MARCIAL MACIEL: EL LOBO DE DIOS

Hay documentales que te informan. Otros que te sorprenden. Y están los que te dejan con una sensación de impotencia e indignación difícil de describir. Se me viene a la mente "Jimmy Saville: Una Historia Británica de Terror" (click acá para la reseña) o "Sé Dócil: Oración y Obediencia" (click acá por la reseña). "Marcial Maciel: El Lobo de Dios" entra perfectamente en esa infame lista.

El trabajo expone con crudeza la figura de un sacerdote que, lejos de ser el líder espiritual que aparentaba, llevaba una triple vida hecha a base de abusos, manipulación y poder. Lo más duro no es solo enterarse de los crímenes que cometió, sino sentir la impotencia de ver cómo durante décadas contó con la complicidad, o al menos el silencio conveniente, de las más altas esferas del Vaticano. Nadie puede mirar para otro lado después de esto: las redes de protección que tuvo Maciel están tan bien documentadas que te revuelven por dentro.

La docuserie no ahorra golpes bajos —ni debería—. Las declaraciones de las víctimas, muchas ya en la tercera edad, son demoledoras. Escuchar a hombres mayores narrar abusos sufridos de niños, describiendo el peso que cargaron durante toda su vida, es algo que duele y que indigna en partes iguales. Y me deja pensando en cuánto se puede perdonar, cuánto se puede reparar, y qué pasa cuando el monstruo que arruinó tantas vidas tuvo siempre quien lo cubriera. La serie no se queda en la figura monstruosa de Maciel, sino en las cicatrices que dejó en generaciones enteras.

Resulta imposible no indignarse al ver cómo este hombre tenía “en el bolsillo” a empresarios, políticos y cardenales. Cómo manejaba dinero, influencias y favores, mientras por detrás acumulaba historias de dolor y vidas rotas. Su capacidad para sostener su fachada de santo mientras en paralelo alimentaba sus perversiones es casi irreal. Y justamente por eso el título le calza perfecto: un lobo con piel de cordero, al que le abrieron la puerta del rebaño.

La vida de Marcial Maciel es de esas que decís "acá la realidad supera cualquier fantasía posible". El fundador de los Legionarios de Cristo no sólo amasó una fortuna a costa de sus seguidores (miles en todo el mundo), si no que vivió la gran vida, volando en jets privados, comprando propiedades en un sinfín de países, y codeándose con figuras, eclesiásticas, y de las otras.  

El sabor amargo al ser testigos (de segunda mano) de lo hecho por Maciel y la impunidad con la que se manejó durante años, sumado a la anuencia de mucha gente que podría haber hecho algo al respecto, queda en uno aun después de los créditos. Doloroso y real, aunque cueste creerlo.

FICHA TÉCNICA:          
PAÍS: México
AÑO: 2025
GÉNERO: documental / drama / religión
DURACIÓN: 60 minutos aprox x 4 episodios
GUIÓN: 8 /10  
DIRECCIÓN: 8 / 10
RATED: PG-18

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CHESPIRITO: SIN QUERER QUERIENDO

"Es que no me tienen paciencia!", "No contaban con mi astucia!", "Síganme los buenos!", "Se me chispoteó.", "Todos mis movimientos están fríamente calculados", "Lo sospeché desde un principio", "No hay de que-so nomás de papa", "Que no panda el cúnico!", "Pos pa que te digo que no, si sí" y...obviamente "Fue sin querer queriendo" son frases que han quedado adheridas a generaciones, todas provenientes de una única mente y un único show: "Chespirito".

Hay series que son parte del ADN de nuestra infancia, aunque nunca sepamos exactamente cuándo empezamos a verlas. Chespirito es una de esas. No hablo solo de El Chavo del 8 o El Chapulín Colorado, sino del programa como tal: un contenedor de sketches donde Roberto Gómez Bolaños construyó, ladrillo a ladrillo, un universo de personajes tan entrañables como absurdos. Personajes que llegaron al corazón de toda Latinoamérica...y porqué no, del mundo.

¿La fórmula? Un humor blanco, repetitivo y predecible… pero efectivo. Sabíamos que el Chavo iba a recibir un golpe, que el Chapulín se asustaría más que los villanos, que el doctor Chapatín hablaría de su “bolsa de papel”. Y aun así, lo esperábamos. Como escuchar un solo de guitarra que ya conocemos de memoria y nunca cansa.

No sé si te has dado cuenta, pero los niños, especialmente los chicos, gustan de ver el mismo episodio de dibujitos animados una y otra vez, leer el mismo cuento 800 veces, o que les repitas las mismas historias. Muchos estudios se han hecho al respecto, y ya sea por el "aprendizaje estadístico" (la necesidad de muchos ejemplos de lo mismo para identificar patrones y regularidades), por el "efecto aporte" (donde los chicos descubren cosas nuevas cada vez que repiten la misma rutina - sea el libro o la serie animada), por el "efecto bienestar" (esa serie o dibujito me hace sentir bien - ¿no nos pasa a los adultos con series como "Friends"? -), o simplemente por dominar la ansiedad y lograr la sensación de control sobre lo que "va a venir", esta necesidad de repetición es real. Yo no sé si Roberto Gómez Bolaños conocía esto, lo intuía, o fue directamente el ser preso de su propia fórmula (pues pa' que vamos a cambiar lo que funciona?). Lo cierto es que la repetición de rutinas, y la creación de personajes "reales" e identificables, en situaciones cotidianas, todos ellos llenos de fallas, fueron los ingredientes de la gran receta que llevó a "El Chavo del 8" y el resto de los personajes a un sitial de privilegio en el seno familiar, y en el colectivo social.

Pero la historia del programa también tiene su costado áspero. Las disputas internas y las decisiones personales de Roberto Gómez Bolaños dejaron huellas difíciles de ignorar. Su separación matrimonial y la posterior relación con Florinda Meza generaron no solo titulares, sino resentimientos dentro del elenco. Muchos apuntan a la fuerte influencia de Florinda como un factor que terminó por fracturar el grupo: decisiones contractuales polémicas, conflictos de egos y hasta compañeros que quedaron marginados. Lo que en pantalla parecía una familia unida, detrás de cámaras era un campo de tensiones que con el tiempo se hicieron imposibles de ocultar.

