LA VIEJA GUARDIA 2

"La Vieja Guardia 2", un film que no me veía venir, y sin embargo aquí está, y, por cómo termina esta entrega, debería de haber una tercera (y definitiva) en las gateras. Pero, como siempre, si no viste la primera, por acá te dejo el link para que hagas lo propio y no sigas adelante por acá, ya que algún spoiler seguro te encontrarás.

"The Old Guard" (nombre original del film), ese comic creado (y adaptado a la pantalla) por Greg Rucka (quien además ha escrito material para "Wonder Woman", "Punisher", "Gotham Central", y "Lazarus"), ya en su primer producción había quedado un poco "a medio camino". No obstante, el trasfondo de la historia era interesante: 4 seres inmortales que van por el mundo tratando de equilibrar la balanza entre justicia e injusticia, mientras un loquito farmacéutico intenta atraparlos para poder descubrir (y aplicar) el "vivir por siempre" (y poder venderlo al mejor postor). La premisa, para ahora cambia, y, una película que parece volverse más ambiciosa, termina sucumbiendo a sus pretensiones...o eso parece.

Andy (Charlize Theron), Joe, y Nicky, aquellos guerreros y compañeros inmortales, siguen juntos; Nile, la nueva (y aparentemente última inmortal) ahora es miembro permanente del equipo, así como también Copley, el agente de la CIA interpretado por Chiwetel Ejiofor, quien los perseguía en la primer entrega. Por su parte, Booker, ahora exiliado por Andy luego de su traición, sigue por la suya. Hasta que un buen día es encontrado por otra inmortal en busca de ajustar cuentas con Andy. Pero, ésta inmortal no será el único enemigo al que "la Vieja Guardia" tenga que enfrentar. 

La dirección cambia de manos, y ahora es Victoria Mahoney en su primer trabajo para la pantalla grande como directora principal, quien toma las riendas. Y...se nota que es su primer trabajo. Y el guion del propio Rucka, Fernández (artista del comic), y Sarah Walker tampoco ayuda. La combinación de ambos factores, más las coreografías de las peleas, que "huelen demasiado a coreografías", hacen que este segundo capítulo nunca despegue ni atrape al espectador. Ni siquiera el traer a Uma Thurman salva un film, que con el correr de los minutos se va deshilachando. Comparada con la primera; personajes que no llenan, todo el cliché que te puedas imaginar, y sin dudas mucha falta del corazón que tuvo la predecesora...y eso que la primera tampoco fue una locura que digamos. Ah...y obvio...el giro woke casi inevitable en cualquier producción de hoy en día..

FICHA TÉCNICA:          

PAÍS: USA

AÑO: 2025

GÉNERO:  acción / aventura / fantasía

DURACIÓN: 107 minutos

GUIÓN: 4 /10  

DIRECCIÓN: 3 / 10

ACTUACIONES: 5 /10  

C.G.I.: 6 / 10

RATED: PG-18

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THE LAST OF US - Temporada 2

Luego de una primera temporada con centro en el amor y lo que somos capaces de hacer para protegerlo, esta segunda entrega crece en el dolor, y en lo que esto nos convierte.

Después del cierre demoledor de la primer temporada de "The Last of Us" (que si no viste, por acá te dejo la reseña) Druckman y Mazin podrían haberse limitado a repetir la fórmula. Pero no. Esta segunda parte busca construir algo nuevo. Algo más áspero. Más incómodo. Y, para muchos, más difícil de aceptar. Ya no se trata de sobrevivir. Ni siquiera de encontrar sentido en el caos. Esta vez, se trata de las heridas del pasado, y cómo estas pueden condicionar nuestro presente, y muy probablemente nuestro futuro y el de quienes nos rodean. 

La narrativa es más osada, y no agradable. La historia deja de girar en torno el vínculo de Ellie y Joel, para pasar a integrar nuevos actores, y, como te contaba antes, se basa en el trauma, la pérdida, y la venganza. La serie es mucho más fragmentada, y hay un uso del silencio que en varios momentos dice más que cualquier diálogo. Técnicamente, la serie se siente más segura, más estilizada. Pero es en lo emocional donde realmente escala; una serie donde ya no quedan héroes, sino solo sobrevivientes. Se recurre a los flashbacks, a episodios que perfectamente podrían ser una obra de teatro, y cuenta con mucha (demasiada) introspección.

