OPPENHEIMER

Es "Oppenheimer" la justa ganadora a Mejor Película, Mejor Actor en un Rol Protagónico, Mejor Actor de Reparto, y Mejor Director, junto a otros 3 premios Oscar más? Todo depende de la categoría a la que hagamos referencia - por supuesto -, depende también de los otros nominados en cada uno de esas categorías, y depende de quién las vea. Obvias salvedades aparte, parecería que al menos en cuanto a Mejor Director y Actor de Reparto tenemos un concenso, aunque el premio a Mejor Actor principal es un tanto más discutido (los hay quienes iban por Paul Giamatti en "Los que se Quedan" o por "Bradley Cooper en "Maestro"). Y luego claro está el galardón por excelencia, que es el de Mejor Película. Y aquí la cosa puede complicarse un poco más en cuanto a definir ésta o aquella. Por qué creo yo que es - por derecho propio - "Oppenheimer" la merecida vencedora?

Reducir esta megaproducción de 3 horas a decir que es sobre la vida de J. Robert Oppenheimer (interpretado por Cillian Murphy - "Peaky Blinders") y su creación de la bomba atómica puede resultar algo simplista, si bien no deja de ser verdad. Pero hay bastante más que ver y entender.

"Oppenheimer" juega con 3 lineas temporales diversas, así como con alternancias entre escenas en blanco y negro y otras a color. Estas líneas temporales se van alternando: ora nos hallamos en la etapa de Oppenheimer como profesor y su desarrollo de la bomba atomica, ora en una audiencia gubernamental donde se pone en tela de juicio la asociación de Oppenheimer (y allegados) con el Partido Comunista - donde se decidirá si al bueno de Robert se le revoca la licencia Q, y por ende se termina el vínculo entre éste y el gobierno de U.S -, o bien nos trasladamos a 1959 donde Lewis Strauss (Robert Downey Jr.) está sometido a una audiencia de confirmación por la decisión tomada previamente sobre el caso de Oppenheimer. En cuanto al color o el blanco y negro, esto responde a la perspectiva de Oppenheimer o a la de Strauss, algunas más subjetivas y otras más objetivas.

Por lo anteriormente mencionado, ya el juego visual es digno de destacar, así como el manejo de edición y dirección para poder ensamblar todo en una historia coherente y que atrape. Pero aún hay más.

Obvio que la historia en sí es por demás interesante, sobre todo si tenemos en cuenta que estamos hablando del "Padre de la Bomba Atómica", o como reza el subtítulo del film "el Prometeo Moderno". Según el mito, Prometeo le roba el fuego a los dioses para dárselo a los humanos, para luego sufrir las consecuencias de ello, no sólo en carne propia (siendo atadado para siempre a una roca y condenado a ver cómo un águila se come su hígado una y otra vez) si no también condenando a los propios dioses a los que desafió, y siendo la ruina de todo el Olimpo al darle al ser humano un poder y una independencia que los terminan apartando de la fe. Oppenheimer es en definitiva este Prometeo moderno, en cuanto nos otorga ese poder reservado a los dioses, aunque en este caso sea el de la destrucción masiva, y, tal como el personaje del mito griego quien desafiara a Zeus, el propio J. Robert termina condenado por los mismos que le dieron "vida" (léase el gobierno norteamericano).

Por supuesto también tenemos lo obvio: el recordatorio constante de la capacidad atómica - mayormente concentrada en el hemisferio norte - que, en la eventualidad de desatarse un intercambio de ojivas nucleares entre, digamos, U.S.A. y Rusia (cada una con un número estimado de 1500 y más poderosas de las que creara Oppenheimer), el mundo perdería entre 2 y 5 billones de personas, se desataría un "invierno nuclear" que dejaría sin alimento a más del 90% de la población del hemisferio norte, y que dejaría un nube permanente de partículas que podría durar más de 10 años en desaparecer. Y eso son sólo algunas de las posibles consecuencias. El final del film nos hace pensar en lo que podría pasar, más allá de que no se manejen los números que te acabo de mencionar. Y esto lo vuelve todo más real.

Además del hype que hubo acerca de ella - con ese famoso cabeza a cabeza en taquilla con "Barbie" -, hay que considerar la miríada de celebridades que participan en ella (Rami Malek, Matt Damon, Josh Harnett, Emily Blunt, Kenneth Brannagh, y Jason Clarke entre otros), como así también el trabajo en fotografía y sonido. Y si todos estos motivos no alcanzaran como para erigirse como la correcta vencedora en estos Oscars 2024, tal vez basta con pensar que luego de mucho tiempo (tal vez unos 20 años) hay nuevamente una ganadora que es también un blockbuster, un largometraje pensado para ser ganador, con un presupuesto acorde y una recaudación solamente comparable con "El Señor de los Anillos: El Retorno del Rey", si bien lejos de "Titanic", siendo estas 3 las películas ganadoras a Mejor Película en los Oscars con mayores recaudaciones de la historia.

