reconocimiento de Hitler. Apodado "el animal de Auschwitz", él mismo se aseguró de que que dicho campo dejara de ser de "concentración" y pasara a ser de "exterminio".
Somos testigos - con horror - de cómo los reclusos de al lado son considerados meros objetos, sus ropas distribuídas entre los Höss y sus asistentes, e incluso como uno de los niños juega con dientes de judíos fallecidos. Éstos están adoctrinados para ignorar lo que acontece al lado, naturalizandolo. No viven "puerta por puerta" con una fábrica, aunque ellos así lo vean. La perversidad de dicha naturalización no pasa desapercibida para el espectador, ni tampoco el terror que se vive tras el muro, representado por gritos, llantos, disparos, el sonido de trenes, o el humo de las cámaras de gas.
Sin embargo, a los Höss se les planteará un problema con el traslado de Rudolph a un nuevo destino, y la potencial pérdida de su "idílico" hogar. Y allí está ella, Hedwig, si se quiere aún más inhumana que su marido, quien desea mantener su vida cueste lo que cueste.
Si bien el Holocausto es un tema manido, nunca está de más recordarlo, y esta visión de Glazer resulta por demás interesante. Y parecería que siempre hay algún horror nuevo por descubrir con respecto a este tema, no? Dos grandes logros del director son hacernos horrorizar sin recurrir a lo visual, si no a tráves de lo sonoro y de la frialdad de los Höss. El otro es mostrarnos en este "slice of life" la realidad de aquellos que rodeaban a los oficiales y todo lo concerniente al campo de concentración más trístemente célebre sin mostrarnos jamás el campo por dentro.
Hay elementos de humanización (la "niña de las manzanas"), una estética cyberpunk con el uso de cámaras térmicas, y espacio para la reflexión (el flashforward con las limpiadoras del campo hoy día), haciendo gala del horror de lo rutinario como sucedia con los Höss. Es el adormecimiento de los sentidos la única forma de seguir funcionando? Tenemos nosotros algo de los Höss al ignorar ciertas realidades para seguir con nuestra existencia mónotona y no ceder nuestros privilegios, sean estos cuales sean?
"La Zona de Interés" es una película que invita a la reflección con un final que nos dejará pensando.
FICHA TÉCNICA: PAÍS: USA / Reino Unido / Polonia AÑO: 2023 GÉNERO: drama / bélica DURACIÓN: 105 minutos GUIÓN: 8/10 DIRECCIÓN: 9 /10 ACTUACIONES: 7/10
Ganadora de 4 premios Oscar en este 2024 (Maquillaje y Peinado, Diseño de Producción - merecidísimo -, Diseño de Vestuario, y a Mejor Actriz Princiapal -Emma Stone), "Pobres Criaturas" se vuelve un film que escapa a los estándares hollywoodianos y que se vuelve - por muchos momentos - difícil de ver.
Basada en el libro de Alasdair Gray y dirigida por Yorgos Lanthimos ("El Sacrificio de un Ciervo Sagrado" y "La Favorita"), "Poor Things" ("Pobres Criaturas") nos relata la historia de Bella Baxter, una hermosa y joven mujer devuelta a la vida por Godwin Baxter (Willem Dafoe), utilizando el cerebro del niño nonato que Bella, en su vida anterior como Victoria Blessington, cargaba en su vientre en el momento de su muerte. Bella, con la mente de un niño, es criada desde 0 pero en un cuerpo de una mujer adulta. Es así que Bella tiene que aprender a caminar, comer, hablar, y pasar por todas las etapas evolutivas que tendría cualquier infante, y luego cualquier adolescente.
Para registrar los avances de Bella, Godwin contrata a un brillante estudiante suyo, Max McCandles (Ramy Youssef), quien eventualmente se enamorará de Bella. Ésta, en pleno descubrimiento sexual, a punto de casarse con Max, conoce a Duncan Wedderburn (Mark Ruffalo), quien la persuade de acompañarlo en un viaje de descubrimiento del mundo, y del placer del sexo. Pero, en este viaje Bella descubrirá muchas más cosas que le harán tener una nueva perspectiva del mundo.
