LA ZONA DE INTERÉS

"Interessengebeit" es el término en alemán que identifica a "la zona de interés", esos 40 kilómetros cuadrados que rodeaban el campo de concentración de Auschwitz, donde murieron más de 1 millón de personas, principalmente judíos.

"La Zona de Interés", film dirigido y escrito por Jonathan Glazer, es - para muchos - el justo ganador del Oscar 2024 como Mejor Película Extranjera, aunque además, y de forma más que merecida, también ganadora a Mejor Sonido.

Inspirado en el libro homónimo escrito por Martin Amis, el laureado largometraje se centra en la vida de Rudolf Höss (interpretado por Christian Friedel - "El Perfume") y su esposa Hedwig (encarnada por la nominada al Oscar Sandra Hüller - "Anatomía de una Caída"), cuya casa queda al lado del mismo campo de concentración (en esto se difiere con el libro, el cual se basa en 3 personajes diferentes y ficticios, mientras que el film utiliza a los Höss quienes realmente existieron).

A través del largometraje vemos como los Höss llevan una vida rutinaria, paseando por el campo, nadando en el rio o en la piscina que tienen en su jardín, así como Hedwig se encarga de la casa y su huerta, mientras alguno locales atienden otros quehaceres domésticos.Obvio que Rudolf Höss además trabaja. Su tareas como Comandante General de Auschwitz consisten, por ejemplo, en la organización militar, policial, política, penitenciaria, y de seguridad del campo, y entre sus "logros" para los nazis, pueden contarse la implementación y modificación de las cámaras de gas, las cuales permiten acabar con 2000 vidas a la vez. No en vano esto le granjeó la admiración de Himmler, y el reconocimiento de Hitler. Apodado "el animal de Auschwitz", él mismo se aseguró de que que dicho campo dejara de ser de "concentración" y pasara a ser de "exterminio". 

Somos testigos - con horror - de cómo los reclusos de al lado son considerados meros objetos, sus ropas distribuídas entre los Höss y sus asistentes, e incluso como uno de los niños juega con dientes de judíos fallecidos. Éstos están adoctrinados para ignorar lo que acontece al lado, naturalizandolo. No viven "puerta por puerta" con una fábrica, aunque ellos así lo vean. La perversidad de dicha naturalización no pasa desapercibida para el espectador, ni tampoco el terror que se vive tras el muro, representado por gritos, llantos, disparos, el sonido de trenes, o el humo de las cámaras de gas. 

Sin embargo, a los Höss se les planteará un problema con el traslado de Rudolph a un nuevo destino, y la potencial pérdida de su "idílico" hogar. Y allí está ella, Hedwig, si se quiere aún más inhumana que su marido, quien desea mantener su vida cueste lo que cueste.

Si bien el Holocausto es un tema manido, nunca está de más recordarlo, y esta visión de Glazer resulta por demás interesante. Y parecería que siempre hay algún horror nuevo por descubrir con respecto a este tema, no?  Dos grandes logros del director son hacernos horrorizar sin recurrir a lo visual, si no a tráves de lo sonoro y de la frialdad de los Höss. El otro es mostrarnos en este "slice of life" la realidad de aquellos que rodeaban a los oficiales y todo lo concerniente al campo de concentración más trístemente célebre sin mostrarnos jamás el campo por dentro. 

Hay elementos de humanización (la "niña de las manzanas"), una estética cyberpunk con el uso de cámaras térmicas, y espacio para la reflexión (el flashforward con las limpiadoras del campo hoy día), haciendo gala del horror de lo rutinario como sucedia con los Höss. Es el adormecimiento de los sentidos la única forma de seguir funcionando? Tenemos nosotros algo de los Höss al ignorar ciertas realidades para seguir con nuestra existencia mónotona y no ceder nuestros privilegios, sean estos cuales sean? 

"La Zona de Interés" es una película que invita a la reflección con un final que nos dejará pensando.

FICHA TÉCNICA:
PAÍS: USA / Reino Unido / Polonia
AÑO: 2023
GÉNERO: drama / bélica
DURACIÓN: 105 minutos
GUIÓN: 8/10
DIRECCIÓN: 9 /10
ACTUACIONES: 7/10

RECAUDACIÓN: US$ 43.930.383

RATED: PG-12

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POBRES CRIATURAS

Ganadora de 4 premios Oscar en este 2024 (Maquillaje y Peinado, Diseño de Producción - merecidísimo -, Diseño de Vestuario, y a Mejor Actriz Princiapal -Emma Stone), "Pobres Criaturas" se vuelve un film que escapa a los estándares hollywoodianos y que se vuelve - por muchos momentos - difícil de ver.

Basada en el libro de Alasdair Gray y dirigida por Yorgos Lanthimos ("El Sacrificio de un Ciervo Sagrado" y "La Favorita"), "Poor Things" ("Pobres Criaturas") nos relata la historia de Bella Baxter, una hermosa y joven mujer devuelta a la vida por Godwin Baxter (Willem Dafoe), utilizando el cerebro del niño nonato que Bella, en su vida anterior como Victoria Blessington, cargaba en su vientre en el momento de su muerte. Bella, con la mente de un niño, es criada desde 0 pero en un cuerpo de una mujer adulta. Es así que Bella tiene que aprender a caminar, comer, hablar, y pasar por todas las etapas evolutivas que tendría cualquier infante, y luego cualquier adolescente. 

Para registrar los avances de Bella, Godwin contrata a un brillante estudiante suyo, Max McCandles (Ramy Youssef), quien eventualmente se enamorará de Bella. Ésta, en pleno descubrimiento sexual, a punto de casarse con Max, conoce a Duncan Wedderburn (Mark Ruffalo), quien la persuade de acompañarlo en un viaje de descubrimiento del mundo, y del placer del sexo. Pero, en este viaje Bella descubrirá muchas más cosas que le harán tener una nueva perspectiva del mundo.