Y entiéndaseme bien: no es que esté mal que un film con un presupuesto insignifcante como "CODA", una producción extranjera como "Parasite", o una bizarreada como "Todo, en Todas Partes, al Mismo Tiempo" sean las ganadoras si lo merecen. Pero era tiempo ya que un film con todos los números para ser el mejor lo fuera, y no lo dejaran afuera (con juego de palabras incluído) precisamente por su considerable producción.

FICHA TÉCNICA:
PAÍS: USA / UK
AÑO: 2023
GÉNERO: drama / biografica
DURACIÓN: 180 minutos
GUIÓN: 7/10
DIRECCIÓN: 10 /10
ACTUACIONES: 9 /10

CGI: 7 /10

PRESUPUESTO / RECAUDACIÓN: US$ 100.000.000 / US$ 972.444.744 

RATED: PG-12

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ANATOMÍA DE UNA CAÍDA

Ganadora del Oscar a "Mejor Guion Original", y nominada a 4 premios de la Academia más - entre ellos el de "Mejor Película", "Mejor Dirección", y "Mejor Actriz en Rol Protagónico" - "Anatomía de Una Caída" es un film difícil de describir, y no me refiero a su idea base que es bastante sencilla, si no a la definición de si es verdad que es un largometraje tan original como se dice - y por añadidura bueno - o si es el típico ejemplo de esas cosas que sólo gustan a los críticos de cine.

La premisa es simple: Samuel y Sandra viven juntos en un chalet en la montaña, alejados de todos. Un día Samuel aparece tirado muerto en la nieve, aparentemente producto o de un accidente doméstico tras caerse del segundo piso, o de quitarse su propia vida. Samuel es encontrado por Daniel, su hijo de 11 años con problemas en la visión. Éste da aviso a su madre, quien estaba lejos en otra parte de la casa, y ésta horrorizada llama a la policía local. Sin embargo, y para sorpresa de los involucrados, el departamento de criminología llega a la conclusión de que la muerte es sospechosa, y que Samuel podría haber sido asesinado. Todos los dedos apuntan a Sandra, cuya relación con Samuel venía siendo al menos "compleja". Gran parte del film nos llevará al juicio a Sandra, a sus charlas con su amigo/abogado, y a escenas del hogar donde la dinámica con su propio hijo se verá afectada, ya que este, como hijo e individuo que encontró el cuerpo, es obligado a ser testigo en el juicio a su madre, enterándose en el interín de la verdadera (al menos desde el punto de vista del fiscal y de la propia Sandra) relación entre su madre y su padre.

"Anatomía de una Caída" es un film que ni puede definirse como el consabido whodunnit (el "quién lo hizo", un género en sí mismo, al estilo Agatha Christie), ni tampoco una película de "tribunales", y estaría a medio camino entre ambas categorías, ya que más de un tercio del film es el juicio en sí, y a través del film llegás a sospechar del hijo, el amigo/abogado, y hasta del perro. El film dirigido y escrito por Justine Triet utiliza la muerte y el juicio como excusa para tratar la relación madre-hijo cuando ciertas verdades son reveladas, la relación esposa-esposo cuando la pasión y el amor parecen ser cosa del pasado y es sobrevivir el matrimonio, o incluso sobre las dificultades de no dominar un idioma, estar en el extranjero, y sufrir por ello (de hecho el film es hablado en francés, inglés, y hasta un poco de alemán). Y eso sólo en la superficie, ya que si rascamos más a fondo veremos también que "Anatomía.." lidia con la subjetividad de la realidad, cómo nosotros la vamos moldeando, y cómo intentamos que los demás se suscriban a esa realidad. Y cómo necesitamos inherentemente saber todo, y terminamos no sabiendo nada, muy poco, o rellenando "agujeros" con nuestra propia percepción. 

Si...suena muy interesante, y lo es. Peeeeero...no es para un domingo a la noche, ni "pochoclera"...ni siquiera lo suficientemente entretenida. Con un café, a la mañana, y alguien con quien discutirla, juega. Igual, está un pelín sobrevalorada, creo en especial en lo referente a la actuación, ya que a excepción de Sandra Hüller ("Zona de Interés") en su rol de Sandra, el resto es bastante promedio. 

FICHA TÉCNICA:
PAÍS: Francia
AÑO: 2023
GÉNERO: drama
DURACIÓN: 151 minutos
GUIÓN: 7/10
DIRECCIÓN: 7 /10
ACTUACIONES: 6 /10

PRESUPUESTO / RECAUDACIÓN: US$ 6.200.000 / US$ 35.527.088

RATED: PG-12

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LA ZONA DE INTERÉS

"Interessengebeit" es el término en alemán que identifica a "la zona de interés", esos 40 kilómetros cuadrados que rodeaban el campo de concentración de Auschwitz, donde murieron más de 1 millón de personas, principalmente judíos.