Combinando lo audaz, lo bizarro, y lo fantástico, "Pobres Criaturas" se antoja una película no apta para todo público (y no me refiero sólamente a las reiteradas escenas de sexo). Con una estética surrealista que aúna elementos victorianos en una Escocia de mediado del siglo XIX con elementos grotescos y el steampunk, y que utiliza magistralmente una paleta de colores específica dependiendo del dónde Bella se ubique (más oscura y melancólica en su hogar), brillantes colores planos en Lisboa o Grecia, o la reducción de matices en un Paris invernal, la producción de la propia Stone incomoda al espectador desde el minuto 1, y uno tiende a sentirse tentado de dejar de ver a estas "criaturas" a cada giro del film. Sin embargo, lo perturbador de la estética la da a esta film un tono único, que hará que cualquiera que se aventure en la trama no olvide facilmente lo visto.
A través de situaciones insólitas y extravagantes, en tono comedia negra y teatralización exagerada, "Pobres Criaturas" explora temas como la identidad, la compulsión a la repetición (Godwin hace para con Bella y otras criaturas lo mismo que su padre hiciera con él, y esto es justificado por Godwin a cada instante del largometraje), la moralidad (o la falta de), el despertar sexual y a la vida, el destino, el poder del patriarcado, y la búsqueda de la felicidad (si bien temas más complicados de tratar como la prostitución y el estupro también se hacen presentes).
Si sumamos a la particular estética, el guión, los personajes, y los temas tratados, el film en sí puede ser interesante, aunque definitivamente preferido por quizás pocos, ya que sale bastante de lo convencional. Creo que incluso hay algunas escenas no justificadas (un segmento donde Bella tiene sexo con varios hombres), o difíciles de seguir. Además, ver a Stone y a Ruffalo en estos papeles también resulta un tanto shockeante.
"Pobres Criaturas" se vuelve un film para una audiencia muy particular, y uno que yo no creo vuelva a ver otra vez.
FICHA TÉCNICA: PAÍS: USA AÑO: 2023 GÉNERO: comedia / drama DURACIÓN: 141 minutos GUIÓN: 5/10 DIRECCIÓN: 7 /10 ACTUACIONES: 7/10
Enojado con el mundo, Thelonious "Monk" Ellison (Jeffrey Wright - "The Batman" / "Westworld") es un escritor y profesor de universidad cuyos libros no han vendido bien últimamente. Si bien altamente reconocido por la calidad y complejidad de sus obras, los publicistas se quejan precisamente por esto último, recomendando que escriba algo "más negro" si es que quiere convertirse en un autor popular y un best seller.
Contrariado por su falta de éxito, y debido a ciertas actitudes clasistas y/o racistas hacia sus propios alumnos, a Monk se le recomienda tomarse unos meses de licencia, y de paso asistir a un seminario literario en Boston, de donde su familia es oriunda.
Reticente, Ellison se dirige a su ciudad natal, para re-encontrarse con su hermana y su madre, quien tiene un alzhéimer incipiente. Una vez en el seminario, con tristeza ve que su panel está casi desierto de asistencia, sin embargo, se decepciona más aún cuando ve que la escritora Sintara Golden tiene la sala abarrotada al presentar su libro "We's Live in Da Ghetto", una libro éxito en ventas que se basa en los estereotipos negros. Monk no admite que los escritores afrodescendientes se tengan que limitar a hablar siempre de lo mismo con tal de vender, perpetuando la imagen que los blancos tienen de ellos.
Ellis se encuentra entre la espada y la pared, ya que si quiere empezar a vender libros tiene que resignar sus principios, y también cambiar su cabeza si quiere volver a enseñar en la universidad. Mientras, un drama familiar inesperado hace que Monk tenga que adaptarse a una nueva realidad y responsabilidades imposibles de imaginar sólo unos días antes.
Frustrado, Ellis termina escribiendo "My Pafology", una novela satírica basada en los clichés esperados de los escritores negros: melodrama familiar, droga, violencia, padres golpeadores, etc. Al enviarlo a su editor, éste con cierta reticencia se lo envía solamente a un par de editoriales, por temor al rechazo, y utilizando un pseudónimo para Monk. Para su sorpresa, recibe una oferta superior a cualquier libro que hubiese escrito antes, y estará en Monk seguir adelante o no, venderse al mercado o permanecer fiel a sus principios, y adoptar una vida familiar que no se esperaba, que pone todo su mundo pies para arriba.