Combinando lo audaz, lo bizarro, y lo fantástico, "Pobres Criaturas" se antoja una película no apta para todo público (y no me refiero sólamente a las reiteradas escenas de sexo). Con una estética surrealista que aúna elementos victorianos en una Escocia de mediado del siglo XIX con elementos grotescos y el steampunk, y que utiliza magistralmente una paleta de colores específica dependiendo del dónde Bella se ubique (más oscura y melancólica en su hogar), brillantes colores planos en Lisboa o Grecia, o la reducción de matices en un Paris invernal, la producción de la propia Stone incomoda al espectador desde el minuto 1, y uno tiende a sentirse tentado de dejar de ver a estas "criaturas" a cada giro del film. Sin embargo, lo perturbador de la estética la da a esta film un tono único, que hará que cualquiera que se aventure en la trama no olvide facilmente lo visto.

A través de situaciones insólitas y extravagantes, en tono comedia negra y teatralización exagerada, "Pobres Criaturas" explora temas como la identidad, la compulsión a la repetición (Godwin hace para con Bella y otras criaturas lo mismo que su padre hiciera con él, y esto es justificado por Godwin a cada instante del largometraje), la moralidad (o la falta de), el despertar sexual y a la vida, el destino, el poder del patriarcado, y la búsqueda de la felicidad (si bien temas más complicados de tratar como la prostitución y el estupro también se hacen presentes).

Si sumamos a la particular estética, el guión, los personajes, y los temas tratados, el film en sí puede ser interesante, aunque definitivamente preferido por quizás pocos, ya que sale bastante de lo convencional. Creo que incluso hay algunas escenas no justificadas (un segmento donde Bella tiene sexo con varios hombres), o difíciles de seguir. Además, ver a Stone y a Ruffalo en estos papeles también resulta un tanto shockeante. 

"Pobres Criaturas" se vuelve un film para una audiencia muy particular, y uno que yo no creo vuelva a ver otra vez.

FICHA TÉCNICA:
PAÍS: USA
AÑO: 2023
GÉNERO: comedia / drama
DURACIÓN: 141 minutos
GUIÓN: 5/10
DIRECCIÓN: 7 /10
ACTUACIONES: 7/10

PRESUPUESTO / RECAUDACIÓN: US$ 35.000.000 / US$ 114.900.592

RATED: PG-18

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AMERICAN FICTION

Enojado con el mundo, Thelonious "Monk" Ellison (Jeffrey Wright - "The Batman" / "Westworld") es un escritor y profesor de universidad cuyos libros no han vendido bien últimamente. Si bien altamente reconocido por la calidad y complejidad de sus obras, los publicistas se quejan precisamente por esto último, recomendando que escriba algo "más negro" si es que quiere convertirse en un autor popular y un best seller. 

Contrariado por su falta de éxito, y debido a ciertas actitudes clasistas y/o racistas hacia sus propios alumnos, a Monk se le recomienda tomarse unos meses de licencia, y de paso asistir a un seminario literario en Boston, de donde su familia es oriunda. 

Reticente, Ellison se dirige a su ciudad natal, para re-encontrarse con su hermana y su madre, quien tiene un alzhéimer incipiente. Una vez en el seminario, con tristeza ve que su panel está casi desierto de asistencia, sin embargo, se decepciona más aún cuando ve que la escritora Sintara Golden tiene la sala abarrotada al presentar su libro "We's Live in Da Ghetto", una libro éxito en ventas que se basa en los estereotipos negros. Monk no admite que los escritores afrodescendientes se tengan que limitar a hablar siempre de lo mismo con tal de vender, perpetuando la imagen que los blancos tienen de ellos. 

Ellis se encuentra entre la espada y la pared, ya que si quiere empezar a vender libros tiene que resignar sus principios, y también cambiar su cabeza si quiere volver a enseñar en la universidad. Mientras, un drama familiar inesperado hace que Monk tenga que adaptarse a una nueva realidad y responsabilidades imposibles de imaginar sólo unos días antes.

Frustrado, Ellis termina escribiendo "My Pafology", una novela satírica basada en los clichés esperados de los escritores negros: melodrama familiar, droga, violencia, padres golpeadores, etc. Al enviarlo a su editor, éste con cierta reticencia se lo envía solamente a un par de editoriales, por temor al rechazo, y utilizando un pseudónimo para Monk. Para su sorpresa, recibe una oferta superior a cualquier libro que hubiese escrito antes, y estará en Monk seguir adelante o no, venderse al mercado o permanecer fiel a sus principios, y adoptar una vida familiar que no se esperaba, que pone todo su mundo pies para arriba.

Con un premio Oscar 2024 en su bolsillo por Mejor Guion Adaptado (Cord Jefferson), y varias nominaciones, entre ellas por Mejor Actor en un Rol Principal (Wright) y uno por Mejor Actor de Reparto (Sterling K. Brown), "American Fiction" es una dramedia satírica que explora diversas temáticas, no sólo ahondando en los estereotipos sociales, si no también explorando las dinámicas de una familia disfuncional, el auto-descubrimiento y la apertura sexual, el envejecimiento de nuestros padres, la pérdida, el valor de los principios (o lo efímero de los mismos), y el amor.

Un tema no menor tratado aquí, y que puede pasar desapercibido, es la necesidad de adaptarse a los tiempos que corren, para ser políticamente correcto, ya sea que uno esté o no en acuerdo con los mensajes que se deben dar.

A nivel actoral este film destaca de sobremanera, y el guion en sí se antoja una verdadera joya, con momentos de verdadera reflexión, y mucha risa que está lejos de estar forzada.

"American Fiction" es, en definitiva, un film que no es solo muy disfrutable e introspectivo, si no también uno que puede generar mucho debate una vez finalizado.