"La Zona de Interés", film dirigido y escrito por Jonathan Glazer, es - para muchos - el justo ganador del Oscar 2024 como Mejor Película Extranjera, aunque además, y de forma más que merecida, también ganadora a Mejor Sonido.

Inspirado en el libro homónimo escrito por Martin Amis, el laureado largometraje se centra en la vida de Rudolf Höss (interpretado por Christian Friedel - "El Perfume") y su esposa Hedwig (encarnada por la nominada al Oscar Sandra Hüller - "Anatomía de una Caída"), cuya casa queda al lado del mismo campo de concentración (en esto se difiere con el libro, el cual se basa en 3 personajes diferentes y ficticios, mientras que el film utiliza a los Höss quienes realmente existieron).

A través del largometraje vemos como los Höss llevan una vida rutinaria, paseando por el campo, nadando en el rio o en la piscina que tienen en su jardín, así como Hedwig se encarga de la casa y su huerta, mientras alguno locales atienden otros quehaceres domésticos.Obvio que Rudolf Höss además trabaja. Su tareas como Comandante General de Auschwitz consisten, por ejemplo, en la organización militar, policial, política, penitenciaria, y de seguridad del campo, y entre sus "logros" para los nazis, pueden contarse la implementación y modificación de las cámaras de gas, las cuales permiten acabar con 2000 vidas a la vez. No en vano esto le granjeó la admiración de Himmler, y el reconocimiento de Hitler. Apodado "el animal de Auschwitz", él mismo se aseguró de que que dicho campo dejara de ser de "concentración" y pasara a ser de "exterminio". 

Somos testigos - con horror - de cómo los reclusos de al lado son considerados meros objetos, sus ropas distribuídas entre los Höss y sus asistentes, e incluso como uno de los niños juega con dientes de judíos fallecidos. Éstos están adoctrinados para ignorar lo que acontece al lado, naturalizandolo. No viven "puerta por puerta" con una fábrica, aunque ellos así lo vean. La perversidad de dicha naturalización no pasa desapercibida para el espectador, ni tampoco el terror que se vive tras el muro, representado por gritos, llantos, disparos, el sonido de trenes, o el humo de las cámaras de gas. 

Sin embargo, a los Höss se les planteará un problema con el traslado de Rudolph a un nuevo destino, y la potencial pérdida de su "idílico" hogar. Y allí está ella, Hedwig, si se quiere aún más inhumana que su marido, quien desea mantener su vida cueste lo que cueste.

Si bien el Holocausto es un tema manido, nunca está de más recordarlo, y esta visión de Glazer resulta por demás interesante. Y parecería que siempre hay algún horror nuevo por descubrir con respecto a este tema, no?  Dos grandes logros del director son hacernos horrorizar sin recurrir a lo visual, si no a tráves de lo sonoro y de la frialdad de los Höss. El otro es mostrarnos en este "slice of life" la realidad de aquellos que rodeaban a los oficiales y todo lo concerniente al campo de concentración más trístemente célebre sin mostrarnos jamás el campo por dentro. 

Hay elementos de humanización (la "niña de las manzanas"), una estética cyberpunk con el uso de cámaras térmicas, y espacio para la reflexión (el flashforward con las limpiadoras del campo hoy día), haciendo gala del horror de lo rutinario como sucedia con los Höss. Es el adormecimiento de los sentidos la única forma de seguir funcionando? Tenemos nosotros algo de los Höss al ignorar ciertas realidades para seguir con nuestra existencia mónotona y no ceder nuestros privilegios, sean estos cuales sean? 

"La Zona de Interés" es una película que invita a la reflección con un final que nos dejará pensando.

FICHA TÉCNICA:
PAÍS: USA / Reino Unido / Polonia
AÑO: 2023
GÉNERO: drama / bélica
DURACIÓN: 105 minutos
GUIÓN: 8/10
DIRECCIÓN: 9 /10
ACTUACIONES: 7/10

RECAUDACIÓN: US$ 43.930.383

RATED: PG-12

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POBRES CRIATURAS

Ganadora de 4 premios Oscar en este 2024 (Maquillaje y Peinado, Diseño de Producción - merecidísimo -, Diseño de Vestuario, y a Mejor Actriz Princiapal -Emma Stone), "Pobres Criaturas" se vuelve un film que escapa a los estándares hollywoodianos y que se vuelve - por muchos momentos - difícil de ver.