También se acotan los escenarios; se deja la travesía "cross-country" para pasar a estar instalados en los restos de una ciudad. A la vez, la expansión del universo con nuevos grupos, hace que las interacciones (y motivaciones) sean muchas más, incluso algunas que no terminan de estar completamente explicadas. Esto genera a su vez otro tipo de violencia, que si bien estuvo explorada al principio, aquí toma una nueva dimensión. Y hay mucha más violencia emocional, donde las decisiones de los protagonistas pocas veces llegan a justificarse.

Bella Ramsey confirma que lo suyo no fue suerte. Acá se echa la serie al hombro. Lo que hace con su personaje es brutal en todos los sentidos: físico, emocional, moral. Pedro Pascal queda más al margen, pero sigue cargando con una presencia que no necesita palabras. Y el nuevo elenco acompaña bien, sobre todo un par de nuevas figuras femeninas (raro en estos tiempos, no?) con mucho poder, que determinarán el nuevo derrotero de la serie.

¿Es una temporada divisiva? Absolutamente. ¿Te va a enojar en algunos momentos? Puede ser. Pero esta temporada lo que busca es moverte emocionalmente, incomodarte. Y lo logra.

FICHA TÉCNICA:          

PAÍS: Canadá / U.S.A.
AÑO: 2023 - 2025
GÉNERO:  acción / aventuras / drama / zombies
DURACIÓN: 50 minutes x 7 episodes
GUIÓN: 8 /10  
DIRECCIÓN: 6 / 10
ACTUACIONES: 8 /10

CGI: 7 / 10

PRESUPUESTO: US$ 100.000.000 aprox.

RATED: PG-18

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THE BETTER SISTER

Sin dudas, una historia que presenta verdades a medias, o mentiras difíciles de detectar, tiene su encanto. Basada en la novela de Alafair Burke, esta miniserie protagonizada por Jessica Biel ("El Ilusionista" / "Total Recall"), quien interpreta a Chloe, nos mete en un espiral de secretos, manipulación y resentimientos acumulados. La trama gira en torno al asesinato del marido de Chloe, una ejecutiva de éxito (directora de una revista de vanguardia y modelo para otras mujeres), y el regreso de su hermana, que también fue pareja de la víctima. El resultado: una olla a presión emocional con cada capítulo sumando tensión.

Por supuesto que estamos interesados en quién asesinó a Adam (Corey Stoll - "House of Cards" / "Antman"). Fue Chloe? Su hermana Nicky? Su hijo Ethan? Algún cliente, o quizás un compañero de trabajo del pobre Adam? Pero, a medida que se desarrolla la trama, nos va a interesar aún más qué es lo que nos ocultan las hermanas; porque no sólo Chloe tiene algún "muerto en el placard", sino también Ethan, Nicky (Elizabeth Banks - "Los Juegos del Hambre"), Adam, y diría que cada uno de los personajes secundarios que están de forma u otra relacionados a Adam. 

Biel la rompe: fría y controladora por fuera, pero llena de grietas bajo la superficie. El tono general recuerda a "The Undoing" o a "Little Fires Everywhere", pero con menos glamour y más veneno cotidiano. Hay flashbacks dosificados con inteligencia, escenas en tribunales que evitan el cliché, y una ambientación sobria que pone el foco en lo emocional más que en lo espectacular.

¿Es perfecta? No. En lo personal, los diálogos con los "fantasmas de los muertos" me tiene bastante agotado, principalmente porque recientemente terminé de ver "The Flight Attendant" que abusa de este recurso. Sí. Tal vez sea un problema mío y vos no lo encuentres agotador. Hay algún giro algo predecible? También, pero pocos. Un abuso del "girl power"? Pufff...bastante. De hecho, los personajes con "poder real" acá son mujeres. No obstante, es una historia bien contada, bien actuada y que invita a ver el siguiente episodio con ese gustito de “acá hay algo más”.