Con un premio Oscar 2024 en su bolsillo por Mejor Guion Adaptado (Cord Jefferson), y varias nominaciones, entre ellas por Mejor Actor en un Rol Principal (Wright) y uno por Mejor Actor de Reparto (Sterling K. Brown), "American Fiction" es una dramedia satírica que explora diversas temáticas, no sólo ahondando en los estereotipos sociales, si no también explorando las dinámicas de una familia disfuncional, el auto-descubrimiento y la apertura sexual, el envejecimiento de nuestros padres, la pérdida, el valor de los principios (o lo efímero de los mismos), y el amor.
Un tema no menor tratado aquí, y que puede pasar desapercibido, es la necesidad de adaptarse a los tiempos que corren, para ser políticamente correcto, ya sea que uno esté o no en acuerdo con los mensajes que se deben dar.
A nivel actoral este film destaca de sobremanera, y el guion en sí se antoja una verdadera joya, con momentos de verdadera reflexión, y mucha risa que está lejos de estar forzada.
"American Fiction" es, en definitiva, un film que no es solo muy disfrutable e introspectivo, si no también uno que puede generar mucho debate una vez finalizado.
FICHA TÉCNICA: PAÍS: USA AÑO: 2023 GÉNERO: comedia / drama DURACIÓN: 117 minutos GUIÓN: 9/10 DIRECCIÓN: 8 /10 ACTUACIONES: 9/10
Todos...y me refiero a TODOS los fans de Indiana Jones, preferimos pensar esta serie de películas como una trilogia, no? Y es que claramente, tanto "Raiders of the Lost Ark", "Indiana Jones and the Temple of Doom", y mi favorita personal, "Indiana Jones and the Last Crusade" son por mucho, muy superiores a sus dos secuelas. Y uno se termina preguntando qué necesidad había. Ya sé. Me van a contestar cosas como "fan service", apelar a nuevas generaciones con un personaje clásico, darle un cierre a Jones, en fin...creo que todo se reduce bastante al verde billete, y ver si le pueden seguir sacando jugo a una franquicia que es evidente pertenece a otro tiempo.
Corre el año 1944 e Indiana Jones (Harrison Ford) se encuentra en una situación para nada extraña: territorio nazi, un artefacto que puede afectar el curso de la historia, y no hay nadie mejor que él para recuperar dicha pieza (en este caso la Lanza de Longino - la que traspasara al propio Jesús -) y dejarla donde debe estar, en un museo (preferentemente americano). Atrapado, Jones descubre que su "compañero en crimen", Basil Shaw, ha descubierto que los alemanes están en posesión de otro artilugio aún más poderoso del que buscaban, el Mecanismo de Anticetera, un dispositivo del siglo II A.C., algo así como una computadora analógica capáz de calcular las posiciones de varios astros, aunque según el mito, si uno junta las dos mitades,separadas en su momento por el propio Arquímedes, el mismísimo artefacto es capáz de transportar a su poseedor atrás en el tiempo. Pero...hay un motivo por el cual el físico e ingeniero siracusano separó ambas partes.
25 años después, y con el asunto hace años zanjado, Indi se ve obligado a entrar nuevamente en acción cuando su sobrina, Helena, llega buscando la pieza en cuestión.
Si bien James Mangold ("Tierra de Policías", "Logan", "Inocencia Interrumpida") intenta evocar el clásico Indiana Jones, con éxito parcial - sobre todo en la primer escena, donde el CGI utilizado para rejuvenecer a Ford es muy efectivo -, el argumento es de a ratos flojos, los personajes - salvo el de Mads Mikkelsen - sin trasfondo, o incluso innecesarios (la agente de la CIA), y lo que es peor, quien se supone debe de ser la heredera de Indiana Jones es un personaje que no es del agrado de casi nadie; ni por cómo está escrito, ni por cómo está interpretado. Y obvio que con los tiempos que corren el heredero tenía que ser una chica. Más allá del woke forzado de gran parte de las producciones hollywoodenses de hoy día, el personaje de Helena es engreído, arrogante, y egoísta, contrastando con el personaje de Ford. Tal vez con otra actríz con otro carisma y/o simpatía, el personaje podría haber rendido un poco más, pero lo hecho por Phoebe Waller-Bridge (quien alcanzó la fama con la serie "Fleabag") simplemente no gusta.