Basada en el libro de Alasdair Gray y dirigida por Yorgos Lanthimos ("El Sacrificio de un Ciervo Sagrado" y "La Favorita"), "Poor Things" ("Pobres Criaturas") nos relata la historia de Bella Baxter, una hermosa y joven mujer devuelta a la vida por Godwin Baxter (Willem Dafoe), utilizando el cerebro del niño nonato que Bella, en su vida anterior como Victoria Blessington, cargaba en su vientre en el momento de su muerte. Bella, con la mente de un niño, es criada desde 0 pero en un cuerpo de una mujer adulta. Es así que Bella tiene que aprender a caminar, comer, hablar, y pasar por todas las etapas evolutivas que tendría cualquier infante, y luego cualquier adolescente. 

Para registrar los avances de Bella, Godwin contrata a un brillante estudiante suyo, Max McCandles (Ramy Youssef), quien eventualmente se enamorará de Bella. Ésta, en pleno descubrimiento sexual, a punto de casarse con Max, conoce a Duncan Wedderburn (Mark Ruffalo), quien la persuade de acompañarlo en un viaje de descubrimiento del mundo, y del placer del sexo. Pero, en este viaje Bella descubrirá muchas más cosas que le harán tener una nueva perspectiva del mundo.

Combinando lo audaz, lo bizarro, y lo fantástico, "Pobres Criaturas" se antoja una película no apta para todo público (y no me refiero sólamente a las reiteradas escenas de sexo). Con una estética surrealista que aúna elementos victorianos en una Escocia de mediado del siglo XIX con elementos grotescos y el steampunk, y que utiliza magistralmente una paleta de colores específica dependiendo del dónde Bella se ubique (más oscura y melancólica en su hogar), brillantes colores planos en Lisboa o Grecia, o la reducción de matices en un Paris invernal, la producción de la propia Stone incomoda al espectador desde el minuto 1, y uno tiende a sentirse tentado de dejar de ver a estas "criaturas" a cada giro del film. Sin embargo, lo perturbador de la estética la da a esta film un tono único, que hará que cualquiera que se aventure en la trama no olvide facilmente lo visto.

A través de situaciones insólitas y extravagantes, en tono comedia negra y teatralización exagerada, "Pobres Criaturas" explora temas como la identidad, la compulsión a la repetición (Godwin hace para con Bella y otras criaturas lo mismo que su padre hiciera con él, y esto es justificado por Godwin a cada instante del largometraje), la moralidad (o la falta de), el despertar sexual y a la vida, el destino, el poder del patriarcado, y la búsqueda de la felicidad (si bien temas más complicados de tratar como la prostitución y el estupro también se hacen presentes).

Si sumamos a la particular estética, el guión, los personajes, y los temas tratados, el film en sí puede ser interesante, aunque definitivamente preferido por quizás pocos, ya que sale bastante de lo convencional. Creo que incluso hay algunas escenas no justificadas (un segmento donde Bella tiene sexo con varios hombres), o difíciles de seguir. Además, ver a Stone y a Ruffalo en estos papeles también resulta un tanto shockeante. 

"Pobres Criaturas" se vuelve un film para una audiencia muy particular, y uno que yo no creo vuelva a ver otra vez.

FICHA TÉCNICA:
PAÍS: USA
AÑO: 2023
GÉNERO: comedia / drama
DURACIÓN: 141 minutos
GUIÓN: 5/10
DIRECCIÓN: 7 /10
ACTUACIONES: 7/10

PRESUPUESTO / RECAUDACIÓN: US$ 35.000.000 / US$ 114.900.592

RATED: PG-18

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AMERICAN FICTION

Enojado con el mundo, Thelonious "Monk" Ellison (Jeffrey Wright - "The Batman" / "Westworld") es un escritor y profesor de universidad cuyos libros no han vendido bien últimamente. Si bien altamente reconocido por la calidad y complejidad de sus obras, los publicistas se quejan precisamente por esto último, recomendando que escriba algo "más negro" si es que quiere convertirse en un autor popular y un best seller. 

Contrariado por su falta de éxito, y debido a ciertas actitudes clasistas y/o racistas hacia sus propios alumnos, a Monk se le recomienda tomarse unos meses de licencia, y de paso asistir a un seminario literario en Boston, de donde su familia es oriunda. 

Reticente, Ellison se dirige a su ciudad natal, para re-encontrarse con su hermana y su madre, quien tiene un alzhéimer incipiente. Una vez en el seminario, con tristeza ve que su panel está casi desierto de asistencia, sin embargo, se decepciona más aún cuando ve que la escritora Sintara Golden tiene la sala abarrotada al presentar su libro "We's Live in Da Ghetto", una libro éxito en ventas que se basa en los estereotipos negros. Monk no admite que los escritores afrodescendientes se tengan que limitar a hablar siempre de lo mismo con tal de vender, perpetuando la imagen que los blancos tienen de ellos. 