FICHA TÉCNICA:          
PAÍS: USA 
AÑO: 2025
GÉNERO:  drama / misterio / thriller
DURACIÓN: 60 minutos x 8 episodios
GUIÓN: 8 /10  
DIRECCIÓN: 6 / 10
ACTUACIONES: 8 /10

RATED: PG-16

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CAZADOR DE DEMONIOS

Ok. Si. Kevin Bacon es un cazarrecompensas retirado que hace un pacto con un demonio para volver a la acción. Ya con eso bastaría para echarle una ojeada, sobretodo si te gustan producciones del estilo "Ash vs Evil Dead" o "Constantine". "The Bondsman" (ese es su título original) arranca con un Bacon asesinado en cumplimiento de su trabajo, y revivido al momento por el mismísimo Diablo para que le haga un par de trabajitos. Hay sangre, sarcasmo, redención y un pacto oscuro que lo cambia todo.

Bacon está en modo “vintage badass”: un tipo duro del sur de los Estados Unidos, a medio camino entre cowboy y un policía cansado del mundo, que ha perdido lo más importante: su familia. No, no es que estén muertos, es que luego del divorcio la vida los ha distanciado, aunque en realidad ni tanto, ya que pueblo chico, infierno grande. Y lo de "infierno" bien va con el tono, que juega entre el western moderno, lo sobrenatural grotesco y el humor ácido, lo que le da a la serie una personalidad propia. Y todo sucede en este pueblo que parece ser el único lugar donde aparecen estos demonios escapados del propio infierno. 

Lo bueno es que no se toma demasiado en serio, pero tampoco cae en la parodia vacía. Tiene corazón, aunque esté bañado en sangre y maldiciones. Los efectos no siempre están a la altura, y algunos secundarios son apenas excusa para la próxima balacera, pero cuando funciona, funciona, aunque Prime no lo viera así ya que parece la serie ha sido cancelada apenas luego de pasada la primer temporada. 

Episodios cortos, con un tipo que lo único que quiere es recuperar a su familia, aunque eso signifique matar demonios, pelearse con el propio Satán, y tener que sacar de en medio al nuevo novio de su ex-. De esas series que saben a lo que van, no pretenden demasiado, y de las que podés hacer binge-watching en 4 o 5 horas.

FICHA TÉCNICA:          
PAÍS: USA 
AÑO: 2025
GÉNERO:  drama / horror / humor / acción / sobrenatural
DURACIÓN: 30 minutos x 8 episodios
GUIÓN: 6 /10  
DIRECCIÓN: 7 / 10
ACTUACIONES: 7 /10

CGI: 6 / 10  

RATED: PG-16

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CAPITÁN AMÉRICA: UN NUEVO MUNDO

Sam Wilson (Anthony Mackie - "Twisted Metal") ya no es “el nuevo Capitán América”. Es el Capitán América... te guste o no. "Capitán América: Un Mundo Nuevo" era una buena oportunidad para explotar lo que se insinuara en "The Falcon & The Winter Soldier", y, para sorpresa de nadie, se falla estrepitosamente; más política, más espionaje, menos chistes, y una fórmula que, salvo raras excepciones, parece estar más que agotada. En este caso, como en otros, el no tener una única fuente de "inspiración", sino hacer un mix de varias ("All New Captain America" de Rick Remender; "Captain America: Sam Wilson" de Nick Spencer; los Thunderbolts, Red Hulk..en fin), parece ser parte de la causa del desatino en lo argumental. 

Para este punto en la cronología "Avengers", Sam ya ha sido aceptado como Capitán América por muchos, si bien no por todos (incluso él mismo tiene momentos de dudas, comparándose constantemente con Steve Rogers, el Capitán original). Además de estar entrenando a su nuevo sustituto como Falcon, Joaquín Torres (Danny Ramirez - "Top Gun: Maverick") a Sam se le ofrece la oportunidad, por medio de su otrora enemigo, el flamante Presidente Ross, de formar unos Nuevos Vengadores, trabajando junto al propio Ross. Claro está que esto suena a que estos Nuevos Vengadores estarían bajo la égida de Ross, y esto es algo que ya vimos en "Civil War", por lo que Sam se lo tiene que pensar. Lamentablemente, no tiene mucho tiempo, ya que su amigo, Isaiah Bradley (personaje que conociéramos en la serie de "The Falcon...") trata de asesinar al propio Ross. Pero, es Bradley el verdadero culpable, o alguien detrás manejando los hilos?