La serie de Max refleja todo esto, y son pocos los que salen ilesos. El propio Bolaños queda como un tipo encandilado con el éxito y el amor de una mujer 20 años menor, amigo de los amigos, genio creativo, y un soñador, que por avocarse al trabajo - y a su amante - deja a la familia de lado. Florinda Meza (aquí llamada "Margarita" ya que la verdadera Florinda no dio su consentimiento) es la gran arpía del show, la "parte aguas". Marcos Barragán (o como lo conocemos nosotros, Carlos Villagrán - "El Quico") es de los que peor parado queda (no en vano no participó de la producción de este show). María Antonieta de las Nieves (La Chilindrina) o Ramón Valdés (Don Ramón) son, sin tal vez, quienes mejor parados salen. Y por supuesto, Graciela Fernández (la primer esposa de Bolaños y madre del productor del show). La gran víctima de todo esto. Al menos en esta biopic.

Muchas de las actuaciones son superlativas: Pablo Cruz como Bolaños, Paulina Dávila como Graciela, Juan Lecanda como Barragán, o Miguel Islas como Valdés, son los primeros que se me vienen a la mente. Y esto mejora el producto, indudablemente.

Chespirito es como esa canción de los 70 que suena en la radio y no podés evitar cantar. Puede no ser la mejor, ni la más elaborada, y detrás de su melodía hubo más de un acorde disonante. Pero está ligada a vos de una forma que ninguna crítica —ni siquiera sus propias controversias— podrá borrar. Y te puedo asegurar que después de ver esta miniserie vas a querer ver "El Chavo" original...y seguramente, lo harás con ojos muy distintos.

FICHA TÉCNICA:          
PAÍS: México
AÑO: 2025
GÉNERO:  drama / biografía
DURACIÓN: 8 x 60 minutos aprox
GUIÓN: 7 /10  
DIRECCIÓN: 8 / 10
ACTUACIONES: 8 /10

RATED: PG-16

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THE LAST OF US - Temporada 2

Luego de una primera temporada con centro en el amor y lo que somos capaces de hacer para protegerlo, esta segunda entrega crece en el dolor, y en lo que esto nos convierte.

Después del cierre demoledor de la primer temporada de "The Last of Us" (que si no viste, por acá te dejo la reseña) Druckman y Mazin podrían haberse limitado a repetir la fórmula. Pero no. Esta segunda parte busca construir algo nuevo. Algo más áspero. Más incómodo. Y, para muchos, más difícil de aceptar. Ya no se trata de sobrevivir. Ni siquiera de encontrar sentido en el caos. Esta vez, se trata de las heridas del pasado, y cómo estas pueden condicionar nuestro presente, y muy probablemente nuestro futuro y el de quienes nos rodean. 

La narrativa es más osada, y no agradable. La historia deja de girar en torno el vínculo de Ellie y Joel, para pasar a integrar nuevos actores, y, como te contaba antes, se basa en el trauma, la pérdida, y la venganza. La serie es mucho más fragmentada, y hay un uso del silencio que en varios momentos dice más que cualquier diálogo. Técnicamente, la serie se siente más segura, más estilizada. Pero es en lo emocional donde realmente escala; una serie donde ya no quedan héroes, sino solo sobrevivientes. Se recurre a los flashbacks, a episodios que perfectamente podrían ser una obra de teatro, y cuenta con mucha (demasiada) introspección.

También se acotan los escenarios; se deja la travesía "cross-country" para pasar a estar instalados en los restos de una ciudad. A la vez, la expansión del universo con nuevos grupos, hace que las interacciones (y motivaciones) sean muchas más, incluso algunas que no terminan de estar completamente explicadas. Esto genera a su vez otro tipo de violencia, que si bien estuvo explorada al principio, aquí toma una nueva dimensión. Y hay mucha más violencia emocional, donde las decisiones de los protagonistas pocas veces llegan a justificarse.

Bella Ramsey confirma que lo suyo no fue suerte. Acá se echa la serie al hombro. Lo que hace con su personaje es brutal en todos los sentidos: físico, emocional, moral. Pedro Pascal queda más al margen, pero sigue cargando con una presencia que no necesita palabras. Y el nuevo elenco acompaña bien, sobre todo un par de nuevas figuras femeninas (raro en estos tiempos, no?) con mucho poder, que determinarán el nuevo derrotero de la serie.

¿Es una temporada divisiva? Absolutamente. ¿Te va a enojar en algunos momentos? Puede ser. Pero esta temporada lo que busca es moverte emocionalmente, incomodarte. Y lo logra.

FICHA TÉCNICA:          

PAÍS: Canadá / U.S.A.
AÑO: 2023 - 2025
GÉNERO:  acción / aventuras / drama / zombies
DURACIÓN: 50 minutes x 7 episodes
GUIÓN: 8 /10  
DIRECCIÓN: 6 / 10
ACTUACIONES: 8 /10

CGI: 7 / 10

PRESUPUESTO: US$ 100.000.000 aprox.

RATED: PG-18

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ROBOT SALVAJE

Nominada a 3 premios Oscars este 2025, "The Wild Robot" es un viaje fantástico de un robot diseñado para complacer directrices humanas, y que cuando despierta se encuentra en una playa de lo que parece ser la costa noroeste de Estados Unidos, si bien también podría ser una isla al estilo Islandia, producto de un naufragio.

De buenas a primeras, la peli te mete en un mundo donde la naturaleza parece dibujada con acuarela pero suena como el viento de verdad. Todo es sereno, bello, y de a poco... profundamente triste. Porque Roz (así es el nombre del robot) no debería estar ahí, ni tampoco entender nada de lo que la rodea. Pero aprende. Como en el libro de Peter Brown , su viaje no es uno de acción: es uno de adaptación, de conexión, de entender que ser “salvaje” a veces es ser simplemente libre.

Con un arte que tiene ciertas reminiscencias de Monet, y que amalgama el 2D con el 3D a la perfección, el film de Chris Sanders es un canto visual. La voz de Roz juega un papel fundamental, ya que es ella (en inglés interpretado por Lupita Nyong'o) la que lleva, de cierta forma, el pulso de la obra. Al principio es robótica, literal. Fría. Pero con el correr de la historia se va quebrando, suavizando, volviéndose casi humana. El vínculo con Brightbill —un gansito huérfano al que decide cuidar— no es automático. Y eso es clave. Acá, se nota que la peli recorta algunas cosas (los castores, los osos, muchas relaciones secundarias), pero se enfoca a fondo en ese lazo.