Ellis se encuentra entre la espada y la pared, ya que si quiere empezar a vender libros tiene que resignar sus principios, y también cambiar su cabeza si quiere volver a enseñar en la universidad. Mientras, un drama familiar inesperado hace que Monk tenga que adaptarse a una nueva realidad y responsabilidades imposibles de imaginar sólo unos días antes.

Frustrado, Ellis termina escribiendo "My Pafology", una novela satírica basada en los clichés esperados de los escritores negros: melodrama familiar, droga, violencia, padres golpeadores, etc. Al enviarlo a su editor, éste con cierta reticencia se lo envía solamente a un par de editoriales, por temor al rechazo, y utilizando un pseudónimo para Monk. Para su sorpresa, recibe una oferta superior a cualquier libro que hubiese escrito antes, y estará en Monk seguir adelante o no, venderse al mercado o permanecer fiel a sus principios, y adoptar una vida familiar que no se esperaba, que pone todo su mundo pies para arriba.

Con un premio Oscar 2024 en su bolsillo por Mejor Guion Adaptado (Cord Jefferson), y varias nominaciones, entre ellas por Mejor Actor en un Rol Principal (Wright) y uno por Mejor Actor de Reparto (Sterling K. Brown), "American Fiction" es una dramedia satírica que explora diversas temáticas, no sólo ahondando en los estereotipos sociales, si no también explorando las dinámicas de una familia disfuncional, el auto-descubrimiento y la apertura sexual, el envejecimiento de nuestros padres, la pérdida, el valor de los principios (o lo efímero de los mismos), y el amor.

Un tema no menor tratado aquí, y que puede pasar desapercibido, es la necesidad de adaptarse a los tiempos que corren, para ser políticamente correcto, ya sea que uno esté o no en acuerdo con los mensajes que se deben dar.

A nivel actoral este film destaca de sobremanera, y el guion en sí se antoja una verdadera joya, con momentos de verdadera reflexión, y mucha risa que está lejos de estar forzada.

"American Fiction" es, en definitiva, un film que no es solo muy disfrutable e introspectivo, si no también uno que puede generar mucho debate una vez finalizado.

FICHA TÉCNICA:
PAÍS: USA
AÑO: 2023
GÉNERO: comedia / drama
DURACIÓN: 117 minutos
GUIÓN: 9/10
DIRECCIÓN: 8 /10
ACTUACIONES: 9/10

RECAUDACIÓN: US$ 22.483.370

RATED: R

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CODA

 

Conocida también como "Señales del Corazón" o "Los Sonidos del Silencio", "CODA" resultó ser la, para muchos (no quien les habla), impensada ganadora del premio Oscar a Mejor Película.

Fue esto de forma justificada? Tal vez. Había algún candidato más firme? Creo que sí. Aunque de esto hablaremos más adelante.

"CODA" significa Hijo/a De Adulto Sordo (en inglés "Child Of Deaf Adult"), y es un film que se me antoja bastante mainstream considerando el tipo de largometrajes que suelen ser los que obtienen el mayor galardón de la "Academia".

Ruby Rossi (Emilia Jones - "Locke & Key") es la única en su familia que puede escuchar y hablar, y como tal, debe afrontar muchas cosas en el correr del día, desde levantarse a las 4 de la mañana para ir a pescar con su padre y hermano, a ir a la secundaria luego y rendir en clase.

Obligada a elegir una materia optativa en su escuela, Ruby termina en clases de canto, más que nada debido a que el chico que le gusta se inscribe allí. Cantar a Ruby se le da muy bien, aunque todavía no ha superado el hacerlo en público. Por otro lado, su familia desconoce la pasión que Ruby siente por el canto. Eventualmente, Ruby se encontrará en una encrucijada: seguir apoyando a su familia, o perseguir sus sueños.

"CODA" es bastante formulaica, y uno termina adivinando cómo va a finalizar el film luego de haber visto 20 minutos. No obstante, y a pesar de su previsibilidad, Sian Heder (directora y escritora del film - con pasaje como guionista en "Orange is the New Black") hace un gran trabajo en transmitirnos la calidez y unión de la familia Rossi, así como la lucha interna de Ruby, dándose el lujo de mezclar drama con humor con muchísimo éxito. El trabajo actoral es muy bueno, tanto el de Jones como el de la conocida Marlee Matlin ("The West Wing"), Daniel Durant ("You"), y en especial el de Troy Kotsur ("Número 23"), quien interpreta al padre de Ruby, y quien además ganara el Oscar como Mejor Actor de Reparto por este film. Quizás en este rubro, el personaje interpretado por Eugenio Derbez se nota un tanto exagerado, asumo que con el fin de sumarle un "alivio cómico" más al largometraje.

En cuanto a la historia en sí, es menester mencionar que "CODA" es una remake de "La Familia Bélier", película francesa del 2014. Hay algunos cambios como la edad del hermano de Ruby, o el negocio al que se dedica la familia (hecho que a la postre se vuelve fundamental en esta nueva versión). Quizá la mayor crítica a la original es que no se usaron actores sordomudos, mientras que la versión de Heder todos los miembros de la familia tienen en verdad esta característica.