La primera mitad de la película arranca con fuerza. Hay tensión, crítica social y un tono maduro que recuerda a los mejores momentos de la serie que tuviera como protagonistas a Mackie y a Sebastian Stan. Sam no es Rogers, y eso es lo mejor: su versión del Capitán América se construye desde lo comunitario, lo ético, lo vulnerable. Pero cuando la historia pisa el acelerador rumbo al tercer acto, la cosa se desinfla: persecuciones genéricas, enemigos con motivaciones vagas y un clímax que, una vez más, se resuelve a puro CGI y golpes que no se sienten. Y ese es otro de los problemas: no parece haber el mínimo esfuerzo en ser originales en las escenas de acción, y algunas de las mismas se resuelven, como mínimo, de manera "extraña" (sin mencionar que el CGI tiene altibajos, teniendo lo mejor en el rostro del Red Hulk de Harrison Ford, y lo peor en los fondos; con todo, no es de los peores). 

Hablando de Ford, éste como el presidente Ross aporta presencia, y su trama siempre juega con eso de si el verdaderamente quiere cambiar o no. Y el villano, aunque prometía ser una amenaza ideológica, termina siendo solo eso: una promesa. 

Marvel / Disney sigue apelando a la diversidad forzada: lo de Torres (creado en el 2015 por Nick Spencer), lo de Ruth Bat-Seraph (agente del Mossad, israelí ella, y que existe desde los años '40 en los comics) podría ser una mera coincidencia (pongámosle), pero que los dos personajes caucásicos sean justamente los villanos (oh..spoiler), no sé si lo es tanto.

No es tan mala como "Guardianes 2", "Wakanda Forever", ni "The Marvels", pero está "de mitad de tabla para abajo", cómodamente. Tiene cosas buenas? Si. Me quedo principalmente con las escenas de acción en el aire. Mensajes? También. Se puede ser un "buen Americano" y cuestionar al sistema; no alcanza con poseer un símbolo si no lo redefinís; la posibilidad de liderar desde la moral y lo ético y no meramente desde el poder, en fin... Pero...a veces no alcanza con el mensaje. A veces una peli de superhéroes y acción tiene que ser más de eso y menos de lo otro, de lo políticamente correcto. 

FICHA TÉCNICA:          
PAÍS: USA / Canadá
AÑO: 2025
GÉNERO:  drama / acción / aventuras / superhéroes
DURACIÓN: 118 minutos
GUIÓN: 3 /10  
DIRECCIÓN: 4 / 10
ACTUACIONES: 6 /10

CGI: 8 / 10  

PRESUPUESTO / GANANCIAS: US$ 180.000.000 / US$ 415.101.577
RATED: PG-12

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ROBOT SALVAJE

Nominada a 3 premios Oscars este 2025, "The Wild Robot" es un viaje fantástico de un robot diseñado para complacer directrices humanas, y que cuando despierta se encuentra en una playa de lo que parece ser la costa noroeste de Estados Unidos, si bien también podría ser una isla al estilo Islandia, producto de un naufragio.

De buenas a primeras, la peli te mete en un mundo donde la naturaleza parece dibujada con acuarela pero suena como el viento de verdad. Todo es sereno, bello, y de a poco... profundamente triste. Porque Roz (así es el nombre del robot) no debería estar ahí, ni tampoco entender nada de lo que la rodea. Pero aprende. Como en el libro de Peter Brown , su viaje no es uno de acción: es uno de adaptación, de conexión, de entender que ser “salvaje” a veces es ser simplemente libre.

Con un arte que tiene ciertas reminiscencias de Monet, y que amalgama el 2D con el 3D a la perfección, el film de Chris Sanders es un canto visual. La voz de Roz juega un papel fundamental, ya que es ella (en inglés interpretado por Lupita Nyong'o) la que lleva, de cierta forma, el pulso de la obra. Al principio es robótica, literal. Fría. Pero con el correr de la historia se va quebrando, suavizando, volviéndose casi humana. El vínculo con Brightbill —un gansito huérfano al que decide cuidar— no es automático. Y eso es clave. Acá, se nota que la peli recorta algunas cosas (los castores, los osos, muchas relaciones secundarias), pero se enfoca a fondo en ese lazo.