Varias diferencias pueden trazarse con respecto al libro (que dicho sea de paso es una trilogía, por lo cual podría haber una segunda y hasta una tercera parte), quizás la principal el carácter más melancólico de éste. Pero sin dudas, la película atrapa, y tiene con qué. Acá no te pasa como con "Up" que largas el llanto en los primeros 10 minutos, o como con "Coco", donde te emocionás a full en el último tramo. Acá, muchos pasajes harán que se te humedezcan los ojos, como cuando ella corre tras Brightbill, cuando le declara su amor y cuando recibe ayuda inesperada La película va directo al corazón. Sus momentos más fuertes giran alrededor de la maternidad, los vínculos y la crisis de identidad de una madre que no nació para serlo. 

Huelga decir que "Robot Salvaje" es de esas pelis que te dan ganas de ver en familia, con los peques, pero también solo, con mate en mano, cuando uno necesita recordarse que cambiar es posible. Que hasta una máquina puede elegir cuidar, quedarse, aprender. Que sobrevivir no siempre es lo mismo que vivir.

Mirala con una pack de pañuelos en mano, eso si.

FICHA TÉCNICA:          
PAÍS: USA / Japón
AÑO: 2024
GÉNERO:  animación / ciencia ficción
DURACIÓN: 102 minutos
GUIÓN: 9 /10  
DIRECCIÓN: 10 / 10

CGI: 9 /10 

PRESUPUESTO // RECAUDACIÓN: US$ 78.000.000 // US$ 333.165.945

RATED: A

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THE FLIGHT ATTENDANT

Si, si...la vi por Kaley Cuoco...o como algunos la conocen "Penny", la "rubia" de "The Big Bang Theory", y debo decir que no sabía bien qué esperar. 

Cuoco se despega (hablando de azafatas y vuelos) por completo de su pasado como Penny en The Big Bang Theory para entregarse a un papel mucho más oscuro, caótico y humano, un papel que nos permite ver una Kaley con un rango de emociones, expresividad, y dotes actorales explotadas de una forma no apreciadas en las 12 temporadas trabajando bajo el comando de Chuck Lorry y Bill Prady. Cassie Bowden, su personaje, es azafata. Glamour, viajes, copas en primera clase. Pero también es un desastre emocional con la capacidad de autodestruirse a velocidad crucero. Y cuando se despierta al lado de un cadáver en Bangkok sin saber qué pasó la noche anterior… bueno, la serie toma vuelo.

The Flight Attendant mezcla thriller con comedia negra y una pizca de drama existencial. El tono es rápido, a veces casi frenético, pero no por eso superficial. La dirección juega con montajes divididos en pantalla, diálogos internos, visiones y flashbacks que no son solo recursos estilísticos: son ventanas a una mente perturbada. Referido al primer recurso mencionado, algo que se da con asiduidad en estas dos temporadas, el split screen no se usa solo como adorno estético: ayuda a reflejar el caos mental de Cassie, sus múltiples versiones de la realidad, la simultaneidad de acciones en distintos lugares y esa sensación de estar “partida” por dentro. A veces incluso se usa para mostrar su yo imaginario dialogando con ella misma, como si hubiera dos o tres) Cassies en pantalla (que por momentos, las hay). 

Uno de los grandes aciertos es cómo la serie no deja que la intriga del crimen opaque el viaje emocional. Porque sí, hay una investigación, sí, hay peligro, giros, conspiraciones internacionales, agentes encubiertos y más. Pero lo que realmente te mantiene mirando es Cassie, con sus torpezas, sus intentos de redención, sus decisiones horribles y en definitiva, lo que conlleva ser un "ser humano". Pero, también sucede que Cassie es un personaje con el que nos es difícil empatizar, porque, siendo honestos, no genera mucha empatía (ni ella ni ninguno de los personajes que la orbitan). 

Con una temporada prometedora y bastante atrapante, la segunda toma un giro completamente distinto, siendo el eje principal, una vez más la necesidad de redención de Cassie, pero por sobre todo, su problema con la bebida, hecho omnipresente en toda la segunda temporada. Se pasa de un clásico whodunnit a un thriller / drama psicológico; de un consumo de alcohol causa de (casi) todos sus males a la lucha por la abstinencia; de víctima a espía amateur, de mucho vértigo a mucha reflexión. Y la serie pierde...y también el espectador, y, extrañamente, se re-dimensiona a Cuoco como actriz (ella misma ha dicho que si hay alguien con quien no volvería a trabajar es con ella misma, "sin posiblemente" debido al trabajo que requirió esta segunda temporada.

Recomendable primer temporada, especialmente si te gustan las series que combinan misterio con personajes rotos tratando de parcharse en pleno vuelo. La segunda..bueh...muy bien por Kaley, pero evitable..

FICHA TÉCNICA:          
PAÍS: USA
AÑO: 2020 - 2022
GÉNERO:  comedia negra / suspenso / drama / misterio / whoddunit
DURACIÓN: 16 x 50 minutos (2 temporadas)
GUIÓN: 5 /10  
DIRECCIÓN: 7 / 10
ACTUACIONES: 8 /10

CGI: 6 /10  

RATED: PG-16

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THE WHITE LOTUS Temporada 3

Cuando uno va a un resort del estilo de The White Lotus, uno espera relajación, un momento placentero, y buenos tragos. Sin embargo, esto no es lo que sucede ni en la sucursal de Hawaii, ni en la de Italia, ni en esta nueva temporada, en el White Lotus de Tailandia. Algo siempre ocurre en uno de estos hoteles que derivará en un asesinato (o varios), y el futuro incierto de varios de los huéspedes. 

Si bien las temporadas son relativamente independientes, ya que cuentan con nuevos personajes y nuevas tramas, la segunda repite un par de personajes de la primera, y lo mismo sucede de esta segunda a la tercera. O sea..podés ver la tercera sin ver las anteriores, pero si ves la segunda, entenderás mejor una de las tramas dentro de esta.