FICHA TÉCNICA:
PAÍS: USA
AÑO: 2023
GÉNERO: comedia / drama
DURACIÓN: 117 minutos
GUIÓN: 9/10
DIRECCIÓN: 8 /10
ACTUACIONES: 9/10

RECAUDACIÓN: US$ 22.483.370

RATED: R

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MAESTRO

Son 7 las nominaciones para estos premios Oscar de la película "Maestro", entre los que se encuentran Mejor Guion Original, Mejor Película, Mejor Actor Principal (Bradley Cooper - "¿Qué Pasó Ayer?") y Mejor Actriz Principal (Carey Mulligan - "El Gran Gatsby").

El film, dirigido y co-escrito por el mismísimo Bradley Cooper, recorre gran parte de la vida de quien fuera un ícono en la música norteamericana, Leonard Bernstein. ¿Quién fue Bernstein y porqué fue famoso? Además de haber compuesto algunas operas famosas, como lo fue "A Quiet Place", varios musicales, y realizar la banda de sonido de un puñado de largometrajes (tal vez el más famoso sea "West Side Story"), Bernstein fue un revolucionario en la forma de conducir orquestas (inspirando a más de un director que vendría luego), y por si fuera poco el primer director norteamericano en habérsele dado la conducción de una filarmónica mayor. 

Pero claro, si la película se tratara de logros meramente, poco atractivo tendría para las masas. 

Una característica ineludible del artista fue su entendimiento y apertura mental con respecto al sexo, algo que hasta el día de hoy puede resultar difícil de concebir. 

El film comienza a color con un Bernstein rememorando cuánto "la extraña" mientras un documental es filmado en su casa; es ineludible pensar que se refiere a su esposa. de allí en más, nos vamos atrás en el tiempo, con un Bernstein haciendo sus primeras armas como director y conviviendo con un músico (David Oppenheimer, interpretado por Matt Bomer), con quien también sostenía un romance, el cual no ocultaba a sus allegados, aunque sí al "resto del mundo". Es en una fiesta donde Bernstein conocería a quien sería su gran amor femenino, Felicia Montealegre (Mulligan), una actriz de origen costarricense, famosa por la serie de televisión "Casa de Muñecas". Congeniando a la perfección, llegaron a casarse y tener 3 hijos, aunque Felicia tuvo mucho tiempo que convivir con la bisexualidad cada vez más abierta de su esposo.

El estilo directriz de Cooper no llega a convencer del todo en este film, y es que como si durante el mismo se intentara ilustrar que estos momentos son los que el mismo Bernstein destaca de su propio vida durante la entrevista que se lleva a cabo al comienzo (y al final) del largometraje: son como segmentos de exprofeso inconexos en su mayoría. Si esa es la idea, no está mal, pero termina por no darle demasiada profundidad a los dos personajes principales, léase Bernstein y Montealegre. Por ejemplo, nunca se llega a dilucidar cuándo es bien que ella se da cuenta de la bisexualidad de su marido (o si siempre lo supo), el motivo por el que a pesar de ello siguió con él, o el porqué de la relación de Leonard con sus hijos. 

Hay un gran trabajo de Cooper en el estudio de Bernstein como director y músico, aunque su interpretación (tal vez por la prótesis nasal), de a ratos llega a ser quasi caricaturesca; con todo, su nominación como Mejor Actor podría llegar a estar justificada (por algunos entendidos). Cooper mismo declaró haber pasado años aprendiendo a dirigir como Bernstein, en especial una escena, que en lo personal se me hizo larga, y cuya música (más allá de disfrutar de lo clásico), jamás me llegó.

Hablando de música, se me hace que la relevancia dada a la misma (o a la composición de sus obras), no llega a justificar que el título del film sea precisamente "Maestro", si bien entiendo el gancho y que a Bernstein se le llamaba así (o simplemente Lenny). 

Creo que lo mejor del film pasa por Mulligan, a quien veo como una firme contendiente para el Oscar como Mejor Actriz Protagónica. 

FICHA TÉCNICA:
PAÍS: USA
AÑO: 2023
GÉNERO: biografía / drama / historia
DURACIÓN: 129 minutos
GUIÓN: 4/10
DIRECCIÓN: 5 /10
ACTUACIONES: 8/10
CGI: 6 / 10

PRESUPUESTO / RECAUDACIÓN: US$ 80.000.000 / US$ 383.532

RATED: PG-12

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INDIANA JONES Y EL DIAL DEL DESTINO

Todos...y me refiero a TODOS los fans de Indiana Jones, preferimos pensar esta serie de películas como una trilogia, no? Y es que claramente, tanto "Raiders of the Lost Ark", "Indiana Jones and the Temple of Doom", y mi favorita personal, "Indiana Jones and the Last Crusade" son por mucho, muy superiores a sus dos secuelas. Y uno se termina preguntando qué necesidad había. Ya sé. Me van a contestar cosas como "fan service", apelar a nuevas generaciones con un personaje clásico, darle un cierre a Jones, en fin...creo que todo se reduce bastante al verde billete, y ver si le pueden seguir sacando jugo a una franquicia que es evidente pertenece a otro tiempo.

Corre el año 1944 e Indiana Jones (Harrison Ford) se encuentra en una situación para nada extraña: territorio nazi, un artefacto que puede afectar el curso de la historia, y no hay nadie mejor que él para recuperar dicha pieza (en este caso la Lanza de Longino - la que traspasara al propio Jesús -) y dejarla donde debe estar, en un museo (preferentemente americano). Atrapado, Jones descubre que su "compañero en crimen", Basil Shaw, ha descubierto que los alemanes están en posesión de otro artilugio aún más poderoso del que buscaban, el Mecanismo de Anticetera, un dispositivo del siglo II A.C., algo así como una computadora analógica capáz de calcular las posiciones de varios astros, aunque según el mito, si uno junta las dos mitades,separadas en su momento por el propio Arquímedes, el mismísimo artefacto es capáz de transportar a su poseedor atrás en el tiempo. Pero...hay un motivo por el cual el físico e ingeniero siracusano separó ambas partes. 

25 años después, y con el asunto hace años zanjado, Indi se ve obligado a entrar nuevamente en acción cuando su sobrina, Helena, llega buscando la pieza en cuestión.