Varias diferencias pueden trazarse con respecto al libro (que dicho sea de paso es una trilogía, por lo cual podría haber una segunda y hasta una tercera parte), quizás la principal el carácter más melancólico de éste. Pero sin dudas, la película atrapa, y tiene con qué. Acá no te pasa como con "Up" que largas el llanto en los primeros 10 minutos, o como con "Coco", donde te emocionás a full en el último tramo. Acá, muchos pasajes harán que se te humedezcan los ojos, como cuando ella corre tras Brightbill, cuando le declara su amor y cuando recibe ayuda inesperada La película va directo al corazón. Sus momentos más fuertes giran alrededor de la maternidad, los vínculos y la crisis de identidad de una madre que no nació para serlo. 

Huelga decir que "Robot Salvaje" es de esas pelis que te dan ganas de ver en familia, con los peques, pero también solo, con mate en mano, cuando uno necesita recordarse que cambiar es posible. Que hasta una máquina puede elegir cuidar, quedarse, aprender. Que sobrevivir no siempre es lo mismo que vivir.

Mirala con una pack de pañuelos en mano, eso si.

FICHA TÉCNICA:          
PAÍS: USA / Japón
AÑO: 2024
GÉNERO:  animación / ciencia ficción
DURACIÓN: 102 minutos
GUIÓN: 9 /10  
DIRECCIÓN: 10 / 10

CGI: 9 /10 

PRESUPUESTO // RECAUDACIÓN: US$ 78.000.000 // US$ 333.165.945

RATED: A

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HEREJE

¿Podés imaginarte a Hugh Grant, quien será eternamente recordado por sus roles como "galán" en "Cuatro Bodas y un Funeral" o "Un Lugar Llamado Notting Hill"), metido en una peli de terror psicológico con tintes religiosos? Bueno, en "Heretic", dirigida por Scott Beck y Bryan Woods (los mismos detrás del guion de A Quiet Place), no sólo lo hace...si no que te termina dando bastante miedito!

La historia gira en torno a dos jóvenes mormonas (interpretadas por Sophie Thatcher - "The Boogey Man" - y Chloe East - "Los Fabelman") que, en una misión puerta a puerta, se topan con Mr. Reed (Grant), un hombre de modales impecables y casa inmaculada… pero con un aire inquietante palpable al segundo. Lo que arranca como una conversación incómoda sobre fe y salvación se va torciendo hacia un juego mental en el que nada es lo que parece.

Grant encarna a Reed con una mezcla deliciosa de cortesía británica y amenaza latente. Hay algo hipnótico en su mirada: uno no sabe si te va a invitar un té o a encerrarte en un sótano. La peli juega con esa ambigüedad desde el minuto uno, y lo hace muy bien. A ratos recuerda a Get Out, en otros momentos a Misery o incluso a The Invitation, pero sin copiar a nadie.

Beck y Woods aprovechan la tensión de los espacios cerrados, los silencios y una dirección sobria que evita el jump scare barato. Lo perturbador acá es lo que no se ve. Y lo que se cree. Porque Heretic es, en el fondo, una peli sobre creencias: religiosas, personales y hasta narrativas. ¿Qué pasa cuando confiás demasiado en tu verdad? 

Párrafo aparte para el ritmo: algunos van a decir que es lento, pero yo diría que es paciente. La peli te va cocinando a fuego lento, y cuando llega el punto de ebullición, ya estás atrapado, sin escapatoria.

En resumen: Heretic no es para ver con el celular en la mano. Requiere atención, entrega y ganas de entrar en un terreno incómodo. Pero si te dejás llevar, lo que te devuelve es una de las actuaciones más jugadas de Hugh Grant en años, y una historia que se queda dando vueltas en la cabeza mucho después de los créditos.

Quizás el final no es lo que un film tan bien logrado se merecía, y eso le resta un par de puntos. El planteo, el setting, y las actuaciones, son dignas de elogio, y creo que eso y la discusión sobre tus creencias que plantea es lo mejor (eso y el par de datos de trivia que, al menos yo, desconocía).