Mangold apela a la memoria emotiva de quienes vimos a "Indi" en su prime muchas veces: a través de referencias a otras entregas de la saga, los cameos o roles muy secundarios de antiguos amigos de Jones, e incluso le metieron un Short Round (aquel niño que acompañara a Indy en "Raiders" interpretado por el ganador del Oscar Ke Huy Quan) al personaje de Helena, que no funciona como lo hiciera aquel. Incluso el personaje de Antonio Banderas tiene el sabor a muy poco, siendo evidente la intención de sumar nombres taquilleros con tal de vender un poco más.
Además, el film tiene muchos pasajes "serios" y hasta diría deprimentes, haciendo que este film, al contrario de los 3 primeros, carezca del grado de diversión que la franquicia merece. Si... de a ratos es bastante el bajón.
Ligeramente mejor que "Indiana Jones y el Reino de la Calavera de Cristal", pero sin hacerle justicia a lo que un personaje como Indiana Jones merece. Se puede ver, siempre y cuando uno tenga amnesia y no se acuerde de las dirigidas por Spielberg.
"The Marvels" es el más reciente lanzamiento de la plataforma Disney+ y del MCU (sin contar la serie "Echo" a reseñarse en breve). Y además, es el más reciente fracaso de "La Casa de las Ideas" - que parece haberse quedado con pocas -; y me animaría a decir el más estrepitoso.
Carol Danvers (Brie Larson - "The Room") es la Capitana Marvel, y luego de haberse enfrentado a los Kree, derrotar a la Inteligencia Suprema, recuperar su identidad, y haber sido pieza clave en la derrota del Titán Thanos junto a los Vengadores, se encuentra en el espacio en misión de patrullaje de diversas zonas, en colaboración con la nueva agencia que dirige Nick Fury (Samuel L. Jackson), S.W.O.R.D. (Sentient World Observation Ressponse Department), agencia que se ocupa del monitoreo de la actividad extraterrestre que pueda afectar la Tierra. Una serie de wormholes (agujeros que permiten viajar de un lugar a otro de la galaxia) generados cada vez con más frecuencia, comienzan a desastibilizar la realidad como la conocemos. Estos agujeros están siendo creados por una revolucionaria kree en posesión de una "Banda Cuántica", un brazalete que le confiere un poder único. Dicha guerrera kree pretende devolver a su pueblo la gloria de antaño, y para ello buscará hacerse con la otra banda cuántica, ahora en manos de Kamala Khan, una adolescente de Jersey también conocida por su alter ego de "Ms. Marvel". Por algún extraño motivo, los poderes de la Capitana Marvel, Ms. Marvel, y Mónica Rambeau (una nueva chica Marvel), empiezan a intercambiarse, provocando confusión en las 3 heroínas. Ellas deberán dilucidar como utilizar sus poderes (los viejos y los nuevos) a la vez, mientras echan por tierra las aspiraciones imperialistas de la lider kree, y evitan que los agujeros destruyan el universo.
Nia DaCosta, una joven directora sin ninguna experiencia previa en el mundo comic o superheroico en cine o televisión, fue la encargada de, no sólo dirigir, sino co-escribir este film. Y los resultados están a la vista. Alabada por su trabajo en "Little Woods", no sé si tanto por "Candyman" (que es lo más conocido que ha hecho), DaCosta es la principal responsable de este desastre fílmico (y de taquilla) del MCU. Obviamente, no es la única.
Ya la "Capitana Marvel" original albergaba ciertas dudas, en especial por la representación de Larson como Carol Danvers. No obstante, ese fue un film aceptable, con un taquilla que sobrepasó las expectativas de varios (más de 1.100 millones de dólares recaudados, con un presupuesto de unos 150 millones). En esta secuela, si bien Larson se ve más suelta, de a ratos parece como hasta desinteresada, y sigue sin generar en pantalla la más mínima empatía. Y ella fue mi único motivo de ver esta secuela. Si...ya sé, no me juzguen.