Esta nueva temporada comienza con un tiroteo, y uno de los huéspedes que se encontraba en una terapia de meditación, arrojándose al agua al grito de "Mamá..mamá" luego de encontrar un cuerpo flotando (que si bien no lo vemos, lo inferimos). De allí en más, al mejor estilo Tarantino, iremos al comienzo de la historia - que ya sabemos nos llevará, paulatinamente, a este casi desenlace de la historia -. 

Como vimos en las dos entregas anteriores, los huéspedes irán llegando al resort, y con ello, se dará la presentación de los mismos. Los Ratliff (el joven e inocente Lochlan, la hermana del medio, Piper - quien dice querer dedicarse a su propio descubrimiento espiritual en un templo budista -, Saxon, el mononeuronal hermano mayor, papá Timothy y la odiosa mamá Victoria), una familia acaudalada, que sigue a Piper y decide pasar unas vacaciones familiares alejados de todo el ruido de Estados Unidos. Por otro lado tenemos a Rick (el genial Walton Goggins), junto a su novia, Chelsea. Ella muy enamorada, él muy misterioso, con una venganza en ciernes, que es su verdadero motivo de ir a Tailandia. 

El grupete de invitados se completa con las amigas Jaclyn, Laurie, y Kate, quienes se van en una escapada de solteras invitada por la primera, quien es una famosa actriz. 

Obviamente, los personajes no se limitan a los invitados, si no que, como ocurriera en temporadas anteriores, incluye al staff del hotel. Es allí que vemos nuevamente a Belinda (empleada de la sucursal de Italia, personaje que aquí repite), y conocemos a Mook (bailarina del lugar), a Gaitok (un guardia que no se sabe bien si es apto para el rol que ocupa), a Fabian (el conserje), y a la dueña, Sritala, mujer otrora famosa en Tailandia por su música y por sus películas de bajo presupuesto. 

Con las fichas en el tablero dispuestas, veremos a lo largo de los episodios como la amistad de las tres chicas tiene fisuras, cuentas pendientes, y recriminaciones varias; como Rick no tiene su propósito tan claro, y como Chelsea, con todo el amor que le tiene, trata de bajarlo a tierra; como la manzana no cae lejos del árbol, con unos padres superficiales que crían a sus hijos con esos valores, y como estos no pueden zafar del designio familiar por más que lo intenten (o sí?), y como el destino irá haciendo que los destinos de estos personajes terminen confluyendo.

Con actuaciones dignas de destacar (en especial las de Carrie Coon -"Gone Girl" / "Cazafantasmas: Más Allá" -, Jason Isaacs - el "viejo" Malfoy -, Michelle Monaghan - "Pixels", Sam Nivola, y un sorprendente Patrick Schwarzenegger), un guion que te hará preguntarte quién es el asesino, y quién la víctima, y un entorno paradisíaco, "The White Lotus 3" conseguirá engancharte a la trama. Por supuesto quedan algunos cabos sueltos, pero no muchos. Y a no confundirse: "The White Lotus" no es la típica serie de "whodunnit", a lo Agatha Christie. Se utiliza ese trasfondo para explorar otros temas, como el valor de la familia y la amistad, hasta dónde uno tiene los escrúpulos o valores que dice tener, y el precio del amor. 

A mirarse esta temporada, y por supuesto, las anteriores. De las 3 quizás la más letárgica, pero todavía con el nivel suficiente para dedicarle unas 8 horitas de tu vida. Veremos qué depara la cuarta...

FICHA TÉCNICA:          
PAÍS: U.S.A.
AÑO: 2021 - 2024
GÉNERO:  comedia negra / sátira / drama / comedia / thriller
DURACIÓN: 8 x 60 minutos
GUIÓN: 8 /10  
DIRECCIÓN: 7 / 10
ACTUACIONES: 8 /10  

RATED: PG-18

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VENOM 3: EL ÚLTIMO BAILE

Es "Venom 3: El Último Baile" el cierre de la saga? Puede que si, pero puede que no. Es el final de Tom Hardy ("Inception", "Peaky Blinders", "Capone", "El Renacido") interpretando a Eddie Brock / Venom? Puede que si, puede que no. Por qué la falta de respuestas definitivas? Varios son los motivos, pero, principalmente el hecho de que el propio actor no lo haya descartado, que Venom todavía no se haya enfrentado a Spiderman (para aquellos ajenos al comic, el origen de Venom es precisamente como antagonista del arácnido), y que el malote de esta última entrega no se haya "exprimido" en su totalidad (no sería de extrañar ver en un futuro no muy lejano un Venom vs Spiderman, o un Venom & Spiderman vs Knull).

Dirigida por Kelly Marcel (y escrita por ella como las dos entregas anteriores), cuyo éxito mayor fue "Cruella", parece no haber dado con la tecla de hacer de Venom un personaje mucho más memorable. Y aquí no voy a culpar a Hardy, quien hace un trabajo bastante decente con el material que tiene. Para ser justos, creo que la "cuchara" metida en el guion por el propio Hardy, y la colaboración de un ícono de la industria del comic como Todd McFarlane (creador de Spawn), hacen que "El Último Baile" sea un pelín mejor que su predecesora, "Habrá Matanza", donde, desde mi humilde punto de vista hubo un gran desperdicio del personaje de Carnage, así como del talento (o locura) inigualable de Woody Harrelson ("Zombieland", "Palmetto"). 

Si recordás, Eddie y Venom habían sido transportados a una Tierra alternativa (616) por un hechizo del Doctor Strange. Borrachos en un bar de México, regresan a su universo y a su Tierra natal (la 688) donde son acusados de haber asesinado al detective Mulligan (Stephen Graham - "Adolescencia", "Boardwalk Empire"), y haber hecho un destrozo durante su batalla contra Carnage. Es así que Eddie se dirige a New York para tratar de limpiar su nombre, pero en le interín, una "cazadora de simbiontes" va tras ellos. Estos hechos llaman la atención de Strickland (Chiwetel Ejiofor - "12 Años de Esclavitud"), un comandante a cargo del desmantelamiento de lo que fuese el Área 51, donde ahora se estudian otros simbiontes caídos a la Tierra. Como para Strickland Venom y la Xenófaga que lo persiguen son lo mismo, intentará darle caza a ambos, lo que hace que Eddie Brock (y por ende Venom) deban huir de la amenaza terrestre y de la extraterrestre, mientras tratan de aclarar que ellos no son los responsable de la muerte de Mulligany averiguar quien está detrás del bicho alienígena que quiere darles captura, quien, como establecimos al principio, no será otro que el padre de todos los simbiontes: Knull. 