FICHA TÉCNICA:          
PAÍS: USA /Canadá
AÑO: 2024
GÉNERO:  horror / thriller psicológico
DURACIÓN: 111 minutos
GUIÓN: 7 /10  
DIRECCIÓN: 8 / 10
ACTUACIONES: 8 /10

CGI: 6 /10 

PRESUPUESTO // RECAUDACIÓN: US$ 10.000.000 // US$ 59.788.000

RATED: PG-18

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MARK TWAIN - UN YANQUI EN LA CORTE DEL REY ARTURO

 ¿Sabés qué pasa cuando un ingeniero de fábrica de Connecticut se despierta en la Inglaterra del Rey Arturo? Exacto: no intenta encontrar el Santo Grial. Quiere introducir la imprenta, el telégrafo, el teléfono, patentar el jabón, o reformar la educación pública. Y el eclipse solar se vuelve su as bajo la manga para ganarse un lugar en la corte.

Recuerdo haber leído este libro en mi adolescencia, a la luz de la vela, y con hojas bien desgastadas (si mal no recuerdo, el número 66 de la colección "Robin Hood", aquellos libros de tapa dura amarillos que comenzara a editarse a principios de los '40). Ese libro en su momento voló mi cabeza, por la forma desenfadada y el ego que mostraba su personaje principal, pero por sobre todas las cosas, la imaginación: qué haría uno con el conocimiento que posee hoy en día en aquella época de caballeros medievales?

Mark Twain se despacha con una sátira afiladísima que no envejece. Escrito en 1889, "Un yanqui en la corte del Rey Arturo" combina humor absurdo, crítica social, y ciencia contra superstición en una mezcla que a veces parece delirio steampunk y otras, una cachetada a la aristocracia, la iglesia y el mito del progreso.

El narrador —un yanqui de nombre Hank — es una especie de Tony Stark decimonónico, que no solo se ríe de Merlín y sus trucos, sino que convierte Camelot en una fábrica de ideas modernas: introduciendo desde la pólvora hasta periódicos. Pero ojo, porque debajo del humor y la ironía, hay una oscuridad que crece. La utopía industrial empieza a mostrar las costuras, y Twain no se guarda nada cuando llega la hora de mostrarnos lo que pasa cuando el poder moderno cae en manos equivocadas... o en manos humanas, simplemente.

Hank no es un personaje querible, bastante al contrario...y eso choca. Es ingeniero, pragmático, egocéntrico, egoísta, demasiado auto-suficiente, arrogante, y muy, muy ambicioso. Todo esto, y la retórica del libro, pueden llegar a hacer que el lector no se "enganche" con la novela.

Uno de los grandes logros del libro es cómo retrata a los caballeros de la mesa redonda como lo que serían si fueran reales: torpes, crédulos, clasistas, medio inútiles. Twain los desarma con cariño pero sin anestesia. Y ahí es donde brilla su genio: no se ríe solo del pasado, también nos está mirando a nosotros —y al lector de su tiempo— con una ceja levantada. En cierta forma, Twain nos propone que las sociedades, por más avances modernos que tengan, lejos de mejorar, pueden colapsar; que ser más brillantes o estar más preparados, no son sinónimos de ser más felices, y que las buenas intenciones, si no tienen el contexto ideal, pueden llevar al caos. 

No esperes un cierre feliz al estilo Hollywood. Twain no es Disney. Hay nostalgia, hay sangre, y hay una reflexión brutal sobre el progreso, la guerra y la ilusión del control. Te deja pensando si la Edad Media era tan oscura... o si lo somos nosotros con más juguetes.

Ideal si te copa la historia con una vuelta de tuerca, los viajes en el tiempo con onda, o si alguna vez pensaste “¿y si le meto una central eléctrica al castillo de Lancelot?”. Twain lo pensó primero. Y te lo cuenta con ese tono entre sarcasmo y lucidez que lo hace inconfundible.

AUTOR: MARK TWAIN

AÑO: 1889

GÉNERO: FICCIÓN SATÍRICA / CIENCIA FICCIÓN / UCRONÍA / AVENTURAS

# DE PÁGINAS: 400 aprox (dependiendo de la edición)

AUTOCONCLUSIVA: SI

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THE FLIGHT ATTENDANT

Si, si...la vi por Kaley Cuoco...o como algunos la conocen "Penny", la "rubia" de "The Big Bang Theory", y debo decir que no sabía bien qué esperar. 