Si bien James Mangold ("Tierra de Policías", "Logan", "Inocencia Interrumpida") intenta evocar el clásico Indiana Jones, con éxito parcial - sobre todo en la primer escena, donde el CGI utilizado para rejuvenecer a Ford es muy efectivo -, el argumento es de a ratos flojos, los personajes - salvo el de Mads Mikkelsen - sin trasfondo, o incluso innecesarios (la agente de la CIA), y lo que es peor, quien se supone debe de ser la heredera de Indiana Jones es un personaje que no es del agrado de casi nadie; ni por cómo está escrito, ni por cómo está interpretado. Y obvio que con los tiempos que corren el heredero tenía que ser una chica. Más allá del woke forzado de gran parte de las producciones hollywoodenses de hoy día, el personaje de Helena es engreído, arrogante, y egoísta, contrastando con el personaje de Ford. Tal vez con otra actríz con otro carisma y/o simpatía, el personaje podría haber rendido un poco más, pero lo hecho por Phoebe Waller-Bridge (quien alcanzó la fama con la serie "Fleabag") simplemente no gusta. 

Mangold apela a la memoria emotiva de quienes vimos a "Indi" en su prime muchas veces: a través de referencias a otras entregas de la saga, los cameos o roles muy secundarios de antiguos amigos de Jones, e incluso le metieron un Short Round (aquel niño que acompañara a Indy en "Raiders" interpretado por el ganador del Oscar Ke Huy Quan) al personaje de Helena, que no funciona como lo hiciera aquel. Incluso el personaje de Antonio Banderas tiene el sabor a muy poco, siendo evidente la intención de sumar nombres taquilleros con tal de vender un poco más. 

Además, el film tiene muchos pasajes "serios" y hasta diría deprimentes, haciendo que este film, al contrario de los 3 primeros, carezca del grado de diversión que la franquicia merece. Si... de a ratos es bastante el bajón.

Ligeramente mejor que "Indiana Jones y el Reino de la Calavera de Cristal", pero sin hacerle justicia a lo que un personaje como Indiana Jones merece. Se puede ver, siempre y cuando uno tenga amnesia y no se acuerde de las dirigidas por Spielberg.

FICHA TÉCNICA:
PAÍS: USA
AÑO: 2023
GÉNERO: aventura / comedia / fantasía 
DURACIÓN: 154 minutos
GUIÓN: 4/10
DIRECCIÓN: 5 /10
ACTUACIONES: 6/10
CGI: 8 / 10

PRESUPUESTO / RECAUDACIÓN: US$ 294.700.000 / US$ 383.963.072

RATED: PG-13

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THE MARVELS

 

"The Marvels" es el más reciente lanzamiento de la plataforma Disney+ y del MCU (sin contar la serie "Echo" a reseñarse en breve). Y además, es el más reciente fracaso de "La Casa de las Ideas" - que parece haberse quedado con pocas -; y me animaría a decir el más estrepitoso.

Carol Danvers (Brie Larson - "The Room") es la Capitana Marvel, y luego de haberse enfrentado a los Kree, derrotar a la Inteligencia Suprema, recuperar su identidad, y haber sido pieza clave en la derrota del Titán Thanos junto a los Vengadores, se encuentra en el espacio en misión de patrullaje de diversas zonas, en colaboración con la nueva agencia que dirige Nick Fury (Samuel L. Jackson), S.W.O.R.D. (Sentient World Observation Ressponse Department), agencia que se ocupa del monitoreo de la actividad extraterrestre que pueda afectar la Tierra. Una serie de wormholes (agujeros que permiten viajar de un lugar a otro de la galaxia) generados cada vez con más frecuencia, comienzan a desastibilizar la realidad como la conocemos. Estos agujeros están siendo creados por una revolucionaria kree en posesión de una "Banda Cuántica", un brazalete que le confiere un poder único. Dicha guerrera kree pretende devolver a su pueblo la gloria de antaño, y para ello buscará hacerse con la otra banda cuántica, ahora en manos de Kamala Khan, una adolescente de Jersey también conocida por su alter ego de "Ms. Marvel". Por algún extraño motivo, los poderes de la Capitana Marvel, Ms. Marvel, y Mónica Rambeau (una nueva chica Marvel), empiezan a intercambiarse, provocando confusión en las 3 heroínas. Ellas deberán dilucidar como utilizar sus poderes (los viejos y los nuevos) a la vez, mientras echan por tierra las aspiraciones imperialistas de la lider kree, y evitan que los agujeros destruyan el universo.

Nia DaCosta, una joven directora sin ninguna experiencia previa en el mundo comic o superheroico en cine o televisión, fue la encargada de, no sólo dirigir, sino co-escribir este film. Y los resultados están a la vista. Alabada por su trabajo en "Little Woods", no sé si tanto por "Candyman" (que es lo más conocido que ha hecho), DaCosta es la principal responsable de este desastre fílmico (y de taquilla) del MCU. Obviamente, no es la única. 

Ya la "Capitana Marvel" original albergaba ciertas dudas, en especial por la representación de Larson como Carol Danvers. No obstante, ese fue un film aceptable, con un taquilla que sobrepasó las expectativas de varios (más de 1.100 millones de dólares recaudados, con un presupuesto de unos 150 millones). En esta secuela, si bien Larson se ve más suelta, de a ratos parece como hasta desinteresada, y sigue sin generar en pantalla la más mínima empatía. Y ella fue mi único motivo de ver esta secuela. Si...ya sé, no me juzguen. 

En lo actoral, ni la pretendida frescura de Iman Vellani en su rol de Kamala Khan, ni el talento innegable de Jackson (con pésimas líneas en este film), logran salvar una nave que se va a pique (metafórica y literalmente). 

En lo argumental, honestamente no sé cuanto peso tuvieron las otras dos co-escritoras de "The Marvels" - Megan McDonnell, con un buen trabajo en "WandaVision", y Elissa Karasik, quien guionisara varios episodios de "Loki" -, pero es fácil de lo peor que se ha escrito para el MCU.