Volviendo al tema de los Oscars, creo que "El Poder del Perro" era la mejor opción considerando ciertos estándares como para haber sido elegido Mejor Película, sin embargo, "CODA" es una producción que llega más al corazón, cuenta con el elemento "inclusivo" siempre bien visto por la "Academia", y nos muestra una lucha adolescente - si bien trillada, con un nuevo contexto - , que llega a buen puerto y logra en el proceso emocionar y hacer reír, algo que sin dudas, muchos de nosotros buscamos en un film.

FICHA TÉCNICA:          
PAÍS: Francia / Canadá / Reino Unido
AÑO: 2022
GÉNERO:  drama / comedia / música
DURACIÓN: 111 minutos
GUIÓN: 7 /10  
DIRECCIÓN: 8 / 10

ACTUACIONES: 9 / 10

GANANCIAS: US$ 1.546.009

RATED: PG-12

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THE FATHER

 

Galardonada con 2 Oscars (Mejor Actor Principal y Mejor Guion Adaptado), "The Father" nos traslada a la vida de Anthony (Anthony Hopkins), un octogenario que vive con su hija Anne (Olivia Colman - "The Crown") en Londres, y que acaba de despedir a su cuidadora. Su hija dice tener la oportunidad amorosa y laboral de su vida en Paris, y que necesita que Anthony sí o sí acepte a su nueva cuidadora, Laura (Imogen Poots - "28 Weeks Later"). Éste, confundido y ofuscado se niega a que su hija se vaya, si bien sabe que no tiene muchas alternativas, aunque eso no es lo peor. Anthony comienza a dudar de su propia realidad, cuando las imágenes del presente y del pasado comienzan a mezclarse, y las cosas no siempre parecen ser lo que son. Es su mente la que le está pasando factura o es alguien más? Anne tampoco la tiene fácil, ya que el estado delicado de su padre, y los constantes cambios de humor de éste, le comienzan a hacer el día a día muy difícil de sobrellevar.

"The Father" es un film muy intimista sobre una realidad de la que nadie está a salvo: la decadencia de nuestra propia mente. El director Florian Zeller, quien no había hasta este momento captado las miradas internacionales, saca lo mejor de Hopkins (aunque uno dudas a esta altura si Sir Anthony necesita mucha dirección para obtener lo mejor de un papel), y nos envuelve en un realidad atrapante, poniéndonos dentro de la piel de Anthony, en un rol que desde el principio fue pensado para él (de ahí que el personaje se llame Anthony). Es claro de buenas a primeras que el protagonista sufre de algún tipo de deterioro mental, lo que no está tan claro es si alguien está sacando provecho de ello o no. Y en eso, tanto guion como dirección y edición se lucen.

"The Father" es de esas películas que llegan al alma, como se me ocurren pueden ser clásicos como "La Lista de Schindler" o más recientemente "12 Años de Esclavitud", y aunque se trate de films muy distintos entre sí, tienen el común denominador de que se vuelve un tanto imperativo verlos, pero que a la vez uno no quiere volver a ver, salvo con el pasar de los años (al día de hoy, y luego de 28 años podría volver a ver "La Lista...").

Extremadamente recomendable, a sabiendas de que a más de uno le va a tocar la fibra más íntima.

FICHA TÉCNICA:          
PAÍS: Reino Unido / Francia
AÑO: 2020
GÉNERO:  drama
DURACIÓN: 97 minutos
GUIÓN: 9 /10  
DIRECCIÓN: 9 / 10
ACTUACIONES: 10 /10  

GANANCIAS: US$ 7.258.402
RATED: PG-7

NOMADLAND

 

"Nomadland" es la más reciente ganadora del Oscar a Mejor Pelìcula, y seguramente, mucha gente que la vio se pregunte el porqué. El film dirigido por Chloé Zhao tiene todos los condimentos que suelen apetecerle a "la Academia", algunos de los cuales se han aggiornado con el impulso socio-político que se le está dando a muchas producciones, y además cumple con varios de los estándares que la misma industria ha establecido para ser un film elegible para los premios más famosos del cine - que si bien entran en vigor en el 2024 oficialmente, ya se los empieza a considerar por parte de los "eruditos"-; en el caso de "Nomadland" es el que la historia está enfocada en un grupo subrepresentado: el de los nómades de carretera.