Cuoco se despega (hablando de azafatas y vuelos) por completo de su pasado como Penny en The Big Bang Theory para entregarse a un papel mucho más oscuro, caótico y humano, un papel que nos permite ver una Kaley con un rango de emociones, expresividad, y dotes actorales explotadas de una forma no apreciadas en las 12 temporadas trabajando bajo el comando de Chuck Lorry y Bill Prady. Cassie Bowden, su personaje, es azafata. Glamour, viajes, copas en primera clase. Pero también es un desastre emocional con la capacidad de autodestruirse a velocidad crucero. Y cuando se despierta al lado de un cadáver en Bangkok sin saber qué pasó la noche anterior… bueno, la serie toma vuelo.

The Flight Attendant mezcla thriller con comedia negra y una pizca de drama existencial. El tono es rápido, a veces casi frenético, pero no por eso superficial. La dirección juega con montajes divididos en pantalla, diálogos internos, visiones y flashbacks que no son solo recursos estilísticos: son ventanas a una mente perturbada. Referido al primer recurso mencionado, algo que se da con asiduidad en estas dos temporadas, el split screen no se usa solo como adorno estético: ayuda a reflejar el caos mental de Cassie, sus múltiples versiones de la realidad, la simultaneidad de acciones en distintos lugares y esa sensación de estar “partida” por dentro. A veces incluso se usa para mostrar su yo imaginario dialogando con ella misma, como si hubiera dos o tres) Cassies en pantalla (que por momentos, las hay). 

Uno de los grandes aciertos es cómo la serie no deja que la intriga del crimen opaque el viaje emocional. Porque sí, hay una investigación, sí, hay peligro, giros, conspiraciones internacionales, agentes encubiertos y más. Pero lo que realmente te mantiene mirando es Cassie, con sus torpezas, sus intentos de redención, sus decisiones horribles y en definitiva, lo que conlleva ser un "ser humano". Pero, también sucede que Cassie es un personaje con el que nos es difícil empatizar, porque, siendo honestos, no genera mucha empatía (ni ella ni ninguno de los personajes que la orbitan). 

Con una temporada prometedora y bastante atrapante, la segunda toma un giro completamente distinto, siendo el eje principal, una vez más la necesidad de redención de Cassie, pero por sobre todo, su problema con la bebida, hecho omnipresente en toda la segunda temporada. Se pasa de un clásico whodunnit a un thriller / drama psicológico; de un consumo de alcohol causa de (casi) todos sus males a la lucha por la abstinencia; de víctima a espía amateur, de mucho vértigo a mucha reflexión. Y la serie pierde...y también el espectador, y, extrañamente, se re-dimensiona a Cuoco como actriz (ella misma ha dicho que si hay alguien con quien no volvería a trabajar es con ella misma, "sin posiblemente" debido al trabajo que requirió esta segunda temporada.

Recomendable primer temporada, especialmente si te gustan las series que combinan misterio con personajes rotos tratando de parcharse en pleno vuelo. La segunda..bueh...muy bien por Kaley, pero evitable..

FICHA TÉCNICA:          
PAÍS: USA
AÑO: 2020 - 2022
GÉNERO:  comedia negra / suspenso / drama / misterio / whoddunit
DURACIÓN: 16 x 50 minutos (2 temporadas)
GUIÓN: 5 /10  
DIRECCIÓN: 7 / 10
ACTUACIONES: 8 /10

CGI: 6 /10  

RATED: PG-16

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EL ETERNAUTA

Hay adaptaciones que podrían estar condenadas desde el arranque. Hacer "El Eternauta" en Argentina no era adaptar un cómic: era jugar con la Biblia en una mano y una bomba molotov en la otra. Netflix se animó. Y lo que entregó es una serie que, si bien tiene matices con el comic, entendió una cosa fundamental: que esto no era solo ciencia ficción. Pero... ¿Por qué "El Eternauta" es tan especial? ¿Qué lo volvió en su momento tema de culto?

El comienzo es simple: Buenos Aires, unos amigos en su juntada habitual de los viernes, un partido de truco, y unos whiskies, hasta que llega el apagón. Luego, una nevada mortal, una invasión silenciosa, y vecinos armando un plan con lo que hay. Juan Salvo es nuestro guía, nuestro hombre común enfrentando lo imposible, en búsqueda de esa hija desaparecida, de la mano de esos amigos de toda la vida. En papel, fue la épica del ciudadano de a pie. En pantalla, es Ricardo Darín ("El Secreto de sus Ojos"), quien logra sostener una versión creíble del personaje, aunque por momentos uno siente que la leyenda del actor se come al tipo común que Salvo necesitaba ser.