El CGI cumple bien en términos generales, pero también es cierto que gran parte de los US$ 270 millones se fueron en efectos. 

Muchos piensan que hay una "fatiga de los superhéroes" por parte del público, y si bien hay algo de razón, no es ni cerca el principal motivo porque este largometraje falla, como demuestran éxitos de crítica (y taquilla) como "Guardianes de la Galaxia 3", film que no tiene ni un año. Acá hay mucho más.

- la necesidad de embutirnos hasta el cansancio el "girl power", de forma hasta por demás grotesca

- la inclusión de minorías de manera forzada; una superheroína blanca, otra negra, y una india (y de paso captamos un mercado de más de mil millones de personas)

- villanos que pasan sin pena ni gloria (juro que ya durante el film uno se olvida del nombre de la lider kree - la mala de turno -; así de memorable)

- en ningún momento queda la sensación de que nuestras 3 heroínas estén en verdadero peligro

- la necesidad de destacar este film incluyendo escenas bizarras, con muy mal tino (escenas de baile y gatos)

- la falta de claridad sobre el audiencia objetivo: es para menores de 13, para adolescentes, tal vez para jóvenes adultos?

- incongruencias durante el propio film (que no voy a spoilear, pero a veces los poderes no son suficientes, y otras para reactivar una estrella?)

Creo que hay dos cosas que casi todo el mundo que vio "The Marvels" está de acuerdo: es la peor entrega del MCU hasta la fecha (y había que esforzarse para superar "Guardianes 2" y "Wakanda Forever"), y hay que dar gracias que también es la más corta. 

Esperemos que futuros lanzamientos puedan levantar esto - entiéndase "Kraven el Cazador" o "Madame Web" (0 fe en "Venom 3") -, y todas las fichas puestas en "Deadpool 3".

FICHA TÉCNICA:
PAÍS: USA
AÑO: 2023
GÉNERO: aventura / comedia / fantasía / superhéroes
DURACIÓN: 105 minutos
GUIÓN: 1/10
DIRECCIÓN: 1/10
ACTUACIONES: 3/10
CGI: 8 / 10

PRESUPUESTO / RECAUDACIÓN: US$ 270.000.000 / US$ 206.089.499

RATED: PG

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LA LUZ QUE NO PUEDES VER

 

Corre el año 1940 y los Nazis acaban de ocupar Paris. Marie-Laure (Aria Mia Loberti), una niña ciega de unos 12 años, vive con su padre (interpretado por Mark Ruffalo, "The Hulk") cerca del Museo de Historia Natural, donde éste trabaja. Forzados por la invasión alemana, se marchan a la ciudadela amurallada de Saint-Malo, en la costa norte de Francia. Con ellos viaja una joya única en el mundo, una que el padre de Marie desea evitar a toda costa de que las huestes de Hitler se hagan con ella. En Saint-Malo se refugiarán en la casa de Etienne, un tío de Marie (Hugh Laurie - "Dr. House"), quien es radio aficcionado y parte del cuerpo revolucionario francés, aunque tanto Marie como Daniel (Ruffalo) ignoran esto.

Luego de un tiempo, y con la SS pisándole los talones y con Saint-Malo también invadido por los alemanes, Daniel decide irse para así distraer la atención del ejército alemán (en busca de la joya), prometiendo volver. Marie permanece con sus tios mientras se dedica a ayudarlos, tanto en informar sobre los movimientos enemigos, como haciéndose cargo de la radio de Etienne, a través de la cual envía mensajes encriptados mientras lee "20.000 Leguas de Viaje Submarino" a quien escuche, con la esperanza de ser una luz de esperanza para aquellos quienes se encuentren solos, como lo fue para ella en su juventud un profesor que escuchaba también por radio.

Por otro lado, Werner Pfenning (Louis Hofmann - "Dark"), un muchacho alemán huérfano, es incorporado a las fuerzas juveniles nazi, ya que muestra un talento innato para construir y operar una radio, facilidad que le viene de chico, e inspiración proveniente del mismo profesor al que Marie escuchaba por radio. Destacado en Saint-Malo con el fin de dar captura a la resistencia al interceptar mensajes entre ellos. Werner está peleando una guerra que no quiere pelear, tratando de sobrevivir de la mejor forma posible a una inminente derrota alemana, ya que se rumorea que el ejército americano está al llegar a las costas francesas de un momento a otro. La luz de esperanza para Werner es la dulce voz que escucha en una frecuencia específica; una voz que lee uno de los libros más famosos de Julio Verne.

Marie y Werner no sólo deberán de sobrevivir a la guerra, si no también a oficiales alemanes, ya sea obsesionados con morir cumpliendo el deber, o con encontrar una famosa joya que se dice maldita.

Adaptada de la novela "All the Light We Cannot See" de Anthony Doerr (2014), esta miniserie de 4 episodios es interesante,bastante bien actuada, y posee una gran fotografía. Como suele suceder, hay diferencias entre el libro y el film, sobre todo en el final, aunque creo que tanto director (Shawn Levy - "Stranger Things", "Una Noche en el Museo"), como quien adaptó la novela (Steven Knight - "Peaky Blinders") hicieron un buen trabajo. El ritmo de la miniserie es en general bueno - un primer episodio un tanto lento, en realidad -, y hay algunos personajes que podrían tener más trasfondo.

Sí es cierto que puede no llegar a ser una serie impactante, y que tal vez las incorporaciones de Ruffalo y Laurie se deban más a incluir nombres de peso con convocatoria que a otra cosa (en lo personal creo que Ruffalo está muy bien en su rol, con la justa medida de paternidad y dulzura en relación con su hija no vidente), pero que quizás el personaje de Laurie podría haber recaído en algún otro actor.

Con las salvedades mencionadas, es justo destacar tanto a Hofmann como a Loberti, quien es en realidad no vidente, y que además está interpretando aquí su primer rol en cine o televisión (de hecho acudió a la audición sin experiencia previa en audiciones), y también a Lars Eidinger en su rol de Reinhold von Rumpel, el oficial nazi obsesionado con la joya, que bien podría encajar en una de "Indiana Jones".