Que el film sea relativamente corto tiene sus ventajas y desventajas. El largometraje no se vuelve pesado, lo cual es bueno, pero va en contra del desarrollo de los subplots, lo cual vuelve el argumento un tanto difícil de seguir, máxime teniendo en cuenta la introducción de nuevos personajes, cuyas motivaciones podrían no ser fuertemente exploradas. El CGI tiene sus momentos de acierto, aunque es un tanto desparejo. El hecho de que el tono no se defina completamente como de humor (cosa que, por ejemplo, es definitiva en Deadpool / Wolverine) hace que uno no se sepa tampoco muy bien cómo debe de encarar el ver la película. Creo que un elemento que juega a favor es que uno (yo seguro) tenía muy pocas expectativas con este film, quizás por ello no lo hallé tan malo. De hecho, me pareció bastante decente (cosa que también me sucedió con Joker 2). 

En el apartado actuación, salvando lo de Hardy y Ejiofor, el resto flojo...muy. Juno Temple ("Fargo", "Ted Lasso"), al menos en este film carece de movilidad facial, expresividad corporal, y carisma. Tal vez es una mala muestra de una actriz que no tengo muy vista. Hasta lo de Rhys Ifans ("House of the Dragon", "Notting Hill") parece forzado (emulando en parte el rol que lo hiciera famoso en la comedia interpretada por Hugh Grant y Julia Roberts). 

En resumidas cuentas, es un film que tiene lo suyo, no es tan malo como podría esperarse, pero que muy probablemente pase sin pena ni gloria.

FICHA TÉCNICA:          
PAÍS: Francia
AÑO: 2024
GÉNERO:  acción / superhéroes / aventuras / humor
DURACIÓN: 110 minutos
GUIÓN: 6 /10  
DIRECCIÓN: 4 / 10
ACTUACIONES: 6 /10  
CGI: 7 / 10

PRESUPUESTO / RECAUDACIÓN: US$ 120.000.000 / US$ 478.931.196

RATED: PG-12

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EL PINGÜINO

El Pingüino quizás sea el más ridiculizado de los enemigos de Batman, usualmente representado de galera, guantes blancos, pantalón a rayas, y el infaltable paraguas. Y probablemente digas: "Otra serie más de superhéroes o supervillanos?!". Olvidate de eso. Te gustaron "Los Soprano"? Te van las series o películas de mafia o pandillas? Bueno, la cosa va por ahí...y 0 superheroico.

Con un Collin Farrell brillante como Oswald Cobb (El Pingüino), imposible de reconocer gracias a un trabajo de maquillaje y prostéticos (cerca de 3 horas diarias) monumental, la serie nos narra el ascenso al poder de un insaciable e inescrupuloso "Oz" Cobb.  

Cobb ya había sido introducido en el más reciente film de Batman (2022), ese interpretado por un - inentendiblemente elegido - Robert Pattinson, y que también contara con Zoë Kravitz como Gatúbela (donde se vuelve a forzar - otra vez sin acierto - que este personaje sea afrodescendiente), Paul Dano como El Acertijo (nada, pero nada que ver al de los comics), Jeffrey Wright, John Turturro, y un largo etc.

Y por qué te menciono esto? Precisamente porque la serie tiene allí su punto de partida. Al comienzo del primer episodio vemos como Cobb observa desde lo alto las acciones criminales y terroristas de El Acertijo al final de "The Batman", donde la familia mafiosa de los Falcone sufre un duro golpe al ser eliminado su cabeza, Carmine. La serie creada por Lauren LeFranc ("Agents of S.H.I.E.L.D.") se enfoca en el ese momento donde el caos por el control de la ciudad (y de las drogas en la misma) hace que El Pingüino vea como el momento oportuno para dejar de ser un criminal de segunda, trabajando para los Falcone ya sea como chofer, encargado de un centro nocturno, o promover la venta de drogas en una porción de Ciudad Gótica, a ser el verdadero capo mafioso que siempre soñó ser, y de una buena vez ganarse el respeto que pocos parecen tenerle. 

La avaricia, el deseo de respeto, la determinación, y también la brutalidad de Cobb quedan de manifiesto temprano en el primer episodio, donde luego de una conversación con el heredero de Falcone, Alberto, decide eliminarlo, en un acto que de planificado parece tener poco, y más parece responder pura y exclusivamente a la burla y el escarnio provocado por el joven Alberto. Esta escena es la que, en gran medida, marcará el tono de la serie.

Desafortunadamente para los intereses de El Pingüino, un nuevo jugador aparecerá para "patear el tablero": Sofía, la hermana de Alberto (brillantemente interpretada por Cristin Milioti), otrora sentenciada al Asilo de Arkham por una serie de crímenes que supuestamente cometió, quien se muestra mucho más inteligente que su hermano, y que buscará, también desde la venganza y el "ninguneo", ganarse el respeto y el lugar tan largamente negado.

Hay otros dos personajes esenciales para la trama. Victor, un chico desamparado cuya familia fue víctima de las atrocidades de El Acertijo, y en quien Cobb tendrá un chofer, un asistente, y un confidente. El otro personaje central, sobre todo hacia los últimos 3 episodios será la madre del propio Cobb, un ser mentalmente inestable que tendrá mucho que ver en cómo Cobb es hoy día, en una relación madre-hijo, a priori marcada por una complejo edípico notable, pero que poco a poco va mutando cuando se empieza a escarbar en el pasado de Oswald. 

"El Pingüino" es una serie poderosa, con un personaje principal que siempre está a un tris del éxito anhelado o del fracaso más rotundo, con personajes lejos de ser unidimensionales, logrando que empaticemos por momentos con criminales que, de ser presentados de otra forma, sería imposible. Es también una serie humana y despiadada, abordando temas como la estigmatización social, el bullying, la lucha desigual, la locura (o como todos estamos al borde de), la marginalidad, y la auto-realización. y por qué no, también el amor, desde el platónico al filial, pasando por el carnal. 