Y menciono el papel porque hay diferencias con el comic; un comic que fue escrito en 1959 con el dibujo de Solano López, re-escrito (junto al dibujante uruguayo Breccia) en el '69, y que tuviera una segunda parte en 1976, nuevamente con Solano López como dibujante. Y el Héctor Germán Oesterheld del '59 no era el mismo que el de 1969, y mucho menos que el de 7 años después. Da la casualidad que las 3 versiones de "El Eternauta" coincidieron con 3 gobiernos de facto que viviera Argentina (Aramburu, Onganía, y Videla), y HGO era un tipo muy involucrado políticamente, al punto tal de que termina preso por sus activismo político, y posteriormente, se contaría entre los desaparecidos (junto a su mujer y sus tres hijas). En la serie de Netflix hay guiños a su figura, líneas de diálogo que resuenan con su historia personal, y una intención clara de vincular a Salvo con Oesterheld, al héroe con el cronista. No hay que ser demasiado sutil para leerlo: el Eternauta no viaja solo en el tiempo, lleva con él toda una generación que soñó y cayó.

En el comic, la historia se la cuenta el propio Salvo a Oesterheld en su estudio. Salvo es un viajero del tiempo (y de ahí El Eternauta, que en la serie no nos queda claro de dónde proviene el nombre). En la serie, por su parte, el relato es lineal, y no contado a posteriori. El tono político - como señalaba anteriormente - tiene gran presencia en el comic, sobre todo en la re-escritura del '69, y en la secuela del '76 (en el original, el tono es más sutil, haciendo referencia al imperialismo, la organización del hombre de a pie para resistir de forma colectiva). Tal vez en el comic el grupo tenga más importancia que en la serie, donde la presencia de Darin - como aludía en el párrafo de apertura - opaca un poco al resto del grupo. La familia de Salvo es más importante y con más tiempo de "pantalla" en la serie que dedicación en el comic, lo cual también es otra diferencia. Y luego está el aspecto visual, siendo un juego de blancos y negros en el comic, y aquí con más color y más sensación post-apocalíptica. En este sentido, algunos efectos especiales zafan, otros no tanto. Pero el mayor acierto está en el tono. Esa Buenos Aires que se hiela no es solo decorado: es una memoria congelada. Los pasillos, las casas bajas, los clubes barriales convertidos en trincheras: todo remite a un país donde la resistencia empieza en casa y con los amigos, y donde lo viejo no sólo funciona: es lo único que funciona.

Ahora bien, no todo brilla. La segunda mitad de la serie queda a medio camino entre "The Mist" de Stephen King y "La Guerra de los Mundos". Se vuelve más discursiva, menos tensa. Pero incluso en sus tropiezos, se nota que hay respeto por el material original. Y eso, en estos tiempos de reciclajes perezosos, es algo que se agradece. Queda la sensación de que uno le da más valor porque es argentina, porque la tiene cerca, y talvez por lo sucedido a Oesterheld...o por el mismo Darín. Tal vez si fuera una serie checa no le daríamos el mismo valor por estos lares. 

El Eternauta fue siempre una obra colectiva, en fondo y forma. La serie no traiciona eso. Aunque le falta pulso por momentos, se planta con dignidad frente a una herencia pesada. Porque lo que Oesterheld escribió en los ‘50 seguía siendo cierto en los ‘70, y sigue siéndolo ahora: la salvación no es del héroe solitario. Es del grupo. Del que organiza, del que acompaña, del que no suelta la mano.

Y si la nieve vuelve a caer —porque siempre vuelve, y habrá una segunda temporada— más nos vale tener claro con quién la vamos a enfrentar.

FICHA TÉCNICA:          
PAÍS: Argentina / USA
AÑO: 2025
GÉNERO:  ciencia ficción / aventuras / terror / thriller / drama
DURACIÓN: 6 x 60 minutos
GUIÓN: 9 /10  
DIRECCIÓN: 8 / 10
ACTUACIONES: 7 /10

CGI: 5 /10  

PRESUPUESTO: US$ 15.000.000

RATED: PG-16

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