Me hubiese gustado además que la serie hubiese sido hablada en alemán y francés, y no en inglés, lo cual quita realismo a algo que pretende tenerlo. Con todo, vale la pena darle una oportunidad, y luego leer el libro...después de todo, el final sería distinto.

FICHA TÉCNICA:          
PAÍS: USA
AÑO: 2023
GÉNERO: historia/ bélica / drama
DURACIÓN: 55 minutos x 4 episodios
GUIÓN: 7 /10  
DIRECCIÓN: 6 / 10
ACTUACIONES: 7 / 10
C.G.I.: 7 / 10
RATED: PG-16

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BARBIE

Nominada a 8 premios Oscar (entre ellos a Mejor Película, Mejor Guion Adaptado, Mejor Actriz y Actor de Reparto, y 2 nominaciones a Mejor Canción), la llegada de "Barbie" como candidata a ser una gran ganadora en los "Premios de la Academia" 2024 se ha ido diluyendo con el pasar de otros grandes premios y la (controversial) ausencia de nominaciones para su directora (Greta Gerwig - "Mujercitas" 2019) y su principal actriz (Margot Robbie - "Érase Una Vez en Hollywood", "Aves de Presa" encarnando a la desquiciada Harley Quinn, o "Babylon", entre varios títulos).

Independientemente de los reconocimientos en premios, "Barbie" es un film entretenido, interesante, y con mucho para pensar. 

El mundo de Barbie es una sociedad matriarcal, donde todas las Barbies - pasadas, presentes, y discontinuadas - viven su vida en su rol, mostrando a las chicas que juegan con ellas que pueden ser lo que quieran ser, de aviadora a presidente, de modelo a sirena. Los Ken que viven en Barbieland pasan siempre desapercibidos, y solo existen en función de que las Barbies les presten atención o no. Un buen dia la Barbie Estereotípica (la rubia clásica, interpretada por Robbie) comienza a sentirse rara, por ejemplo, nota que sus pies ya no estan en punta sino que pisa con toda la suela. Guiada por la Barbie Rarita (una muñeca con la que han jugado de forma poco tradicional y que ha sido afectada por ello, y marginada por el resto de las Barbies) le informa que algo extraño debe de estarle pasando a la persona que juega (o jugaba) con ella, por lo que debe dirigirse al Mundo Real, encontrar a esta persona, y solucionar el problema. Reticentemente, Barbie emprende el viaje, sólo para darse cuenta a mitad de camino que el Ken Estereotípico (Ryan Gosling) se ha colado al auto, deseoso de ser notado por Barbie. Es así que ambos llegan a Venice Beach, sólo para descubrir que el Mundo Real no tiene nada que ver con Barbieland, y que por si fuera poco es un mundo regido por hombres y no mujeres.

Mientras Barbie trata de resolver su problema (eludiendo a los ejecutivos de Mattel, casa creadora de la muñeca), Ken intentará volver a Barbieland a instaurar un nuevo orden de las cosas, uno que tenga a los Ken como amos y señores del lugar.Si esto llega a darse, el Mundo Real podría verse afectado, y las consecuencias podrían ser catastróficas.

La idea detrás de la creación de Ruth Handler allá por los '50 era crear una muñeca con look adulto y con las que todas las chicas pudieran identificarse; una Barbie que pudiera ser quien ella eligiera y no estuviera circunscripta a casarse y tener hijos. El empoderamiento femenino en todo su esplendor, o al menos, su comienzo. Gerwig nos lleva en ese viaje de autodescubrimiento (y re-descubrimiento) de la vida en los ojos de la Barbie Estereotípica, y uno de esos descubrimientos es el hecho de que su mensaje de "niña-todo-lo-puedes" es muchas veces malinterpretado, acusándola (a Barbie en este caso, pero en realidad a Mattel) de inspirar una realidad muy poco alcanzable para muchas niñas, estandarizando un ideal de belleza inalcanzable. La perfección que Barbie transmite, y cuán difícil es ser una mujer perfecta es lanzado a la cara del espectador en un monólogo muy bien escrito, si bien demasiado directo, del personaje de Gloria (America Ferrera - "Ugly Betty").

Tomar acción y ser proactivo en tu vida es otra de las moralejas de "Barbie", y esto es logrado al estilo "Matrix" cuando Barbie Rarita le da la opción a Barbie Estereotípica de ir al Mundo Real o no. Ser fiel a uno mismo a pesar de las consecuencias, el hecho de que todos somos especiales a nuestra manera, pedir ayuda cuando uno la necesita dejando el ego de lado, son algunas otras temáticas tocadas en el film, que quizás se antojen menos originales.

Creo que el verdadero logro del film pasa por mostrarnos que tanto un exceso de masculinidad como uno de femeneidad pueden ser negativo para la sociedad toda, y esto es algo que experimentaron las mujeres a lo largo de toda la historia (en términos generales), y es algo que los hombres están experimentando últimamente. La imposición del movimiento woke (con un principio claro de empoderar sectores de la sociedad históricamente marginados), si bien ha obtenido muchos logros, es ahora visto por muchos como algo forzado y hasta socio-económicamente provechoso, generando un montón de detractores, con algunos argumentos bastante válidos. Algo de esto hay aquí reflejado; algo pro-woke, pero sutilmente algo contra el mismo.

Asimismo, es digno de destacar que también son tocados temas como la inseguridad en la adultez (con Ken y su falta de ideas de qué hacer con su vida), así como la puesta en foco de que no hace falta estar casado y tener hijos para ser feliz.