Una joyita, realmente, en un género cuyas producciones que se han visto en declive.

FICHA TÉCNICA:          
PAÍS: USA 
AÑO: 2024
GÉNERO:  crimen / drama / violencia
DURACIÓN: 60 minutos x 8 episodios
GUIÓN: 9 /10  
DIRECCIÓN: 8 /10 

ACTUACIONES: 9/10

C.G.I.: 7 /10
RATED: PG-18

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DOOM PATROL

"Doom Patrol" (o "La Patrulla Condenada" como la conocemos por estos lares) es un comic de la empresa DC creado por Bob Haney y Arnold Drake en el año '63, más precisamente en Junio - el porqué te lo cuento en un rato -. La premisa era básica: El Jefe (un aventurero y científico confinado a una silla de ruedas) decide juntar a un grupo de seres especiales, marginados de la sociedad, y con poderes que nunca pidieron tener. Víctima cada uno de sus propios traumas, defectos, y pasados, la unidad del grupo (y el éxito de las misiones a las que el Jefe los asigna) está siempre en jaque, ya que la tensión, el resentimiento, y la discordancia entre los miembros es omnipresente. Estos héroes, más que héroes son antihéroes, y muchas de las misiones que tienen que cumplir surgen de problemas que ellos mismos generaron.

Los miembros de este ecléctico grupo, además de El Jefe (Niles Caulder - interpretado por Timothy Dalton - "Penny Dreadful"), son: Robotman (Brendan Fraser - un ex-piloto de carreras, que luego de sufrir un terrible accidente, ve su cerebro trasplantado al cuerpo de un robot); Negative Man (Matt Bomer - un ex-piloto de la Fuerza Aérea que, luego de un encuentro con una fuerza alienígena, se convierte en un ser que emana energía radioactiva); Elasti-Woman (April Bowlby - antigua actriz, que luego de un accidente en África, tiene la facultad de transformarse en una masa informe que puede aumentar de tamaño a niveles insospechados); Crazy Jane (Diane Guerrero - una mujer con 64 personalidades distintas, cada una con un poder único); y eventualmente, el grupo contará con la incorporación de Cyborg (Joivan Wade), mitad hombre-mitad máquina, con poderes especiales y un dominio de la red total. 

Lo más interesante de todo son los dramas a los que cada uno de los personajes debe hacerle frente. El personaje de Fraser ("La Momia" / "La Ballena"), a pesar de ser un robot, es el que tiene los sentimientos más a flote, y lucha con las culpas de su pasado con respecto a su esposa e hija perdidas, además de con la imposibilidad de sentir físicamente, ni el tacto, ni el gusto, ni el olfato. 

Larry Trainor (el personaje de Bomer - "Magic Mike"), tiene que hacer frente al amor perdido por culpa de su homosexualidad, a la lucha constante por reconocer quién es, y al aislamiento social.

Rita Farr (Elasti-Woman) se debate entre vivir en su gloria pasada como actriz y haber caído en el ostracismo, la soledad, y el controlar sus emociones, ya que si no lo hace, su propio poder se vuelve incontrolable.

El personaje interpretado por Guerrero (quien se hiciera famosa por su participación en "Orange is the New Black"), se debate entre todas las manifestaciones de su dolor y su lucha interna para superar un padre golpeador y abusivo de la infancia.

El propio Jefe es un ser cuestionable, ya que si bien parece bastante altruista, también parece haber varios motivos subyacentes para ayudar a este grupo de inadaptados. 

Estos personajes llegan al espectador, no sólo por las múltiples capaz que cada uno de ellos muestra, sino también por la brillante interpretación de los diferentes actores, algunos dependiendo pura y exclusivamente de la voz (Fraser con Robotman), otros combinando voz y lenguaje corporal (Bomer con Hombre Negativo), y la brillante actuación de Guerrero marcando varias de sus personalidades de forma exquisita y distintiva.

 "Doom Patrol" para el ojo inexperto o apurado puede parecer un sinsentido total, y está claro que su tono irreverente, su humor negro, la carga sexual y de blasfemia, el ridículo, y la exageración y el absurdo, la alejan de la típica serie de superhéroes. Sin embargo, es una serie que utiliza estos recursos narrativos para explorar el significado de lo "normal", la necesidad que tenemos todos de ser parte de algo y ser queridos, ahondando también en cómo los traumas del pasado forjan quienes somos, y planteando la disyuntiva de si somo capaces de sobreponernos a ello.

El apartado visual es otro punto a considerar, y a aplaudir, si bien puede ser agotador si uno decide "maratonear" la serie. El tono ora saturado, ora oscuro, ya sea para enmarcar el surrealismo del mundo, o el estado de ánimo del personaje de turno, está brillantemente concebido y ejecutado. Los juegos de luz y sombra, así como la estética "comiquera" tampoco están ausentes, y la vibra onírica se hace palpable por muchos pasajes.

Creo que esta producción destaca por todo lo mencionado, y el concepto de la "Patrulla..." en sí también. Si recordás, al principio escribí que el primer número era de Junio del '63. Curiosamente (no tanto, en realidad), ese mismo año (en Octubre), hacía su aparición un grupillo de personajes muchas veces inconexos y marginados de la sociedad, con poderes especiales, liderados también por un "jefe" en silla de ruedas. Copia? Grandes chances, diría yo. 

FICHA TÉCNICA:          
PAÍS: USA 
AÑO: 2019 - 2023
GÉNERO:  superhéroes / drama / violencia / comedia
DURACIÓN: 60 minutos x 46 episodios
GUIÓN: 8 /10  
DIRECCIÓN: 8 /10 

C.G.I.: 6 /10
RATED: PG-18

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COMO AGUA PARA CHOCOLATE

"Estar molesto o furioso". Eso es lo que significa el dicho mexicano "Como agua para chocolate"; un agua en punto de ebullición y lista para derretir el chocolate, y esto refleja, por muchos pasajes de la serie, el estado de ánimo de Tita de la Garza, la protagonista de esta historia. 