En lo actoral, ni la pretendida frescura de Iman Vellani en su rol de Kamala Khan, ni el talento innegable de Jackson (con pésimas líneas en este film), logran salvar una nave que se va a pique (metafórica y literalmente).
En lo argumental, honestamente no sé cuanto peso tuvieron las otras dos co-escritoras de "The Marvels" - Megan McDonnell, con un buen trabajo en "WandaVision", y Elissa Karasik, quien guionisara varios episodios de "Loki" -, pero es fácil de lo peor que se ha escrito para el MCU.
El CGI cumple bien en términos generales, pero también es cierto que gran parte de los US$ 270 millones se fueron en efectos.
Muchos piensan que hay una "fatiga de los superhéroes" por parte del público, y si bien hay algo de razón, no es ni cerca el principal motivo porque este largometraje falla, como demuestran éxitos de crítica (y taquilla) como "Guardianes de la Galaxia 3", film que no tiene ni un año. Acá hay mucho más.
- la necesidad de embutirnos hasta el cansancio el "girl power", de forma hasta por demás grotesca
- la inclusión de minorías de manera forzada; una superheroína blanca, otra negra, y una india (y de paso captamos un mercado de más de mil millones de personas)
- villanos que pasan sin pena ni gloria (juro que ya durante el film uno se olvida del nombre de la lider kree - la mala de turno -; así de memorable)
- en ningún momento queda la sensación de que nuestras 3 heroínas estén en verdadero peligro
- la necesidad de destacar este film incluyendo escenas bizarras, con muy mal tino (escenas de baile y gatos)
- la falta de claridad sobre el audiencia objetivo: es para menores de 13, para adolescentes, tal vez para jóvenes adultos?
- incongruencias durante el propio film (que no voy a spoilear, pero a veces los poderes no son suficientes, y otras para reactivar una estrella?)
Creo que hay dos cosas que casi todo el mundo que vio "The Marvels" está de acuerdo: es la peor entrega del MCU hasta la fecha (y había que esforzarse para superar "Guardianes 2" y "Wakanda Forever"), y hay que dar gracias que también es la más corta.
Esperemos que futuros lanzamientos puedan levantar esto - entiéndase "Kraven el Cazador" o "Madame Web" (0 fe en "Venom 3") -, y todas las fichas puestas en "Deadpool 3".
Nominada a 8 premios Oscar (entre ellos a Mejor Película, Mejor Guion Adaptado, Mejor Actriz y Actor de Reparto, y 2 nominaciones a Mejor Canción), la llegada de "Barbie" como candidata a ser una gran ganadora en los "Premios de la Academia" 2024 se ha ido diluyendo con el pasar de otros grandes premios y la (controversial) ausencia de nominaciones para su directora (Greta Gerwig - "Mujercitas" 2019) y su principal actriz (Margot Robbie - "Érase Una Vez en Hollywood", "Aves de Presa" encarnando a la desquiciada Harley Quinn, o "Babylon", entre varios títulos).
Independientemente de los reconocimientos en premios, "Barbie" es un film entretenido, interesante, y con mucho para pensar.
El mundo de Barbie es una sociedad matriarcal, donde todas las Barbies - pasadas, presentes, y discontinuadas - viven su vida en su rol, mostrando a las chicas que juegan con ellas que pueden ser lo que quieran ser, de aviadora a presidente, de modelo a sirena. Los Ken que viven en Barbieland pasan siempre desapercibidos, y solo existen en función de que las Barbies les presten atención o no. Un buen dia la Barbie Estereotípica (la rubia clásica, interpretada por Robbie) comienza a sentirse rara, por ejemplo, nota que sus pies ya no estan en punta sino que pisa con toda la suela. Guiada por la Barbie Rarita (una muñeca con la que han jugado de forma poco tradicional y que ha sido afectada por ello, y marginada por el resto de las Barbies) le informa que algo extraño debe de estarle pasando a la persona que juega (o jugaba) con ella, por lo que debe dirigirse al Mundo Real, encontrar a esta persona, y solucionar el problema. Reticentemente, Barbie emprende el viaje, sólo para darse cuenta a mitad de camino que el Ken Estereotípico (Ryan Gosling) se ha colado al auto, deseoso de ser notado por Barbie. Es así que ambos llegan a Venice Beach, sólo para descubrir que el Mundo Real no tiene nada que ver con Barbieland, y que por si fuera poco es un mundo regido por hombres y no mujeres.