"Barbie" es una muy buena película, y toda esta montaña de mensajes pueden ser difíciles de ver entre tanto rosa y "chistonto". Sí es verdad que hay mucho marketing detrás de todo esto, e incluso Mattel, la empresa de la que se da una mala imagen en el film, puede salir beneficiada con un aumento de ventas de este intento de revalorización de la icónica muñeca. La audiencia objetiva de esta producción está lejos de ser el público más menudo, sino más bien una público adolescente en edad de formación, aunque apela bastante a aquellos que andamos por los 30 y 40. Es también verdad que el sexo masculino no queda para nada bien parado, ya sea porque son inútiles, malvados, o unos bebés llorones y simplones, y es allí donde se produce la gran paradoja de la película, que a mi modo de ver le baja al menos un par de puntos: buscamos revalorizar el rol de la mujer a nivel histórico y actual, y ello lo hacemos a través de la ridiculización, estereotipación, y villanificación del hombre? Ya lo vimos en "Black Widow" y en tantas otras películas, y creo que este no es el camino.

FICHA TÉCNICA:
PAÍS: USA / Reino Unido
AÑO: 2023
GÉNERO: aventura / comedia / fantasía
DURACIÓN: 114 minutos
GUIÓN: 7/10
DIRECCIÓN: 8/10
ACTUACIONES: 7/10
CGI: 9 / 10

PRESUPUESTO / RECAUDACIÓN: US$ 100.000.000 / US$ 1.445.638.421

RATED: R

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DC's LEGENDS OF TOMORROW - Temporada 7 (final)

Luego de más de 7 años y con 110 episodios en su haber, llega a su fin la serie más alocada y menos seria del DCEU; son estos últimos 13 episodios en los que el cast final de DC's Legends dice su adiós. Y hago hincapié en el hecho de "cast final" porque de los miembros originales la única que se mantuvo durante todo el trayecto fue Caity Lotz (Sara Lance), a quien deben sumársele los años interpretando a este personaje ya en Arrow (o sea, desde el 2013). 

Como ya lo he dicho anteriormente, esto de la renovación del cast puede ser un acierto, aunque la mayoría de las veces redunda en un error. De las últimas incorporaciones, la única que ha sabido cumplir con creces - a opinión de este servidor - es Tale Ashe interpretando a las gemelas Tarazi; en el resto de los casos, ora pueden ser irritantes (el caso del personaje de Gary Green interpretado por Adam Tsekhman, o el de Astra Logue, encarnado por Olivia Swann), ora no aportan nada significativo (se me viene a la mente Shayan Sobhian haciendo de Behrad), o son demasiado forzados (claro caso el de Spooner, llevado a la pantalla por Lisseth Chavez). Y es que además de bajar la producción grupal en cuanto a la calidad actoral, los personajes son disparmente escritos, si bien siempre se trata de darles "un viaje evolutivo" a través de los episodios, y en general, todos tiene un desenlace coherente. Con esto no quiero decir que durante el resto de las temporadas no se dieran casos de actores mal "casteados", personajes mal escritos, o una combinación de ambos (los casos de Ciara Renée y Falk Hentschel como Chica y Hombre Halcón respectivamente son quizás los más obvios de mencionar; personajes que en el comic cada uno tiene grandes arcos, ya sea de forma individual o en conjunto).

Sin embargo, gracias a personajes como los de Ava (Jes Macallan), John Constantine (Matt Ryan -de pocos episodios aquí), Nate (Nick Zano), y algunas apariciones de temporadas anteriores, la serie logra mantenerse a flote.

Yendo a la linea argumental, ya veíamos al final de la sexta temporada como "Las Leyendas" quedaban atrapadas en 1925, donde una Waverider del futuro era envíada para destruir la Waverider "actual" y evitar así que nuestros héroes siguieran salvando la línea temporal. Tratando de huir de unas versiones malvadas de ellos mismos, y buscando recuperar el control de la Waverider (ahora a manos de una muy malévola Gideon), este grupo bastante abigarrado deberá sustituir al director (y fundador) del FBI, Edgar J. Hoover, dedicarse a la fabricación de alcohol ilegal, ensamblar aviones de combate (y adelantarse a los hechos buscando una revolución de género muy rápido, muy a destiempo), y tratar de decidir - si es que salen con vida - si aceptar lo que el futuro les depara o no.

"DC's Legends of Tomorrow" siempre se trató de formar una familia con la que vivir aventuras, salvando los anacronismos temporales, sin cambiar la historia (en lo posible). Y eso nunca se perdió. El sentido de "familia" está tan presente como nunca - muchas veces manifestado bastante explícitamente - . Pero esta temporada final es también acerca del futuro de cada uno de los miembros de este alocado grupo. Tendrán Nate y Zari el final feliz que siempre quisieron siendo que cada uno vive en mundos distintos? Podrán Ava y Sara formar la familia que se imaginan? Encontrarán Behrad y Astra el amor? Qué decidirá hacer con su propia vida Spooner? Bueno...todo eso se resolverá bastante abruptamente en los últimos dos episodios de esta temporada final.

Desaciertos? Si, varios. Creo que el principal fue incluir a Booster Gold - un personaje bastante interesante en las páginas de DC e incluso en ls versión animada de "La Liga de la Justicia" pero que aquí pasa sin pena ni gloria (estimo que fue una inclusión aun cuando no se sabía si la serie iba a tener una octava temporada o no), que además de mal escrito, estuvo muy mal casteado y caracterizado (cortaron por la fácil y le dieron otro nombre). En fin...con todo, vale la pena terminar la serie que por destrozo fue la más divertida y con menos pretenciones del DCEU.

FICHA TÉCNICA:          
PAÍS: USA
AÑO: 2015-2021
GÉNERO: acción / aventuras / drama
DURACIÓN: 42 minutos x 13 episodios
GUIÓN: 6 /10  
DIRECCIÓN: 5 / 10
ACTUACIONES: 6 / 10
C.G.I.: 5 / 10
RATED: PG

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LA SOCIEDAD DE LA NIEVE

Siendo probablemente el film del momento, "La Sociedad de la Nieve" nos relata una vez más, pero bajo una nueva perspectiva, lo acontecido a los 45 tripulantes del Fairchild Hiller de la Fuerza Aérea Uruguaya que se estrellara el 13 de Octubre de 1972 en la Cordillera de los Andes. 