Al igual que sucediera con el film de 1992 dirigido por Alfonso Arau, esta nueva serie lanzada por Max está basada en la novela de Laura Esquivel, novela de corte "realismo mágico" ambientada a comienzos de la Revolución Mexicana (1910 - 1917) en la localidad de Piedras Negras, Coahuila, lindera con Texas. El contexto histórico-social y geopolítico ayuda a entender mucho el porqué ciertas cosas se dan en "Como Agua..." de la forma en que se dan.

Tita (Azul Guaita) es una joven que tiene muchas virtudes - la principal su mano muy especial para la cocina -, y un gran amor de toda la vida en Pedro (Andrés Baida). También tiene dos hermanas, Rosaura (Ana Valeria Becerril) y Gertrudis (Andrea Chaparro). Mientras que la primera la ve con envidia y celos por su relación con Pedro, en Gertrudis Tita encuentra a su mejor amiga en el mundo. 

También tiene una mamá, Elena (Irene Azuela - "Las Viudas de los Jueves"). Elena trata a sus 3 hijas de formas distintas: distante y reservada para con Rosaura, y amorosa y más demostrativa para con Gertrudis, para Tita Elena solo tiene desdén y odio, maltrato y ninguneo. Y al mejor estilo Cenicienta, la tiene haciendo las tareas de la casa, las compras, o ayudando en la cocina o con su baño.

Viuda de hace muchos años, Elena es la amargura personificada. Y según la tradición y sus propios estándares, lo primero que debe de hacer es conseguirle un marido a Rosaura (muy parecida a su madre en su forma de ser). Por otro lado ya le ha dejado en claro a Tita que lo de ella con Pedro es imposible; que Tita está destinada a morir virgen, en la casa, y a cuidar de ella hasta que muera. 

A Pedro, miembro de la clase alta, estanciero como Mamá Elena, no se le ocurre mejor idea, con tal de estar al lado de Tita, que casarse con su hermana. Éste será solo el comienzo de una serie de males que afectarán no solamente a Tita, sino también a Pedro, su familia, y al resto de los De La Garza. 

Tita encontrará solaz en el único lugar donde puede ser medianamente feliz sin Pedro: la cocina. Allí todos sus sentimientos se volcarán en los platillos que prepare, sentimientos que irán a parar eventualmente a los comensales, afectándoles para bien o para mal. 

La realidad del momento y el lugar, como marcáramos al comienzo, jugarán un papel vital, tanto para el destino de los protagonistas, como en lo concerniente a sus actitudes, ya sea por el rol que ocupaba la mujer en un México de principios del siglo XX y con una incipiente revuelta popular, especialmente para aquellos estancieros que dependían de la mano de obra quasi-esclava para el mantenimiento de sus fincas, pero también en lo referido al mandato social. 

Con una visión bastante moderna, cada episodio gira entorno a una receta, donde una descendiente de Tita nos narra la historia de este amor imposible, que gira entorno a lo que acontece en la Estancia Las Palomas, hogar de los De La Garza. Si bien no hay diferencias demasiado ostensibles en contenido entre la película y la serie, esta última permite más desarrollo de los personajes, mostrando a una Tita con más dinamismo, encantadora, y rebelde que la del film, y una Mamá Elena incluso más dura que la del largometraje.

Las recetas en el libro son 12, y ya han pasado 6 episodios en esta primer temporada, por lo que cabe pensar que la temporada que viene daría la conclusión a la historia; una historia que cae en algunos lugares comunes (y un par bastante originales), pero que lo hace con gracia y encanto.

FICHA TÉCNICA:          

PAÍS: USA / México
AÑO: 2024
GÉNERO:  drama / romance
DURACIÓN: 128 minutos
GUIÓN: 7/10  
DIRECCIÓN: 8 / 10
ACTUACIONES: 7 /10  
CGI: 7 / 10

RATED: PG-16

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HOUSE OF THE DRAGON - Temporada 2

Ha pasado una segunda temporada de "La Casa del Dragón" y huelga decir que si no viste la primera, acá tenés la reseña.

La primer temporada de la precuela de "Game of Thrones" no había terminado de convencer, si bien había tenido sus momentos de gloria, ya sea en el revamping del elenco hecho a mitad de la serie, mejorando en el rubro actoral, como en las áreas de vestuario y settings, manteniendo la vibra de GOT. Sin embargo, hasta el episodio final, la serie creo fallaba en enganchar al espectador. La forma en que están escritos los personajes, y las líneas que se les dan a los actores no ayudan mucho, sumado a que el material original de HOTD es una narración histórica y eso hubo que adaptarlo, mientras el original de GOT, era, por así decirlo, live action, y que por si fuera poco, se sintió como "apurada" por muchos momentos. La serie cerraba sin embargo con un cliffhanger bien interesante con la muerte de Lucerys Velaryon, hijo de Rhaenyra, una de las aspirantes al Trono de Hierro.

El problema, además del ojo por ojo, en esta segunda temporada es en el reclamo al trono que tienen las ex-mejores amigas, Rhaenyra y Alicent. Mientras la primera está convencida de que su difunto padre, el Rey Viserys, quería que se rompiera la tradición de tener un rey hombre para ser ella la nueva gobernante de los 7 reinos de Westeroos, la ex-esposa de Viserys (y madrastra de Rhaenyra) está convencida de que en su último aliento Viserys mencionó al hijo en común (Aegon) como legítimo heredero. Claro está...siempre puede haber un tercer candidato.

En el comienzo de esta segunda temporada tenemos a Jacaerys, hijo de Rhaenyra, volando al Muro para obtener como aliado a Cregan Stark, quien, a pesar de que le avisa que el "invierno se aproxima" y que no pasará mucho antes de una amenaza externa haga que todos los reinos tengan que hacer causa común y dejarse de disputas internas; no obstante, accede a ayudar a Rhaenyra con su reclamo, quien está de luto en Dragonstone. Mientras Daemon (esposo y tío de Rhaenyra) busca venganza en Desembarco del Rey - ojo por ojo, hijo por hijo -, Rhaenys y su esposo, Corlys Velaryon mantienen un bloqueo naval con el fin de proteger Dragonstone y Marcaderiva.