Fern (Frances McDormand - ganadora del Oscar por este film, por "Three Billboards Outside Ebbing, Missouri",  y por "Fargo") vivía en un pueblo cuya economía dependía casi exclusivamente de una gran fábrica, la que al colapsar, provoca que dicho pueblo se vuelva "fantasma". Si bien ella se queda en el lugar por un tiempo luego de la muerte de su marido, pronto se da cuenta que ese lugar no tiene ya nada para ofrecerle y decide tomar la ruta en su camioneta, sin rumbo fijo, viviendo sobre ruedas, y con trabajos zafrales (por ejemplo, la vemos trabajar para Amazon en época navideña). Recorriendo el oeste norteamericano, Fern encontrará familiares y amigos en extraños, amigos que sabe hoy están y mañana partirán pero que siempre permanecerán en su corazón.

Hay muchos méritos en "Nomadland" para haber sido elegido como el mejor film del 2020: uno de ellos es la dirección brillante de Zhao, quien mezcla a la perfección el aspecto documental del film con lo ficticio, y quien saca muy buen rédito de la fotografía que le brinda la historia. La propia Zhao viajó en su camper por meses experimentando en carne propia lo de ser nómade (y vivió en su vehículo durante la producción del film). 

Ni que hablar del trabajo de McDormand, quien parece ser perfecta para el rol; un rol que juega mucho con los silencios y las miradas, interpretando a un personaje que cree haber encontrado la forma de vida que necesita, pero que es a veces tentado para volver a la "normalidad". 

"Nomadland" tiene muchos otros puntos a favor, entre ellos la inclusión de actores que no son realmente actores, o el de tocar por momentos hechos verídicos de los mismos personajes.

Sin embargo, y a pesar de todas estas virtudes, no es un film para todos. Es monótono, sin grandes giros, y en realidad parece (solo parece) no tratarse de nada en particular. Algunos pueden llamarlo "slice of life" ("un trozo de vida") - y en este caso en particular, uno que muestra muy bien la soledad y la necesidad de encontrar un rumbo y un sentido luego de haber perdido todo lo que uno consideraba esencial. 

"Nomadland" es un film que puede llegar a justificar el haber ganado la estatuilla como mejor película, pero no es una que vaya a quedar el el colectivo como una obra de arte.

FICHA TÉCNICA:          
PAÍS: USA
AÑO: 2020
GÉNERO:  drama
DURACIÓN: 94 minutos
GUIÓN: 6 /10  
DIRECCIÓN: 10 / 10
ACTUACIONES: 7 /10  

GANANCIAS: US$ 7.379.524
RATED: R

SPIDER-MAN - INTO THE SPIDER-VERSE

Si mal no recuerdo, ninguna película de superhéroes ganó alguna vez un Oscar (no por lo menos a Mejor Película); ese es el caso inédito de "Spider-Man: Into the Spider-Verse", un film dirigido en conjunto por Bob Persichetti, Peter Ramsey y Rodney Rothman, y escrito por el propio Rothman ("21 Jump Street 2") y Phil Lord (el de la película de "Lego").
La historia nos cuenta del adolescente afroamericano / latino Miles Morales y su adquisición de los poderes del ya mítico Spider-Man, de cómo las circunstancias lo obligan a suplantar al héroe más popular de Nueva York sin entrenamiento previo, de cómo debe lidiar con la propia adolescencia, de su falta de comunicación con su padre, y de cómo Kingpin crea una máquina que accidentalmente trae otros Spider-Heroes de dimensiones alternas.
Si has leído alguna vez este blog ya sabrás sobradamente que no soy de los fanáticos del comic (soy también cabe decirlo de los films) donde imponen la participación o estelarización de minorías, muchas veces en detrimento del propio guión o del concepto básico del personaje (como que uno de los 4 Fantásticos sea afrodescendiente o que Iron-Man sea mujer). He tenido discusiones abiertas - con incluso docentes que trabajan el comic en clase- defendiendo esta postura a capa y espada, y mi pregunta es una simple, que las más de las veces fallan en contestar: quién me puede decir que esta inclusión, en demasiadas ocasiones traídas de lo pelos, es en pos de igualdad de razas o de buscarle más variedad al personaje (ya que se nota a los creativos se les acabaron las ideas) o es en pos de abrir nuevos mercados y vender más? Y quiero que se me entienda claro: estoy a favor de más personajes de minorías en cine, televisión, y comics, pero de nuevos o de los que ya existen dentro de esas minorías, y no ser forzardo a ver a un Thor mujer que lucha contra el cáncer, por más loable que sea la historia.
No obstante, más allá de mi postura ideológica y de que el personaje central es lo cliché en termino minorías (pero siempre dentro de las 2 más populares en los Estados Unidos - clink caja!) , la historia está tan bien llevada y los personajes principales son tan ricos en cuanto a su desarrollo (y hay tantos personajes "grises") que la película se hace muy buena! Si a eso le sumamos la buena animación - mostrando diversidad de estilos -, las secuencias de acción, la mezcla entre 2D y 3D, el ritmo del film, y la banda sonora, tenemos entonces entre manos una gran película animada, tanto para grandes como para chicos.
Conociendo trabajo anterior de los escritores, y a pesar de que éste es el que en teoría apunta a una audiencia más juvenil, se ve que hay madurez y evolución, siendo probablemente para ambs una barrera muy alta a la que aspirar en próximos trabajos. Dicho esto, lo mejor pasa por la historia, sin la cual ningún film puede ser algo de valor.
Reconozco que demoré en verla basado en algunos prejuicios (poco me entusiasmaba la idea de ver a un Spider-Man teenager y afroamericano aunando fuerzas con un símil al estilo Porky o una Spider-Girl estilo animé) pero admito que mis miedos eran infundados. Mirala y te vas a sorprender.