Mientras Barbie trata de resolver su problema (eludiendo a los ejecutivos de Mattel, casa creadora de la muñeca), Ken intentará volver a Barbieland a instaurar un nuevo orden de las cosas, uno que tenga a los Ken como amos y señores del lugar.Si esto llega a darse, el Mundo Real podría verse afectado, y las consecuencias podrían ser catastróficas.
La idea detrás de la creación de Ruth Handler allá por los '50 era crear una muñeca con look adulto y con las que todas las chicas pudieran identificarse; una Barbie que pudiera ser quien ella eligiera y no estuviera circunscripta a casarse y tener hijos. El empoderamiento femenino en todo su esplendor, o al menos, su comienzo. Gerwig nos lleva en ese viaje de autodescubrimiento (y re-descubrimiento) de la vida en los ojos de la Barbie Estereotípica, y uno de esos descubrimientos es el hecho de que su mensaje de "niña-todo-lo-puedes" es muchas veces malinterpretado, acusándola (a Barbie en este caso, pero en realidad a Mattel) de inspirar una realidad muy poco alcanzable para muchas niñas, estandarizando un ideal de belleza inalcanzable. La perfección que Barbie transmite, y cuán difícil es ser una mujer perfecta es lanzado a la cara del espectador en un monólogo muy bien escrito, si bien demasiado directo, del personaje de Gloria (America Ferrera - "Ugly Betty").
Tomar acción y ser proactivo en tu vida es otra de las moralejas de "Barbie", y esto es logrado al estilo "Matrix" cuando Barbie Rarita le da la opción a Barbie Estereotípica de ir al Mundo Real o no. Ser fiel a uno mismo a pesar de las consecuencias, el hecho de que todos somos especiales a nuestra manera, pedir ayuda cuando uno la necesita dejando el ego de lado, son algunas otras temáticas tocadas en el film, que quizás se antojen menos originales.
Creo que el verdadero logro del film pasa por mostrarnos que tanto un exceso de masculinidad como uno de femeneidad pueden ser negativo para la sociedad toda, y esto es algo que experimentaron las mujeres a lo largo de toda la historia (en términos generales), y es algo que los hombres están experimentando últimamente. La imposición del movimiento woke (con un principio claro de empoderar sectores de la sociedad históricamente marginados), si bien ha obtenido muchos logros, es ahora visto por muchos como algo forzado y hasta socio-económicamente provechoso, generando un montón de detractores, con algunos argumentos bastante válidos. Algo de esto hay aquí reflejado; algo pro-woke, pero sutilmente algo contra el mismo.
Asimismo, es digno de destacar que también son tocados temas como la inseguridad en la adultez (con Ken y su falta de ideas de qué hacer con su vida), así como la puesta en foco de que no hace falta estar casado y tener hijos para ser feliz.
"Barbie" es una muy buena película, y toda esta montaña de mensajes pueden ser difíciles de ver entre tanto rosa y "chistonto". Sí es verdad que hay mucho marketing detrás de todo esto, e incluso Mattel, la empresa de la que se da una mala imagen en el film, puede salir beneficiada con un aumento de ventas de este intento de revalorización de la icónica muñeca. La audiencia objetiva de esta producción está lejos de ser el público más menudo, sino más bien una público adolescente en edad de formación, aunque apela bastante a aquellos que andamos por los 30 y 40. Es también verdad que el sexo masculino no queda para nada bien parado, ya sea porque son inútiles, malvados, o unos bebés llorones y simplones, y es allí donde se produce la gran paradoja de la película, que a mi modo de ver le baja al menos un par de puntos: buscamos revalorizar el rol de la mujer a nivel histórico y actual, y ello lo hacemos a través de la ridiculización, estereotipación, y villanificación del hombre? Ya lo vimos en "Black Widow" y en tantas otras películas, y creo que este no es el camino.