Del otro lado, vemos como el Rey Aegon II lleva a su hijo al Concejo ya que "un día será rey" (je!). Aegon cuenta con el apoyo de los Baratheon de Bastión de Tormentas, los Lannister de Roca Casterly, y los Hightower. Aegon quiere ir directamente montado en su dragón a enfrentar a Rhaenyra, pero el concejo lo disuade ya que no se puede poner en riesgo la vida del rey (je! x2). Y claro está, tenemos a Alicent, quien entre su amorío con Sir Criston Cole (un amorío prohibido por múltiples causas), recientemente descubierto por el Maestro de los Susurros, Larys Strong (una mezcla entre Varys y Little Finger de GOT), y su deseo de controlar los impulsos de sus hijos varones (no sólo los del Rey si no los de Aemond, quien es incluso más despiadado), la va a tener complicada.

Creo que la segunda temporada mejora en varios aspectos con respecto a su predecesora. El rubro actoral sin dudas es uno de los aspectos. La serie, que en la temporada anterior descansaba fuertemente en lo que llevaban a la pantalla tanto Matt Smith (Daemon), como Rhys Ifans (Otto Hightower), o Paddy Considine (Vyserys I), ahora gana con los diálogos y performances de Eve Best (Princesa Rhaenys), Tom Glynn-Carney (Rey Aegon II), Ewan Mitchell (Príncipe Aemond), Olivia Cooke (Alicent), y Emma D'Arcy (Reina Rhaenyra), tal vez el personaje que genera más empatía de todos.

También la serie gana en acción, sin dudas. Más batallas y más dragones.

Pero...la serie también pierde. Pierde en congruencia con respecto a la temporada anterior. Es decir, por ejemplo, la personalidad de Rhaenyra cambia diametralmente con la que viéramos en la primer temporada; una Rhaenyra más despiadada, asertiva,  y con ideas claras. En esta temporada, y tal vez con el afán de generarle más empatía para con el espectador, su personaje flaquea en la toma de decisiones, es abrumada en muchas ocasiones, y es víctima de la misoginia (si bien esto tiene sentido con Alicent, no se cuánto con Rhaenyra). Y pierde tal vez también en la elaboración de la trama, ya que con el fin de abaratar costos, este nueva temporada consta de 8 episodios y no de 10. Y pierde en lo escénico, tal vez, producto de no tener más entre sus directores al británico Miguel Spochnik, creador de episodios memorables  en "Game of Thrones" como "La Batalla de los Bastardos".

Estará en vos, el espectador, si este segunda temporada es mejor o peor que la anterior; a mí, me gustó más.

FICHA TÉCNICA:          
PAÍS: USA
AÑO: 2022 - 2024
GÉNERO: drama / fantasía
DURACIÓN: 8 x 55 mins aprox
GUIÓN: 7 /10  
DIRECCIÓN: 6 /10
ACTUACIONES: 8 /10
CGI: 7 / 10  

PRESUPUESTO: US$ 160.000.000 aprox.
RATED: PG-18

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MAMONAS ASSASSINAS: NADA ES IMPOSIBLE

Fan service? Hacer un poco más de plata del que fuera probablemente el mayor éxito musical (en el género rock) de Brasil de los últimos 30 años? Tributo con toque de comedia en honor al espíritu de "los 5 de Guarulhos"? Y...hay un poco de todo. 

Corría el año 1995 y los ex-integrantes del grupo de rock alternativo Utopía veían con tristeza como todos sus esfuerzos por llegar a la fama con su primer y único álbum se desvanecían en un tris. Es allí cuando su productor musical les recomienda ir por la veta cómica, aprovechando las ideas hilarantes de sus miembros y el histrionismo mostrado en el escenario por su vocalista principal, Dinho. Enrico Costa - personaje ficticio que haría las veces del productor real, Rick Bonadio -les aconseja ya de paso que cambian de enfoque en sus letras, hacer lo mismo con el género musical, sin abandonar completamente el rock alternativo, mas también agregando pagode, country, forró, y el heavy metal. Y ya que estaban el nombre. Es allí que surge Mamonas Assassinas. Y el éxito fue inmediato, mas muy fugaz. En sus cortos 8 meses de vida, estos gaúchos conquistaron los corazones - y las emisoras de radio y cadenas de televisión - con su rock irreverente, poco serio, y hasta con crítica social, ya que estos chicos de Guarulhos nunca se olvidaron de sus orígenes.

Desafortunadamente, en un viaje rumbo a su ciudad natal, el avión en que viajaban termina colisionando contra la Serra da Cantareira, devastando, no sólo a varias familias y a sus fans, si no también a un país con la tragedia. Nos dejaron un solo disco de estudio, el homónimo "Mamonas Assassinas", actuaciones memorables, y un sabor de boca muy amargo para todos aquellos que quedamos prendados de esta expresión musical y de alegría que salía de los cánones habituales. 

Obviamente, luego vendrían varios bootleg, grabaciones perdidas, y remasterizaciones, pero ya nada sería lo mismo. 

En lo personal, el film deja gusto a poco. Desde el tono que se le da al mismo, pasando por las actuaciones, e incluso el poco detalle que se da al final sobre la muerte de estos 5 músicos (más los dos pilotos y dos técnicos que viajaban con ellos). Entiendo que el propósito pueda ser celebrar la vida de la banda, sin embargo, considero que habría que habérsele dado algo más de desarrollo a esta desastrosa tragedia. Queda también la sensación de que se necesitaba más "seriedad" en algunos tramos del film, que se notan innecesariamente cómicos, y muchos pasajes que no tienen tanto que ver con la realidad tampoco, desde algunas relaciones amorosas a decorados. Se siente como con pobre producción, y la edición a veces no convence del todo. 

Amo a las Mamonas, y si bien este film no se hizo imposible de digerir, se sintió raro. Lo mejor de todo fue que luego me dieron muchas ganas de escucharlos, cosa que hice esa misma madrugada. 

Se dice que hay una serie en producción. Veremos qué tal.

FICHA TÉCNICA:
PAÍS: Brasil
AÑO: 2023
GÉNERO: biografía / drama / comedia / música
DURACIÓN: 95 minutos
GUIÓN: 5 /10
DIRECCIÓN: 3 /10
ACTUACIONES: 5 /10

RECAUDACIÓN: US$ 11.402

RATED: PG-16

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