Conocida es ya por muchos en la región la "Tragedia de los Andes", pero no para muchas otras personas en otras latitudes, especialmente aquellos que no se cruzaron con las predecesoras de "La Sociedad..." - entiéndase "Alive!" (dirigida y producida por Frank Marshall - 1993 -, protagonizada entre otros por Ethan Hawke, John Malcovich, y Josh Hamilton, y basada en el libro de Piers Paul Read de 1974), o "I Am Alive: Surviving the Andes Plane Crash" (2010), de tinte documental y que tiene como protagonistas a dos de los supervivientes de la tragedia, Nando Parrado y Roberto Canessa. Además de otras cintas que aparecieron en estos 50+ años desde la tragedia, también hubo un sinnumero de libros, además del mencionado de Reads: "Milagro en los Andes" (la mirada de Parrado de lo acontecido, publicado en el 2006), "Tenía que Sobrevivir" (la versión de Canessa, del 2016), "Desde el Silencio" (escrito en el 2019 por Eduardo Strauch, otro superviviente), y "La Sociedad de la Nieve" (2009, escrito por Pablo Vierci) que sirviera de base para el film en cuestión.

Este largometraje, dirigido por el catalán J.A. Bayona ("El Orfanato" y "Lo Imposible" - aquella de la familia americana y el tsunami en el sur de Asia), muestra mucho tino en presentar algunos hechos otrora soslayado por otros directores, y brilla en dar voz a aquellos quienes ya no están, sin escaparle a las partes más crueles de la tragedia. 

Corría el año '72 y el equipo de rugby uruguayo Old Christians se disponía a hacer su segundo viaje a tierras chilenas con la idea de jugar un partido amistoso allí y pasar 4 o 5 días de vacaciones. Las buenas actuaciones del equipo y la experiencia del año anterior en Santiago servían como alicientes para emprender un nuevo viaje hacia allí. Acompañados por algunos parientes y amigos (ya que los muchachos debían de pagar los US$ 1600 que valía el vuelo charter), los jóvenes jugadores (de una media de 22 años) abordaban el bimotor de la Fuerza Aérea uruguaya, sin saber que para muchos sería el último viaje de su vida. Luego de una escala obligada en Mendoza por mal tiempo, el avión reanudaría su trayecto hacia el sur - buscando un pasaje entre las montañas más bajo, el Paso Planchón a 160 kms al sur de Mendoza, punto de control aéreo -. La idea era que una vez hubieran pasado los picos andinos, el viaje reanudase al norte hasta llegar a Santiago. Pero, al aumentar la nubosidad y el viento de cola, los pilotos se vieron obligados a reducir la velocidad de 210 a 180 nudos, y eso termina llevando a un error de cálculo, ya que cuando creián haber pasado la cordillera para enfilar rumbo norte, en realidad no lo habían hecho, por lo tanto terminan tomando hacia el norte por entre las montañas. Esto termina derivando en el impacto del ala derecha contra una montaña, la rotura de la cola, pasajeros despedidos, la rotura del ala izquierda luego, para finalmente hacer que la parte delantera del avión se deslice cual tobogán por la nieve andina, aplastando a varios de sus ocupantes. 

De los 45 que salieron, 29 permacían con vida luego del impacto, pero muchos menos lograrían sobrevivir las penurias vividas en los 72 días que llevó al rescate final.

Mientras uno va viendo este largometraje, no puede menos que horrorizarse, admirarse del espíritu humano, emocionarse, y plantearse que haría uno ante la disyuntiva de consumir carne humana o no, en un caso extremo como éste. Las actuaciones de Enzo Vogrincic (Numa), Agustín Pardella (Nando), y Matías Recalt (Canessa) son dignas de elogio, y el resto del elenco acompaña muy bien, máxime teniendo en cuenta la dieta que muchos de ellos tuvieron que mantener (por ahí leí una entrevista a Simón Hempé quien interpreta a "Coche" Inciarte, quien se alimentaba a 1 lata de sardinas y 1 naranja por día). Desde la música (del gran Michael Giachino - "Los Increíbles", "Ratatouille", "Zootopia") hasta la fotografía, pasando por vestuario, CGI, y maquillaje, "La Sociedad de la Nieve" se vuelve no solo una historia excelentemente narrada - muy fiel a la historia -, si no también un producto de gran calidad, me atrevería a decir, superando las expectativas de propios y extraños. 

Hay perlitas que destacar en determinados diálogos, así como en los cameos del propio Parrado (abriéndole la puerta en el aeropuerto a quienes interpretaban a su mamá y su hermana), como la de Canessa como doctor detrás de Recalt (quien lo interpreta), o la de Carlitos Paez Vilaró interpretando a su propio padre. No obstante, más allá de logros técnicos y actorales, guión y dirección, lo que se logra en conjunto es algo único: es el hacerte poner en la piel de los protagonistas, sentir la desesperación, el desamparo de saberse ya no buscados y dados por muertos, es el ver cómo las personas que querés van muriendo, es saber (para algunos) que a aquellos quienes amas no los vas a ver más, es sentirte nada entre tanta nieve, es confiarte a dios o tu instinto de supervivencia, es el amor entre amigos, como diría Numa, el mantener la cordura y la esperanza a pesar de... Eso está logrado...y mucho más. 

"La Sociedad de la Nieve" es en resúmen, una película que no deberías perderte, una que te dejará pensando y sientiendo muchas cosas, pero que sin dudas no pasará inadvertida. Una lección de vida a la que en definitiva prestar atención.

FICHA TÉCNICA:
PAÍS: España / Chile / Uruguay / USA
AÑO: 2023
GÉNERO: drama / historia / biográfica
DURACIÓN: 144 minutos
GUIÓN: 9/10
DIRECCIÓN: 10/10
ACTUACIONES: 7/10
CGI: 9 / 10

RATED: R

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