FICHA TÉCNICA:          
PAÍS: USA
AÑO: 2018   
GÉNERO:  animación / aventuras / superhéroes
DURACIÓN: 117  minutos
GUIÓN: 9 /10  
DIRECCIÓN: 8 /10 
C.G.I.: 9 / 10
PRESUPUESTO / GANANCIAS: US$ 90.000.000 / US$ 375.494.587 (Abril 2019)
RATED: PG

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GREEN BOOK

Una revelación, aunque el corazón del film sea poco original.
Cuando uno ha avanzado un poco en "Green Book" no puede evitar sentir que es una versión (a la inversa, sí) de "Conduciendo a Miss Daisy", una historia de amistad inesperada que surge entre un conductor (ésta vez blanco) y su pasajero (en esta ocasión, afroamericano), en tiempos difíciles (cuándo no?) para este último.
Era el año 1962 y Tony "The Lip" (Viggo Mortensen) está en busca de trabajo ya que el club donde oficia de seguridad estará cerrado por un par de meses. Ya que el bueno de Tony no es muy ducho para muchas cosas salvo golpear y tratar con la gente de baja calaña, pocas son las ofertas que tiene, y la mejor es la de ser conductor de un pianista clásico negro (Mahersala Alí - nuevamente ganador de un Oscar como Mejor Actor de Reparto, luego de un gran papel en "Moonlight"). A regañadientes, y por insistencia de su esposa, Tony acepta el trabajo ya que éste le reportará muy buen dinero.
El viaje será hacia el sur, donde el Dr. Donald Shirley (Alí) encontrará más resistencia debido a su color, y si bien en ciertos círculos es admirado por su talento único, a la hora del trato es considerado un "negro" más, sometiéndolo a varios tipos de bajeza a las que Shirley no estaba acostumbrado en Nueva York, su lugar de residencia.
Por si fuera poco, ésta experiencia es algo que el propio Shirley busca vivir, ya que seguirá los consejos ofrecidos en "The Negro Motorist Green Book" (de ahí el nombre del film), una guía para que el afroamericano viaje seguro por los estados sureños y sepa dónde comer y alojarse sin ser molestado por la población blanca.No hace falta ni aclarar que el viaje deparará algunas sorpresas para ambos, pero por sobre todo también será un viaje de descubrimiento del sur de los Estados Unidos y otro de re-descubrimiento personal de estos dos singulares personajes.
"Green Book" resultó ganadora de 3 premios de "la Academia" en 2019: "Mejor Película", "Mejor Actor de Reparto" (Alí), y "Mejor Guión Original", y al verla uno justifica casi todos, y se hace 2 preguntas: podría haber éste film ganado esos 2 premios sin una brillante dirección de Peter Farrelly (conocido por films diametralmente opuestos como "There's Something About Mary" y "Tonto y Retonto")? cómo es que Viggo Mortensen no ganó el Oscar a Mejor Actor?
Lo que definitivamente no plantea ninguna disyuntiva es que sin la química demostrada entre Ali y Mortensen, y la calidad de actuación de ambos (creeme que el bueno de Viggo no es ya el que conociste en "El Señor de los Anillos", y que es sin dudas una gran revelación para varios, en un personaje que le calza a las mil maravillas) nada de la magia de "Green Book" hubiese sido posible.
Un film crudo pero optimista, con personajes con similitudes (ambos de mente cerrada para cosas distintas, y con sus propios tabúes) pero muy distintos en muchas otras cosas (uno frio, educado, distante, y solitario, mientras que el otro un hombre de familia, tosco y burdo, y amigo de los amigos).
Un film que como decía al principio dista de ser original, pero con una calidad y calidéz aumentada por el hecho de que está basado en una historia real. Altamente recomendable!

FICHA TÉCNICA:          
PAÍS: USA
AÑO: 2018    
GÉNERO:  biográfica / comedia / drama
DURACIÓN: 130  minutos
GUIÓN: 7 /10  
DIRECCIÓN: 8 /10 
ACTUACIONES: 10 / 10
PRESUPUESTO:   US$ 23.000.000 // GANANCIAS: US$ 42.526.091 (Enero 2019)
RATED: PG-12

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