Quién no quizo alguna vez dejar todo, irse al medio del campo, y que nadie lo volviera a molestar por un buen tiempo??? Quién no se hartó alguna vez del mundo que lo rodea??? Irse unos días al medio de la nada no suena nada mal, no?
Esa es precisamente la idea que tienen los Sandford. Amanda Sandford (Julia Roberts) está hastiada de su vida y de quienes la rodean (salvo su familia, claro está). Es por ello que un buen día despierta a Clay, su marido (Ethan Hawke), para decirle que las maletas ya están armadas y que ese mismo día se van a una casa en el medio del campo a pasar unos días. Clay y Amanda, junto a sus dos hijos, Rose (Farrah Mackenzie - "Utopia") y Archie (Charlie Evans - "Todo va a ir bien"), llegan a esta casa de ensueño a descansar de la rutina y del resto de los humanos. Sin embargo, ni bien llega la noche, dos extraños que dicen ser los dueños de la casa golpean a su puerta insistiendo en pasar la noche allí. Los Sanders nunca imaginarían la amenaza que están por vivir; aislados, sin comunicación con el mundo exterior, y con estos dos sospechosos recién llegados, se enfrentarán a una situación extrema que ni en sus peores pesadillas podrían haberse imaginado.
Basada en la novela homónima de Rumaan Alam, dirigida y adaptada a la pantalla por Sam Esmail (Mr. Robot), y producida por Michelle y Barack Obama, este film de tono apocalíptico nos deja entrever ciertos planteos que están a la orden del dia: renegar de cosas que podés terminar necesitando, el prejuicio y la discriminación, lo verdaderamente importante, el egoísmo inherente a los humanos (aunque también el altruismo), y como encontrar solaz en cosas aparentemente banales como una serie de TV (quien no tiene series de "comfort" como pueden ser "Friends", "The Big Bang Theory" o "Gilmore Girls"? Series que nos hacen sentir menos "bajón", y pensar que todo se va a resolver de buena manera, y cuyos episodios ya nos sabemos de memoria y podemos actuar).
"Leave the World Behind" atrapa, no solo por el nivel y calibre de los actores (a Hawke y a Roberts debemos sumarle los talentos del doble ganador del Oscar Mahershala Ali - por "Green Book" y "Moonlight" -, Kevin Bacon, y Myha 'la, de "Black Mirror"), si no por la trama en sí. Además, pequeños detalles - a veces imperceptibles como el cambio de las pinturas - o algunos más notorios como el uso de determinados planos o "zooms", llaman la atención, de a ratos retrotrayéndonos a los '70. Probablemente, los bajos puntajes en páginas como Rotten Tomatoes o IMDb se deban al cierre del film. Podría esta nueva producción de Netflix haber terminado de otra forma? Sí, sin dudas. Podría dar lugar a una secuela? También, aunque no necesariamente. Creo - sin haber leído el libro - que el foco del director (al menos) es el viaje evolutivo de algunos de los personajes, la aceptación de determinadas verdades que uno rehuye a creer de uno mismo o de la vida, y re-evaluar la seguridad que el ciudadano promedio norteamericano cree tener.
Sin dudas, la película te va a atrapar (las dos horas y pico se te pasan volando)! Tal vez te suceda - como al 90% de las personas - que te decepciona el final, pero si lo mirás desde la perspectiva que te contaba en el párrafo anterior, tal vez veas que el fin en sí está muy bien.
La vasta mayoría de los comentarios la van a matar, aunque si querés ver algo de acción superheroica con los de mediana edad, puede rendir muy bien. "Blue Beetle" es uno de esos personajes secundarios (o terciarios) de DC Comics, al que quizás se buscó darle un giro entre Venom, Ironman, y Shazam, y que funciona para determinadas audiencias, y para otras no, y que hubiese sido una película muy interesante...de haberse filmado 15 años atrás.
Jaime Reyes (Xolo Maridueña - "Cobra Kai") acaba de graduarse y regresa a su pueblo natal - Palmera City - a reencontrarse con su familia, para enterarse de que su padre se ha quedado sin trabajo y están por perder el hogar de toda su vida. Su hermana le consigue un trabajo temporal en la mansión de la millonaria tecnológica Victoria Kord (Susan Sarandon), pero son despedidos al poco tiempo, ya que Jaime interfiere en una discusión entre Victoria y su sobrina, Jenny Kord (Bruna Marquezine). Esto le granjea una incipiente amistad con la muchacha, quien le promete ayudarlo a conseguir otro trabajo. Cuando Jenny descubre que su tía está usando un ancestral escarabajo alienígena para desarrollar armas (algo que su padre - el fundador de la Empresa Kord - nunca hubiese permitido), Jenny decide robárselo, y no tiene mejor idea que dárselo a Jaime en una caja de hamburguesa, bajo promesa de no ver lo que hay dentro hasta que ella lo vaya a buscar. Como es de esperar, Jaime - bajo el influjo de su curiosa familia - abre la caja, solo para ser "poseído" por el escarabajo, adquiriendo unos poderes que van más allá de la tecnología que poseemos hoy día. Mientras Jaime trata de deshacerse de su "inquilino", tanto él como Jenny deberán huir de la furiosa tía que quiere recuperarlo a toda costa.
La crítica más acérrima le indilga la falta de originalidad en su guión, lo cual es cierto. La abundancia de clichés y de procedimientos formulaicos es omnipresente: se sabe desde que Jaime y Jenny se conocen que se van a enamorar, el contraste entre el latino bueno y pobre, y la americana blanca rica (una mala y otra buena) también se antoja manido, el tio loco que es un experto en computadoras tampoco es nuevo, ni lo es el drama y la pérdida familiar.
En cuanto este último punto, es evidente que el americano tiene la percepción de la familia latina numerosa, que viven todos juntos, y hacen todo juntos, y eso se ilustra en el film. El poder del amor familiar es constantemente resaltado (en demasía), incluso haciendo que la chica blanca lo resalta dede la "envidia sana". Y también es evidente que esta cinta está hecha atendiendo a la minoría (mayoritaria) que significa el mercado hispano ($$$).
Hay también un abuso de los punchlines y estereotipos (latinos, caucásicos, el bien y el mal) que sólo puede tener como intención apuntar a un público joven con poco "rodaje cinematográfico" y "lectura entre líneas"...como que viene todo muy "masticado" para que sea facil de entender y que el punto quede claro.
Luego está el tema de las actuaciones, que en general son mediocres (uno se pregunta qué hace Sarandon acá, pero también entiendo que debe de haber recibido un dinerillo muy interesante por formar parte de esto). No obstante, Maridueña se hace querible como personaje principal (lago que no sucede con la heredera de Wakanda, por ejemplo), y eso ya suma un montón.
Y por último está el tema del CGI, que en lo personal, no lo veo tan mala como muchos sostienen.
Pero..."Blue Beetle" tiene cosas muy buenas, más allá de que por momentos te recordará a Iron Man hablando con J.A.R.V.I.S. en su traje (o las armas que desplega), o el hecho de que intenta deshacerse de su "visitante" (como lo hiciera Eddie Brock con el simbionte Venom), o incluso que toda la familia se transforma en héroes (al estilo Shazam!). Es un film que fluye - más allá de su predicibilidad -, el personaje de Jaime Reyes es uno con el que mucha gente se puede identificar, hay amor en varias de sus formas y buenos valores, las escenas de acción están bien logradas, cuenta con un par de buenos temas en la banda de sonido (Mötley Crüe aparece por allí, lo cual ya de por sí le sube un puntito al film) y da trasfondo a una potencial película de los Teen Titans o incluso a una secuela (basados en lo visto en la primer escena post-crédito).Y...a fuerza de ser honesto, me entretuvo.
Blue Beetle fue un personaje creado en 1939 por Charles Wojtkoski, llamado Dan Garret, y es su segunda versión (la de Ted Kord) la que lograra el impacto con la adquisición de DC Comics. Es esta tercera versión - la de Reyes - la que sin embargo calza mejor para la época de inclusión en la que vivimos (no viene mal entre tantos héroes caucásicos tener un latino), y creo que es un acierto por parte de Angel Manuel Soto (director del film) no desconocer la importancia del predecesor de Reyes, algo de manifiesto en el film.
